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30 de diciembre de 2011

MIENTRAS DUERMES - El portero psicópata de Jaume nos mete el miedo en el cuerpo -




César es el portero de un edificio de apartamentos y no cambiaría este trabajo por ningún otro, ya que le permite conocer a fondo los movimientos, los hábitos más íntimos, los puntos débiles y los secretos de todos los inquilinos. Si quisiera podría incluso controlar sus vidas, influir en ellas como si fuera Dios, abrir sus heridas y hurgar en ellas. Y todo sin levantar ninguna sospecha. Porque César guarda un secreto muy peculiar: le gusta hacer daño, mover las piezas necesarias para producir dolor a su alrededor. Y la nueva vecina del 5ºB no deja de sonreír. Entra y sale cada día radiante y feliz, llena de luz. Así que pronto se convertirá en el nuevo objetivo del juego de César. Se trata de un reto personal, de una obsesión.
Balagueró se aleja de los ambientes sobrenaturales, plagados de fantasmas o zombies, para adentrarse en terrores más cercanos y cotidianos. La cinta nos presenta a César, portero de un edificio de viviendas, bajo cuya apariencia ordenada y afable se esconde un psicópata en desarrollo, con un ansia existencial por causar dolor a los que le rodean como único modo de alcanzar la felicidad. 

En este sentido, Balagueró se apoya casi por completo en la extraordinaria interpretación de Luis Tosar (las quinielas auguran un goya) ,quien de manera sobria y con pocos elementos, nos introduce en la sórdida mente de su personaje. 
Ambos artistas, Balagueró y Tosar, sitúan al espectador en una morbosa tesitura. Al narrar la historia desde la perspectiva de César, nos vemos dirigidos a empatizar con un personaje amoral y sádico, aunque en ningún momento se cae en justificaciones baratas ni se intenta hacer simpático al personaje.El actor y el director han compuesto un personaje perfecto para expresar un sentido de lo perverso. Balagueró mantiene un terror frío,suspense puro y tempo reposado.
Por otro lado tenemos a Clara (Marta Etura), una joven simpática y moderna, frágil y atractiva, con un empleo fantástico, un novio guapo y poderoso (Alberto Sanjuan) y un piso acogedor y ¿seguro? Todo un reto para César. Más cerca de las tergiversadas venganzas asiáticas que del terror palomitero, a César no hay quien le pare en su carrera por destrozar la vida de Clara. Cuanto más inmune parece ella a las jugadas del macabro titiritero más resuelto parece el portero a darlo todo. Como si no hubiera un mañana. Y en este caso, literalmente, puesto que Clara se convierte en la razón de vivir de un hombre incapaz de ser feliz.
El novio (Alberto Sanjuan) es quizás el personaje menos definido de la película ,además la actuación de Alberto en esta historia no está a la altura de sus compañeros de metraje ,una pena.
La niña pequeña chantajeadora (Inés Almeida), es un personaje que podía haber dado más de sí y que no adquiere suficiente protagonismo durante el desarrollo de la película, hasta el final de la segunda parte. De nuevo se abre el debate en torno a las relaciones familiares y la obsesión por los niños a los que Jaume nos tiene acostumbrados.

Un elemento primordial en la cinta es el escenario, ese edificio de estructura clásica, pero con apartamentos remodelados, en el que transcurre la acción. Exceptuando las visitas de César a su supuesta madre, el resto del metraje se desarrolla íntegramente de puertas para adentro de la casa. 
A través de un cuidado diseño de producción, cada localización se identifica con su inquilino, generando departamentos estancos dentro del mismo inmueble, pero todos ellos unidos con un único objetivo, despertar suspense y terror en el espectador a partir de escenarios cotidianos y cercanos. De esta manera, todo el edificio pasa a convertirse en una extensión del 
personaje protagonista, acechando a cada uno de los vecinos y convirtiendo lo que debería ser un hogar en un elemento amenazante y turbador.

La película explora a la perfección el miedo a lo que sucede cuando cerramos los ojos, cuando el mundo continúa mientras nosotros estamos durmiendo, cuando nuestro espacio personal se ve violado, y consigue reflejarlo de una manera inquietante y perturbadora.
Jaume Balagueró sorprende también con su puesta en escena, prefiriendo una narración sobria y pausada, en absoluto intrusiva y dejando vía a libre a los personajes. No apreciamos salidas de tono y, pese al gusto del cineasta por imágenes de impactante violencia, aquí prefiere una agresividad contenida, donde incluso en el momento climático de la acción opta por no regodearse en imágenes demasiado explícitas, dejándolo casi todo a la imaginación del espectador. Al igual que la interpretación de Luis Tosar, esta austeridad en las imágenes y la puesta en escena beneficia a la cinta por su capacidad de sugerencia y sugestión, logrando además que en aquellos momentos en los que es necesario marcar más la acción Balagueró sólo necesite un ligero énfasis para provocar el efecto deseado, ya que previamente ha ido cargando de manera paulatina la tensión de la atmósfera.

Dicha tensión tiene el punto más álgido en la escena donde el personaje casi es descubierto por la víctima creando un estilo muy de Hitchcock que deja al espectador tenso y casi sin respiración hasta el desenlace la escena hay unos 3-4 minutos de buenísimo cine de suspense de parte del director.
Película impecable, se notan los años de experiencia de Jaume ,que dejará poso (seguramente con remake americano), y que acaparara premios y reconocimientos.
Comentar también la novela de Alberto Marini, una historia alumbrada por este y que Jaume Balagueró ha convertido en película. Pero no es el típico caso de la novela adaptada posteriormente al cine, ya que el libro y el filme se han desarrollado de manera paralela a partir de un guión de Marini (la película se estrena en octubre).
La relación profesional de este turinés con Balagueró ha sido estrecha en los últimos años: trabajó como productor ejecutivo en la franquicia '[REC]', del cineasta catalán y Paco Plaza, fue consultor de guión de 'Fragiles' y coautor de 'Para entrar a vivir'.
Por cierto ,no se olviden de mirar cada noche debajo de su cama y sobretodo ,de no dejar las llaves de su morada a según que personajes de este mundo loco ,nunca se sabe...hay que ser un poco prudente...saludos!











25 de diciembre de 2011

1001 VIDEOJUEGOS A LOS QUE HAY QUE JUGAR ANTES DE MORIR - La guía imprescindible para "gamers"-



La serie de libros ‘1001…’ ya se había convertido en una excelente referencia de consulta para los aficionados a la literatura, el cine o la música. En 2011 se publica en españa el tomo dedicado a los videojuegos, todo un merecido reconocimiento para un arte que, aún siendo todavía joven, ha producido en su seno un buen puñado de obras imprescindibles.
La titánica labor recopilatoria que guardan en su interior las casi mil páginas de ‘1001 videojuegos a los que hay que jugar antes de morir’ sólo podía salir desde las entrañas de Edge. La admirada revista ha demostrado siempre un respeto sumo por lo que se ha denominado la Videogame Culture. Un respeto que se ha reflejado, número tras número, en textos de calidad, en análisis inteligentes. Edge siempre ha tratado al lector de videojuegos como un adulto y a este medio como algo serio con capacidad de trascendencia.
Tony Mott, redactor jefe de Edge y principal artífice de este libro imprescindible, no está solo. Más de treinta colaboradores de impresionante curriculum se encargan de poner su experiencia a la hora de redactar los textos.
El autor lleva más de veinte años dedicado profesionalmente al ocio digital interactivo y que, en las últimas tres décadas, calcula que ha jugado a 20.000 títulos diferentes. 
"Ten en cuenta que los videojuegos son mi profesión además de mi hobby", se justifica este experto en una entrevista con Efe en la que reconoce que algunos de los títulos que aparecen en la lista, "los menos", no habían pasado por sus manos, aunque "desde luego había oído hablar todos ellos" y los probó antes de incluirlos. 
Conseguir acceder a juegos que en algunos casos cuentan con casi 40 años "ha sido difícil muchas veces", pero, tras la experiencia, Mott apunta algunos consejos para conseguirlo: aprovechar las consolas compatibles con juegos antiguos, descargarse emuladores y, ante cualquier duda, "consultar alguna de las muchas webs dedicadas a los juegos 'vintage'".
Casi la mitad del libro está dedicado a juegos publicados en los últimos diez años, algo que Mott explica diciendo que "algunas recomendaciones estarán siempre en la lista de imprescindibles de los videojuegos, pero no hay que tener miedo del progreso (...): estoy muy emocionado con los juegos que aún están por venir".
Sin adelantarse al futuro, Mott apunta que 2011 "ha sido un gran año para la industria" porque ha llegado repleto de candidatos a este listado de videojuegos que no hay que perderse. 
"Por mencionar solo tres, destacaría 'Dark Souls', 'The Elder Scrolls V: Skyrim' y 'The Legend of Zelda: Skyward Sword'. En muchos aspectos son muy tradicionales, con todos esos elementos de hechicería y espadas, pero, cada uno a su modo, han establecido nuevos estándares para los videojuegos", relata este experto. Como se suele decir en estos casos, genio y figura hasta la sepultura.
Preguntado por Efe sobre qué juego recomendaría a alguien que tuviera tiempo para jugar a uno solo, Mott no lo duda y apunta al "Tetris", porque "es un propuesta de lo más simple pero siempre te entran ganas de seguir jugando. Apareció en Rusia hace veintisiete años y aún hoy se producen nuevas versiones, lo que demuestra lo atemporal de su concepto". 
Con prólogo de un grande de los videojuegos, el creador de la saga "Fable", Peter Molyneux, y con espacio para valorar cómo medios como Facebook o los móviles han ampliado los públicos a los que llegan los videojuegos, "1001 Videojuegos a los que hay que jugar antes de morir" incluye acertadas críticas y completos resúmenes de los títulos que compendia, con fotos que ilustran los más representativos. 
La estructura del libro es la de siempre en esta serie. De forma cronológica y separados por décadas se reseñan los títulos elegidos, estando los textos precedidos por el nombre, el año, la plataforma, el desarrollador y el género del juego en cuestión.
Tal vez la presencia de tantos títulos ponga en evidencia el poco tiempo que llevan entre nosotros los videojuegos. Hay muchos que pueden resultar cuestionables, resultando así más fiables las listas de 100 imprescindibles que pululan por la red (o de forma física, como la selección que editó la propia revista Edge hace unos años). Aún así el valor y la relevancia de este libro son incuestionables.
El carácter cronológico de la recopilación convierte ’1001 videojuegos a los que hay que jugar antes de morir’ en un excelente repaso de lo que ha dado de sí esta industria hasta ahora. Se hace visible la evolución del medio, y en verdad resulta impresionante la presencia de obras maestras atemporales en cada una de las décadas reseñadas.
Resulta curioso igualmente que encontrar maravillosas creaciones de tono minimalista tanto al principio como al final de la obra. El pixel, la (a veces sólo aparente) sencillez como algo impuesto por los límites de la tecnología en los 70, 80 y primeros 90, y la vuelta a esos parámetros en pleno siglo XXIpor voluntad propia gracias a la proliferación de pequeñas desarrolladoras y del contenido descargable.
Una de las portadas inglesas de ’1001 videojuegos a los que hay que jugar antes de morir’ tiene a Pacman en su portada, pero prefiero la elección realizada para la edición española. El extraterrestre de ‘Space invaders’ es igualmente un icono, pero su diseño a base de visibles pixeles refleja a la perfección la brillante creatividad de la que son capaces los videojuegos. Continuamos caminando.
El libro "1001 videojuegos a los que hay que jugar antes de morir" no se conforma con catalogar los juegos imprescindibles, sino que hace un repaso histórico del ocio digital interactivo, desde el "Pong" de 1972 hasta el cinematográfico "Heavy Rain", con margen para nuevas incorporaciones.
El poso que deja el libro es eso que tanto se repite y que a veces resulta difícil creer: que existe un videojuego adecuado para cada persona y para cada momento. 
Una obra imprescindible para todo “gamer” que se precie , a disfrutarla!!!






23 de octubre de 2011

ARRIETTY y el mundo de los diminutos - La nueva maravilla del estudio Ghibli de nuevo en la cúspide de la animación -





En una casita oculta bajo las tablas del suelo de una mansión campestre, vive una familia de seres diminutos, de apenas 10 cm. de altura, que tienen la norma de no dejarse ver nunca por los seres humanos; sin embargo, su tranquila existencia cambia cuando Arrietty, una audaz adolescente, es vista accidentalmente por un niño que se acaba de establecer en la casa debido a su delicada salud. Al tiempo que entre ambos surge una gran amistad, la existencia de los diminutos seres se verá peligrosamente amenazada... Adaptación del cuento infantil "The Borrowers", escrito por Mary Norton y ambientado en el Tokio contemporáneo.



La historia se centra en la tolerancia de las personas, en la capacidad de entendimiento entre seres distintos, en lo que hay que conquistar y en lo que se nos escapa y debemos dejar ir.Una trama contada con lentitud, con "pequeñas" escenas hermosas y mucha imaginación. No le falta de nada para disfrute de grandes y pequeños.
El mundo que rodea a los diminutos está cuidadosamente detallado: los zonas por los que se mueven, los entornos naturales en los que se camuflan,pero lo mejor está en los detalles, llenos de belleza, merece la pena pararse a ver como han trabajado con mucha imaginación los creadores de los escenarios habilitados para los diminutos personajes (clavos a modo de pasarela ,gadgets que utiliza el padre en sus expediciones,etc) ,una maravilla para curiosos en general ,todo ello envuelto por la magia de la animación tradicional. 

Pero lo que realmente llama la atención es como el sonido juega con nuestros oídos para que tengamos la sensación de que estamos inmersos en su pequeño mundo con ellos. Todos los sonidos que oye la joven Arrietty están adaptados para que nosotros los oigamos tal y como lo haríamos si midiésemos su estatura y eso se combina de maravilla con lo introspectiva que es la película pues la música no suena en largos espacios de tiempo, creando simplemente atmósfera, logrando una inmersión en la acción extraordinaria: los sonidos del interior de una casa, los sonidos del campo, todo nos traslada al colorido mundo de Arrietty.
La animación es 100% ghibli ,una verdadera obra maestra en colorido y dibujos ,como si fuera un cuadro precioso en cada escena, una magnífica obra de arte visual dibujada a mano en 2D tradicional.


Es el propio Miyazaki, el que se hace cargo del guión, para el que toma prestados los famosos personajes creados por Mary Norton. Precisamente es el hecho de usar a unos personajes tan asentados en la cultura occidental,en un mundo onírico, lo que le hace alejarse de las leyendas niponas a las que ya estábamos acostumbrados, y le da a la película una dimensión bastante distinta a la habitual en la obra de Ghibli, pero en la que todo funciona perfectamente narrado con un mimo enternecedor.


En general tiene ecos a dos grandes películas del estudio como "Mi vecino totoro" y "ponyo en el acantilado".
Viendo los resultados de esta película podemos decir que por suerte nos esperan títulos muy en la linea del estudio ghibli ,historias llenas de humanidad y amor a la naturaleza ,y sobretodo ,con una calidad que es el sello personal de ghibli y que es sin duda una de las características que les ha llevado a ser la referencia de calidad en cine de animación japonés.
El director Yonebayashi ha expresado perfectamente su manera de hacer cine y por supuesto no ha renunciado a sus raices dentro de ghibli para no hacer un ejercicio de superación o copia al maestro Miyazaki sino una versión propia del mundo de la animación del estudio al que pertenece logrando el sobresaliente en su opera prima, el trabajo de un alumno aplicado, una de las mejores películas de animación del año.
En 2010, Ghibli ha firmado su decimoctavo film demostrando que en los 25 años que lleva en activo, no ha perdido ninguno de sus ingredientes para realizar películas mágicas llenas de sentimiento que han halagado a público y crítica del mundo entero.
La música de Cécile Corbel le da un toque natural y un poco melancólico trasladándonos a aquellas grandes casas de campo de veraneo donde sobresalía la naturaleza y los animales en un paisaje idílico de cuento con tonos célticos.
Una fantasía de ghibli que nos vuelve a demostrar que el cine de animación con sentimiento y grandes personajes no tiene rival ,otro sueño del estudio hecho realidad, y ya van unos cuantos...







18 de septiembre de 2011

Premio Blogero



El premio bloggero tiene como objetivo se un puente de comunicación entre bloggers .Una manera de que todos nos conozcamos y de que nuestro trabajo sea un poco más conocido en la blogosfera. Posee cuatro requisitos fundamentales que deben cumplirse:


  • Anunciarlo en una entrada de tu blog.
  • Premiar a otros 10 blogs amigos y avisarles.
  • Poner un enlace al blog que te ha concedido el premio.
  • Compartir una frase y explicar por qué te gusta.

Los 10 galardonados son:
  - El cinéfago ,CINÉFAGOS ANÓNIMOS, que ha sido el que me ha premiado ,gracias!
 - Orazal74 ,DESHACER EL MUNDO, de orazal74 .Tiene un blog de fotografía "de perlísimas" en su primer año como profesional canonista de reflex, muy recomendable.
  - Jordicine ,PARANOIA 68.
  - Javi  , CINÓDROMO.
  - Worc ,ESTO ES UN CARACOL...Y DERRAPA.
  - Outsider ,CINE CON ALMA.
  - Ricard ,CLASSICS DE CINEMA.
  - Atreyu ,1000 PELÍCULAS ANTES DE MORIR.
  - David Amorós ,LOST HIGHWAY BLOG.
  - CineManiaco ,De Película!!! CineManiaco Presenta Lo mejor...y lo peor del cine...


La frase la verdad es que hay muchas y muy buenas ,pero ahora mismo la que más me viene a la cabeza debido a el último libro que acabo de leer y que se llama "Lágrimas en la lluvia" de Rosa Montero (recomendación para todos los cinéfilos en general ,muy bien escrito ,una mezcla de todas las mejores películas de ci-fi que hemos visto) .La frase es la mítica de Rutger Hauer en "Blade runner" .Una frase que resume mi gusto por la ciencia ficción tanto en lectura como en cine y que seguro todos los cinéfilos conoceis de sobra:


"Yo... he visto cosas que vosotros no creeríais: Atacar naves en llamas más allá de Orion.
He visto rayos C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser.
Todos esos momentos se perderán... en el tiempo... como lágrimas en la lluvia.
Es hora de morir" - Roy Batty








 Saludos replicantes......



23 de agosto de 2011

FASE 7 - Entre REC y La comunidad anda el nuevo y bizarro cine argentino -





Coco (Daniel Handler) acaba de mudarse a su nueva casa con Pipi (Jazmín Stuart), su esposa embarazada de siete meses, cuando su edificio es puesto bajo cuarentena por la aparición de un virus mortal. Rápidamente el aislamiento trae aparejados problemas básicos ,como la escasez de víveres ,que ponen en riesgo la subsistencia de los vecinos ,quienes se convierten en enemigos inesperados ,tejiendo alianzas y urdiendo conspiraciones. Coco se ve obligado a una alianza con su vecino Horacio (Yayo Guridi), inestable y paranoico ,pero muy bien preparado y pertrechado ,para defender el contenido de su refrigerador y mantener a Pipi a salvo.
Si nos paramos un momento a recordar acontecimientos que como poco nos resultaron curiosos hace unos años ,seguro que nos viene a la cabeza la paranoia de la Gripe A o gripe porcina que nos vendieron a todos.
Llegó a ser tal la fobia que en los telediarios se veía muchas veces la típica imagen del metro de Tokio en la cual todos o la inmensa mayoría de sus usuarios llevaban a buen recaudo su mascarilla aullenta pandemias...era tal el grado que estornudar o toser en público se convertía en la manera más práctica de quedarse solo en cualquier sitio.
Nicolás Goldbart ,un joven realizador más conocido por su tarea de montajista de grandes títulos como El Bonaerense o Mundo Grúa ,ahora toma el cargo dirigiendo y escribiendo una historia arriesgada para el siempre difícil espectador argentino.
Fase 7 parte ya de la exageración de su título (recordemos que entonces las fases eran 6) para contarnos la historia de un matrimonio en la dulce espera de su primer primogénito que tras una obligada cuarentena por una pandemia global debe convivir con sus vecinos de edificio encerrados por tiempo indeterminado.
Y cuando los víveres parecen ir escaseando la cosa se pone dura y lo que empezó dentro de un marco de comicidad ,termina siendo una muy buena apuesta de cine de género de acción con gotas bizarras.
Una película en la que se mezclan géneros de una manera brillante y donde la comedia y los diálogos a lo Woody Allen la llevan a un nivel bastante alto y original ,incluso se entremezclan las conspiraciones de por medio entre los personajes.
La mezcla de películas es otro factor que viene a la mente ,en este caso las dos son españolas ,REC y La Comunidad se ven homenajeadas por el director.
Una buena hornada fresca para el cine argentino del cual no estamos acostumbrados a este tipo de sorpresas cinéfilas.
Irónica y paródica hasta la saciedad debió de ser un auténtico placer poder verla en el anterior festival de Sitges 2010 donde se llevó el premio a mejor guión con creces y méritos y donde las carcajadas en las salas donde se proyectó serían muchas por parte de los fanáticos del festival ,realmente divertida.
Comentar también que uno de los muchos atractivos es verla en el idioma natal ya que la verborrea callejera de alguno de sus protagonistas no tiene precio ,un humor negro argentino bastante actual y fresco.
Visualmente es bastante correcta y además tiene una edición de sonido fantástica ,aplausos para Martín Grignaschi. Y si hablamos de sonido ,imposible no nombrar a Guillermo Guareschi ,encargado de la música ,quien le da por momentos sabios toques de humor con sus ritmos al mejor estilo western y otros en los que marca la tensión que se vive en este claustrofóbico film.
A pesar de lo mucho que se la quiera comparar con otros films de temática similar , Fase 7 sale más que airosa en una historia personal sobre la exageración de una paranoia puntual en la que varios podrían verse reflejados ; y si se quiere ahondar más hasta podríamos encontrar muchas razones para ponernos a reflexionar sobre las distintas formas de hacer frente a una situación extrema determinada.
Los protas nos recuerdan a los típicos personajes un poco perdedores y variopintos con los que el cine argentino juega a la hora de las parodias o escenas graciosas ,en este caso muy conseguido (las pintas de los dos con los trajes en cuestion rojo y amarillo no tiene precio...).
Las actuaciones son realmente destacables ,sobre todo la de Yayo Guridi , a quien acostumbrados a verlo en un mismo papel sorprende realmente al espectador en el papel de Horacio ,un paranoico que le hace la competencia al mismísimo Jerry Fletcher y quien ,a pesar de no ahorrar en alguna que otra postura própia ,sale excelentemente parado en su debut dentro de la gran pantalla junto a nada más y nada menos que Daniel Hendler ,uno de los actores que más ha crecido en el cine argentino últimamente .
Federico Luppi merece mención especial con su papel al mejor estilo viejo Eastwood ,e incluso recortada en mano llega a recordarnos al malo de "Swarzie"  en sus papeles de Terminator ,aportando con el personaje de Zanuto el broche de oro de un trio que será ya de culto para más de uno.
Goldbart promete ,hace una entrega más que aprobada para una ópera prima en un género que no es fácil ,regala escenas que son de antología y que nada tienen que envidiar a otras de su estilo .
Arriesgada ,visualmente muy cuidada ,bien actuada y muy divertida , ¡No se puede pedir más!


29 de julio de 2011

When you're strange - "Si se abrieran las puertas de la percepción todas las cosas se mostrarían tal como son...infinitas" -William Blake-






Cuando en 1965, cuatro amigos se unieron interpretando canciones acompañadas por los versos compuestos por un tal Jim Morrison, no pensaban que llegarían a convertirse en uno de los grupos de rock más importantes de los años setenta.
Junto a Morrison, que ponía la voz, se encontraban Ray Manzarek en los teclados, Robby Kriegger a la guitarra y John Densmore en la batería. Los cuatro formaban el grupo The doors.
Su primera actuación, en un pequeño local, fue un tremendo desastre. Nadie acudió al concierto. Comenzaron a tocar en locales de poca reputación, intentando sacar algo de dinero para continuar con su carrera, mientras Morrison se debatía entre sus dos pasiones: las mujeres y las drogas. Les cuesta mucho encontrar casa discográfica, pero finalmente fichan por una pequeña compañía, donde comienzan a trabajar.
En 1967 publican su primer disco, “The Doors”. El single 'Light My Fire' se convirtió rápidamente en número uno. El disco contenía, además, temas como 'The End' (11 minutos tratando el complejo de Edipo), Break On Trought' y 'Light My Fire'. Todo el disco tiene un aire teatral, influido por las actuaciones de Jim Morrison. En general, los temas tratan de forma explícita el tema del sexo y las drogas.

El gran aliciente de los conciertos del grupo era ver a Jim Morrison entrar en trance en mitad de una interpretación y recitar poesías o bailar como un loco. Proclamaba el 'amor, sexo, drogas y rock'n Roll'. Despreciaba la autoridad, hasta que en el transcurso de un concierto mostró los genitales al público y fue detenido por escándalo público.
En 1968 The Doors sacan 'Waiting For The Sun'. En general, los temas de las canciones bajaron el contenido sexual por temas con mensaje social.
En 1969 editan 'Morrison Hotel', cuyo título se debe al hotel elegido para la portada del disco. Todos los temas del disco están compuestos por Jim Morrison, aunque para alguno de ellos contó con la colaboración de sus compañeros.
En 1971 The Doors publican 'L.A. Woman'. Cuando salió el disco, Jim Morrison acababa de despedirse de sus compañeros para marcharse a París a escribir poemas. Un mes después, el 3 de julio, era
 encontrado en su habitación, víctima de un infarto, fruto de sus desmadres y abusos con las drogas.

El documental de Tom Dicillo hipnotiza rápidamente gracias en parte a la narración pausada de Johnny Deep, que según cuentan se involucró en la película gracias a su personal fascinación por Morrison. La aportación más interesante de la cinta son las imágenes inéditas del grupo y el tratamiento del juicio por el que, el siempre "puesto" cantante, fué condenado a cuatro meses de trabajos forzosos debido al disturbio de Miami. Esa especie de demostración de la caída del mito, corroborada por estremecedoras imágenes de esos días, poseen un valor documental muy preciado ,un trabajo de documentación que le proporciona a la cinta su mayor virtud describiendo lo esencial de la historia del grupo ,símbolo de una época que no ha vuelto a repetirse.
En medio de la vorágine revolucionaria ,un grupo de chicos triunfa en la música e influyen en la historia con sus actos ,especialmente Morrison que acaba totalmente devorado por su propio personaje bipolar.
La película sirve como una reflexión de la fama y sus consecuencias , al igual que lo hacía el biopic de Oliver Stone.
El documental se compone de un repaso a los primeros años del grupo ,para detenerse y profundizar en los años más tormentosos entre el 68 y el 71 ,cuando el alcohol y otras sustancias hacen mella en el ídolo de las masas y destruyen a la estrella del rock. Asistimos a la degustación de las canciones más conocidas o de algunas rarezas ,como la versión de The end interpretada en la Isla de Wight.
Un metraje de obligado visionado para poder conocer un poco más la leyenda de The doors que sigue y seguirá encenciendo el fuego del mito creado por un visionario y poeta del rock.





28 de junio de 2011

Inside Job - El poder corrupto de las grandes esferas deja el mundo sin money...ver para creer... -




Documental no sólo sobre las causas, sino también sobre los responsables de la crisis económica mundial de 2008, que significó la ruina de millones de personas las cuales perdieron sus hogares y empleos, y, además, puso en peligro la estabilidad económica de los países desarrollados. A través de una extensa investigación y de entrevistas a financieros, políticos y periodistas, se muestra el auge de empresarios sin escrúpulos y la degradación de la política y la educación.
"Inside Job" presenta la indignante historia de un “gobierno de Wall Street” y explica cómo esta reciente crisis financiera ha sido efectivamente un “inside job” o delito interno colectivo ejecutado por banqueros, políticos, agencias calificadoras, burócratas y profesores universitarios, quienes utilizaron la desregulación para crear y promover complejos instrumentos financieros derivados y titulizados – conocidos por algunos como “armas de destrucción masiva” – para beneficiar sus propias cuentas bancarias, mientras hacían la vista gorda cuando el mercado de hipotecas se desplomó, arrasando con los ahorros de toda una vida de muchas personas comunes y corrientes. Tal y como se afirma en la película, “esta crisis no fue un accidente.”
Según su director, Charles Ferguson, "Era una crisis totalmente evitable; de hecho durante 40 años después de la Gran Depresión, los Estados Unidos no tuvo ni una sola crisis financiera. Sin embargo, la progresiva desregulación del sector financiero desde la década de los ochenta, ha dado paso a una industria cada vez más criminal, cuyas “innovaciones” han generado una sucesión de crisis financieras. Cada crisis ha sido peor que la anterior y sin embargo, gracias al creciente poder y riqueza de la industria, muy pocas personas han sido encarceladas en cada una de ellas. En el caso de esta crisis nadie ha sido encarcelado, a pesar del fraude que ha causado pérdidas de billones de dólares. Es mi esperanza que a través de esta película, en menos de dos horas, todos puedan comprender la naturaleza esencial y las causas fundamentales de este problema. También espero que después de verla, independientemente de la opinión política, los espectadores puedan estar y podamos estar todos de acuerdo en la importancia de restaurar la honestidad y la estabilidad a nuestro sistema financiero, y de exigir responsabilidad a aquellos que lo han destrozado." 

Narrada por el ganador del Oscar Matt Damon, se rodó en exteriores en los Estados Unidos, Islandia, Inglaterra, Francia, Singapur, y China. 
Como suele pasar con muchos documentales de este tipo que cuando acaba la proyección se tiene una gran sensación de incredulidad ,impotencia y rabia por lo que nos acaban de mostrar y sobre todo por qué se consintió tal robo a gran escala por parte de buitres en forma de mandamases estúpidos quedando impunes y sin cargos ,verdaderamente nuestra raza humana tiene mucho camino por delante para recorrer pero no cabe duda de que si puede ser con personas que sepan llevarnos será mucho mejor.Por cierto ,creo que viene muy al caso ,los que se interesen por estas lineas y quieran indagar en el tema recomiendo un libro que lei el verano pasado y que conocerá bastante gente que se  llama "La doctrina del shock" ,el auge del capitalismo del desastre ,de la autora Naomi Klein ,además hace pocos días que está en cartelera el documental basado en el libro que ha realizado Michael Winterbottom ,una joya!Una película que debería ser de visionado obligado en todas las escuelas y universidades, lección pura y dura.


Técnicamente el trabajo Charles Ferguson es bastante bueno, un montaje correcto, un ritmo dinámico y rápido, una buena fotografía dentro del ámbito de que es un documental sobre una crisis económica y una BSO que ayuda a meterte de lleno en la interesante verdad que nos cuenta Ferguson.
Si es cierto que el documental es difícil seguirlo al 100%, sobretodo en cuanto a términos de economía y banca , hay una infinidad de nombres, de cifras y de personajes involucrados, es un documental que cuenta una información de forma bastante rápida, por lo que se debe estar muy atento a lo que cuenta para no perderte ningún detalle.
Recomendado a todo el mundo que le interese el tema, seguro que lo disfruta plenamente ya que lo que cuenta es una verdad muy interesante, que por una parte nos fascina y por otra nos da rabia por todo lo que se ha producido y que luego no se hayan tomado medidas al respecto,

"…se negó a ser entrevistado para esta película", es la frase predominante de todo el documental.
El propio documental también explora la crisis desde el exterior para conducirlo al interior. Se nos dice el cómo pasando al ‘por’ y acabando al ‘dónde’. Desde la superficie hasta el núcleo, desde Reagan hasta nuestros días, desde Islandia y su burbuja hasta el concepto y denuncia del documental: nada ha cambiado. Los excesivos salarios y bonus de las agentes de Wall Street siguen indemnes y ninguno está detrás de unos barrotes.
La colección de aberraciones y verdades son dignas de un filme de terror: el sistema político está corrompido desde sus entrañas, la crisis y burbuja se veía venir años antes por muchos especialistas que fueron ignorados, la Comisión de Valores de Intercambio no hizo investigaciones de los bancos de inversión en la burbuja y pese a millones de despedidos y pérdidas las bonificaciones para los ‘ladrones’ fueron aún más altas.
Charles Ferguson se rodea de documentación, material de archivo, testimonios de especialistas, implicados y, sobre todo, ausentes. Y es precisamente donde planea la crisis: todo aquel que la ha provocado o ha salido beneficiado económicamente tiene amnesia propia de una resaca.
Pese a contar verdades como puños sobra algún momento lacrimógeno y no sé hasta qué punto de un documental tan necesario como “Inside Job” es merecedor de imagen cuando cuenta todo en su texto. ¿Mejor una película que un libro?

 Posiblemente, porque la labor principal de Charles Ferguson es hacernos entrar a los foráneos de la materia el contenido de los crímenes que han cometido estos tipos bajo el mandato de lo conciso, claro y entendible, que entendamos todo el trabajo y mecanismos de estos ingenieros de pesadillas.
Muchas revelaciones de Inside Job enfadan al personal, indignan: la mayoría jugaron con nuestros ahorros, muchos se aprovecharon de una burbuja inmobiliaria y de bienestar que explotó... y nada ni nadie parece dispuesto a cambiar. Quizás centra en exceso su discurso en los Estados Unidos y se olvida de los ciudadanos de a pié, pero la película llega como un cuchillo afilado. Inside Job es uno de los mejores documentales ganadores del Oscar: empieza con unos títulos de crédito que evocan el Wall Street de Oliver Stone (incluso la segunda parte de esa película podía leerse en clave de crisis económica), y acaba con la Estatua de la Libertad demostrando su particular sentido del humor y su incansable espíritu luchador. 
Claro ejemplo del dicho de que la realidad supera a la ficción en este caso a peor imposible... 
Y como dijo el director Charles Ferguson al recoger la estatuilla: ¿cómo puede ser que nadie esté pagando con años de cárcel por tal catástrofe? ,al menos ya hemos caido en la piedra ,pero lo que da más miedo ,volveremos a tropezar en la misma susodicha?, esperemos que no...



22 de mayo de 2011

Mary and Max - Lecciones de vida y el poder de la amistad verdadera en Stop-Motion -



Esta fábula sobre la amistad “vista desde el corazón, no con los ojos”, es el Primer largometraje del ganador del Oscar ,el australiano Adam Elliot, "Mary and Max" y narra la larga amistad por correspondencia entre un cuarentón judío y obeso de Nueva York y una niña australiana de 8 años que vive en los suburbios de Melbourne.

En la era de la tecnología donde los ordenadores, móviles, el msn, facebook, etc ,nos hacen más rápida y facil la comunicación con los nuestros la historia nos demuestra como antaño personas que estaban a miles de kilómetros de nosotros intercambiaban puntos de vista escribíendo cartas ya sea a mano o con máquina de escribir, con todo su encanto que ahora se ha perdido como el ir a echarla al correo, ponerle su sello y ver como se perdía entre los miles de sobres para poder dirigirse a su destino.


Pues esta película nos enseña como dos personas tan distintas pero al mismo tiempo parecidas, inician una comunicación vía correo convencional. Ambos dedican tiempo a contestar las cartas del otro hasta crear una hermosa amistad.


Porque todavía se desmuestra que el romanticismo es indispensable en un mundo que parece haberse olvidado de la aventura, la fantasía y las emociones del alma y porque relatar los momentos, los ejemplos, las situaciones será siempre el arte del cine.
Absolutamente conmovedora ,una película para público adulto dura y realista ,injusta por momentos pero muy recomendable. Al final del visionado enseguida vienen a la mente los referentes del cine de animación crudo y tambien cruel como son las grandes "La tumba de las luciérnagas" de Isaho takahata y la imprescidible y una de las mejores del género "Cuando el viento sopla"de Jimmy t .Murakami .Marcada por
 un ritmo acompasado y con temas musicales de la historia del cine (“Zorba el griego” o “Qué será, será”, del filme “El hombre que sabía demasiado” y que hiciera famosa en su momento la actriz Doris Day).

Tremendamente imaginativa, inteligente y sabia, tierna ,emotiva , 'Mary and Max' es una historia sobre las diferencias de la vida . El trabajo de animación en plastilina es maravilloso, vivo y detallado, visualmente una delicia para los amantes de la animación artesanal del mejor estilo Aardman animations ,(en ocasiones sus personajes recuerdan a muchas producciones tipo Wallace & Groomit.Una pena que todavía no haya llegado a nuestras pantallas y tengamos que verla en V.O.S.E ,haber si alguna distribuidora se acuerda de los espectadores españoles que se están perdiendo esta gran película.


La estética de la imagen a base de grises, le da un tono misterio a la película ,y es que los humanos lo somos, y aunque este sea un ente casi protagonista (la ausencia del color),“Mary y Max” no cae nunca en sensiblerías y un final feliz. Se empatiza con los personajes desde el principio y cuando acaba la película se quedan en la mente por mucho tiempo.
Es un regalo... poesía urbana que relata la amistad de dos vidas miserables envueltas en la soledad más profunda. Un cuento oscuro pero de una ternura admirable. Un prodigio visual que te deja con los ojos húmedos. 
Cada dialogo, cada frase, cada momento es de sentimiento puro, una crítica inteligente y directa a la sociedad.


Mary and Max, dos complementos, dos vidas. Si no se hubieran encontrado sus caminos, probablemente no se hubieran dado cuenta de la importancia de ciertas cosas. Creemos que es Mary la que ayuda a Max, pero Max también ayuda a Mary. se complementan a la perfección ,estan hechos el uno para el otro ,medias naranjas separadas por kilómetros.
La frase final de la película resume a la perfección la película:

Dios nos dio familiares...
gracias a Dios que podemos elegir nuestros amigos.




Todo eso y más es Mary and Max ,un canto a los vínculos afectivos que llenaran nuestras vidas y cuyo valor es incalculable ,una lección de que no podemos elegir nuestros defectos porque forman parte de nosotros, aunque si podemos elegir películas como esta que merece estar entre las mejores de animación de todos los tiempos, una joya ,disfrútenla amigos mios.



Premios:


2009: Festival de Annency: Mejor película
2009: Festival de Berlín: Oso de Cristal (mención especial - Generation 14plus)







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