FASE 7 - Entre REC y La comunidad anda el nuevo y bizarro cine argentino -

Coco (Daniel Handler) acaba de mudarse a su nueva casa con Pipi (Jazmín Stuart), su esposa embarazada de siete meses, cuando su edificio es puesto bajo cuarentena por la aparición de un virus mortal. Rápidamente el aislamiento trae aparejados problemas básicos ,como la escasez de víveres ,que ponen en riesgo la subsistencia de los vecinos ,quienes se convierten en enemigos inesperados ,tejiendo alianzas y urdiendo conspiraciones. Coco se ve obligado a una alianza con su vecino Horacio (Yayo Guridi), inestable y paranoico ,pero muy bien preparado y pertrechado ,para defender el contenido de su refrigerador y mantener a Pipi a salvo.
Si nos paramos un momento a recordar acontecimientos que como poco nos resultaron curiosos hace unos años ,seguro que nos viene a la cabeza la paranoia de la Gripe A o gripe porcina que nos vendieron a todos.

Llegó a ser tal la fobia que en los telediarios se veía muchas veces la típica imagen del metro de Tokio en la cual todos o la inmensa mayoría de sus usuarios llevaban a buen recaudo su mascarilla aullenta pandemias...era tal el grado que estornudar o toser en público se convertía en la manera más práctica de quedarse solo en cualquier sitio.

Nicolás Goldbart ,un joven realizador más conocido por su tarea de montajista de grandes títulos como El Bonaerense o Mundo Grúa ,ahora toma el cargo dirigiendo y escribiendo una historia arriesgada para el siempre difícil espectador argentino.
Fase 7 parte ya de la exageración de su título (recordemos que entonces las fases eran 6) para contarnos la historia de un matrimonio en la dulce espera de su primer primogénito que tras una obligada cuarentena por una pandemia global debe convivir con sus vecinos de edificio encerrados por tiempo indeterminado.
Y cuando los víveres parecen ir escaseando la cosa se pone dura y lo que empezó dentro de un marco de comicidad ,termina siendo una muy buena apuesta de cine de género de acción con gotas bizarras.
Una película en la que se mezclan géneros de una manera brillante y donde la comedia y los diálogos a lo Woody Allen la llevan a un nivel bastante alto y original ,incluso se entremezclan las conspiraciones de por medio entre los personajes.
La mezcla de películas es otro factor que viene a la mente ,en este caso las dos son españolas ,REC y La Comunidad se ven homenajeadas por el director.
Una buena hornada fresca para el cine argentino del cual no estamos acostumbrados a este tipo de sorpresas cinéfilas.
Irónica y paródica hasta la saciedad debió de ser un auténtico placer poder verla en el anterior festival de Sitges 2010 donde se llevó el premio a mejor guión con creces y méritos y donde las carcajadas en las salas donde se proyectó serían muchas por parte de los fanáticos del festival ,realmente divertida.

Comentar también que uno de los muchos atractivos es verla en el idioma natal ya que la verborrea callejera de alguno de sus protagonistas no tiene precio ,un humor negro argentino bastante actual y fresco.
Visualmente es bastante correcta y además tiene una edición de sonido fantástica ,aplausos para Martín Grignaschi. Y si hablamos de sonido ,imposible no nombrar a Guillermo Guareschi ,encargado de la música ,quien le da por momentos sabios toques de humor con sus ritmos al mejor estilo western y otros en los que marca la tensión que se vive en este claustrofóbico film.
A pesar de lo mucho que se la quiera comparar con otros films de temática similar , Fase 7 sale más que airosa en una historia personal sobre la exageración de una paranoia puntual en la que varios podrían verse reflejados ; y si se quiere ahondar más hasta podríamos encontrar muchas razones para ponernos a reflexionar sobre las distintas formas de hacer frente a una situación extrema determinada.
Los protas nos recuerdan a los típicos personajes un poco perdedores y variopintos con los que el cine argentino juega a la hora de las parodias o escenas graciosas ,en este caso muy conseguido (las pintas de los dos con los trajes en cuestion rojo y amarillo no tiene precio...).
Las actuaciones son realmente destacables ,sobre todo la de Yayo Guridi , a quien acostumbrados a verlo en un mismo papel sorprende realmente al espectador en el papel de Horacio ,un paranoico que le hace la competencia al mismísimo Jerry Fletcher y quien ,a pesar de no ahorrar en alguna que otra postura própia ,sale excelentemente parado en su debut dentro de la gran pantalla junto a nada más y nada menos que Daniel Hendler ,uno de los actores que más ha crecido en el cine argentino últimamente .

Federico Luppi merece mención especial con su papel al mejor estilo viejo Eastwood ,e incluso recortada en mano llega a recordarnos al malo de "Swarzie"  en sus papeles de Terminator ,aportando con el personaje de Zanuto el broche de oro de un trio que será ya de culto para más de uno.
Goldbart promete ,hace una entrega más que aprobada para una ópera prima en un género que no es fácil ,regala escenas que son de antología y que nada tienen que envidiar a otras de su estilo .
Arriesgada ,visualmente muy cuidada ,bien actuada y muy divertida , ¡No se puede pedir más!

When you're strange - "Si se abrieran las puertas de la percepción todas las cosas se mostrarían tal como son...infinitas" -William Blake-

Cuando en 1965, cuatro amigos se unieron interpretando canciones acompañadas por los versos compuestos por un tal Jim Morrison, no pensaban que llegarían a convertirse en uno de los grupos de rock más importantes de los años setenta.
Junto a Morrison, que ponía la voz, se encontraban Ray Manzarek en los teclados, Robby Kriegger a la guitarra y John Densmore en la batería. Los cuatro formaban el grupo The doors.

Su primera actuación, en un pequeño local, fue un tremendo desastre. Nadie acudió al concierto. Comenzaron a tocar en locales de poca reputación, intentando sacar algo de dinero para continuar con su carrera, mientras Morrison se debatía entre sus dos pasiones: las mujeres y las drogas. Les cuesta mucho encontrar casa discográfica, pero finalmente fichan por una pequeña compañía, donde comienzan a trabajar.
En 1967 publican su primer disco, “The Doors”. El single 'Light My Fire' se convirtió rápidamente en número uno. El disco contenía, además, temas como 'The End' (11 minutos tratando el complejo de Edipo), Break On Trought' y 'Light My Fire'. Todo el disco tiene un aire teatral, influido por las actuaciones de Jim Morrison. En general, los temas tratan de forma explícita el tema del sexo y las drogas.

El gran aliciente de los conciertos del grupo era ver a Jim Morrison entrar en trance en mitad de una interpretación y recitar poesías o bailar como un loco. Proclamaba el 'amor, sexo, drogas y rock'n Roll'. Despreciaba la autoridad, hasta que en el transcurso de un concierto mostró los genitales al público y fue detenido por escándalo público.
En 1968 The Doors sacan 'Waiting For The Sun'. En general, los temas de las canciones bajaron el contenido sexual por temas con mensaje social.
En 1969 editan 'Morrison Hotel', cuyo título se debe al hotel elegido para la portada del disco. Todos los temas del disco están compuestos por Jim Morrison, aunque para alguno de ellos contó con la colaboración de sus compañeros.
En 1971 The Doors publican 'L.A. Woman'. Cuando salió el disco, Jim Morrison acababa de despedirse de sus compañeros para marcharse a París a escribir poemas. Un mes después, el 3 de julio, era encontrado en su habitación, víctima de un infarto, fruto de sus desmadres y abusos con las drogas.
El documental de Tom Dicillo hipnotiza rápidamente gracias en parte a la narración pausada de Johnny Deep, que según cuentan se involucró en la película gracias a su personal fascinación por Morrison. La aportación más interesante de la cinta son las imágenes inéditas del grupo y el tratamiento del juicio por el que, el siempre "puesto" cantante, fué condenado a cuatro meses de trabajos forzosos debido al disturbio de Miami. Esa especie de demostración de la caída del mito, corroborada por estremecedoras imágenes de esos días, poseen un valor documental muy preciado ,un trabajo de documentación que le proporciona a la cinta su mayor virtud describiendo lo esencial de la historia del grupo ,símbolo de una época que no ha vuelto a repetirse.
En medio de la vorágine revolucionaria ,un grupo de chicos triunfa en la música e influyen en la historia con sus actos ,especialmente Morrison que acaba totalmente devorado por su propio personaje bipolar.
La película sirve como una reflexión de la fama y sus consecuencias , al igual que lo hacía el biopic de Oliver Stone.
El documental se compone de un repaso a los primeros años del grupo ,para detenerse y profundizar en los años más tormentosos entre el 68 y el 71 ,cuando el alcohol y otras sustancias hacen mella en el ídolo de las masas y destruyen a la estrella del rock. Asistimos a la degustación de las canciones más conocidas o de algunas rarezas ,como la versión de The end interpretada en la Isla de Wight.
Un metraje de obligado visionado para poder conocer un poco más la leyenda de The doors que sigue y seguirá encenciendo el fuego del mito creado por un visionario y poeta del rock.

Inside Job - El poder corrupto de las grandes esferas deja el mundo sin money...ver para creer... -

Documental no sólo sobre las causas, sino también sobre los responsables de la crisis económica mundial de 2008, que significó la ruina de millones de personas las cuales perdieron sus hogares y empleos, y, además, puso en peligro la estabilidad económica de los países desarrollados. A través de una extensa investigación y de entrevistas a financieros, políticos y periodistas, se muestra el auge de empresarios sin escrúpulos y la degradación de la política y la educación.
"Inside Job" presenta la indignante historia de un “gobierno de Wall Street” y explica cómo esta reciente crisis financiera ha sido efectivamente un “inside job” o delito interno colectivo ejecutado por banqueros, políticos, agencias calificadoras, burócratas y profesores universitarios, quienes utilizaron la desregulación para crear y promover complejos instrumentos financieros derivados y titulizados – conocidos por algunos como “armas de destrucción masiva” – para beneficiar sus propias cuentas bancarias, mientras hacían la vista gorda cuando el mercado de hipotecas se desplomó, arrasando con los ahorros de toda una vida de muchas personas comunes y corrientes. Tal y como se afirma en la película, “esta crisis no fue un accidente.”
Según su director, Charles Ferguson, "Era una crisis totalmente evitable; de hecho durante 40 años después de la Gran Depresión, los Estados Unidos no tuvo ni una sola crisis financiera. Sin embargo, la progresiva desregulación del sector financiero desde la década de los ochenta, ha dado paso a una industria cada vez más criminal, cuyas “innovaciones” han generado una sucesión de crisis financieras. Cada crisis ha sido peor que la anterior y sin embargo, gracias al creciente poder y riqueza de la industria, muy pocas personas han sido encarceladas en cada una de ellas. En el caso de esta crisis nadie ha sido encarcelado, a pesar del fraude que ha causado pérdidas de billones de dólares. Es mi esperanza que a través de esta película, en menos de dos horas, todos puedan comprender la naturaleza esencial y las causas fundamentales de este problema. También espero que después de verla, independientemente de la opinión política, los espectadores puedan estar y podamos estar todos de acuerdo en la importancia de restaurar la honestidad y la estabilidad a nuestro sistema financiero, y de exigir responsabilidad a aquellos que lo han destrozado." 
Narrada por el ganador del Oscar Matt Damon, se rodó en exteriores en los Estados Unidos, Islandia, Inglaterra, Francia, Singapur, y China. 

Como suele pasar con muchos documentales de este tipo que cuando acaba la proyección se tiene una gran sensación de incredulidad ,impotencia y rabia por lo que nos acaban de mostrar y sobre todo por qué se consintió tal robo a gran escala por parte de buitres en forma de mandamases estúpidos quedando impunes y sin cargos ,verdaderamente nuestra raza humana tiene mucho camino por delante para recorrer pero no cabe duda de que si puede ser con personas que sepan llevarnos será mucho mejor.Por cierto ,creo que viene muy al caso ,los que se interesen por estas lineas y quieran indagar en el tema recomiendo un libro que lei el verano pasado y que conocerá bastante gente que se  llama "La doctrina del shock" ,el auge del capitalismo del desastre ,de la autora Naomi Klein ,además hace pocos días que está en cartelera el documental basado en el libro que ha realizado Michael Winterbottom ,una joya!Una película que debería ser de visionado obligado en todas las escuelas y universidades, lección pura y dura.


Técnicamente el trabajo Charles Ferguson es bastante bueno, un montaje correcto, un ritmo dinámico y rápido, una buena fotografía dentro del ámbito de que es un documental sobre una crisis económica y una BSO que ayuda a meterte de lleno en la interesante verdad que nos cuenta Ferguson.

Si es cierto que el documental es difícil seguirlo al 100%, sobretodo en cuanto a términos de economía y banca , hay una infinidad de nombres, de cifras y de personajes involucrados, es un documental que cuenta una información de forma bastante rápida, por lo que se debe estar muy atento a lo que cuenta para no perderte ningún detalle.
Recomendado a todo el mundo que le interese el tema, seguro que lo disfruta plenamente ya que lo que cuenta es una verdad muy interesante, que por una parte nos fascina y por otra nos da rabia por todo lo que se ha producido y que luego no se hayan tomado medidas al respecto,
"…se negó a ser entrevistado para esta película", es la frase predominante de todo el documental.

El propio documental también explora la crisis desde el exterior para conducirlo al interior. Se nos dice el cómo pasando al ‘por’ y acabando al ‘dónde’. Desde la superficie hasta el núcleo, desde Reagan hasta nuestros días, desde Islandia y su burbuja hasta el concepto y denuncia del documental: nada ha cambiado. Los excesivos salarios y bonus de las agentes de Wall Street siguen indemnes y ninguno está detrás de unos barrotes.
La colección de aberraciones y verdades son dignas de un filme de terror: el sistema político está corrompido desde sus entrañas, la crisis y burbuja se veía venir años antes por muchos especialistas que fueron ignorados, la Comisión de Valores de Intercambio no hizo investigaciones de los bancos de inversión en la burbuja y pese a millones de despedidos y pérdidas las bonificaciones para los ‘ladrones’ fueron aún más altas.
Charles Ferguson se rodea de documentación, material de archivo, testimonios de especialistas, implicados y, sobre todo, ausentes. Y es precisamente donde planea la crisis: todo aquel que la ha provocado o ha salido beneficiado económicamente tiene amnesia propia de una resaca.
Pese a contar verdades como puños sobra algún momento lacrimógeno y no sé hasta qué punto de un documental tan necesario como “Inside Job” es merecedor de imagen cuando cuenta todo en su texto. ¿Mejor una película que un libro?

 Posiblemente, porque la labor principal de Charles Ferguson es hacernos entrar a los foráneos de la materia el contenido de los crímenes que han cometido estos tipos bajo el mandato de lo conciso, claro y entendible, que entendamos todo el trabajo y mecanismos de estos ingenieros de pesadillas.
Muchas revelaciones de Inside Job enfadan al personal, indignan: la mayoría jugaron con nuestros ahorros, muchos se aprovecharon de una burbuja inmobiliaria y de bienestar que explotó... y nada ni nadie parece dispuesto a cambiar. Quizás centra en exceso su discurso en los Estados Unidos y se olvida de los ciudadanos de a pié, pero la película llega como un cuchillo afilado. Inside Job es uno de los mejores documentales ganadores del Oscar: empieza con unos títulos de crédito que evocan el Wall Street de Oliver Stone (incluso la segunda parte de esa película podía leerse en clave de crisis económica), y acaba con la Estatua de la Libertad demostrando su particular sentido del humor y su incansable espíritu luchador. 
Claro ejemplo del dicho de que la realidad supera a la ficción en este caso a peor imposible... 
Y como dijo el director Charles Ferguson al recoger la estatuilla: ¿cómo puede ser que nadie esté pagando con años de cárcel por tal catástrofe? ,al menos ya hemos caido en la piedra ,pero lo que da más miedo ,volveremos a tropezar en la misma susodicha?, esperemos que no...

Mary and Max - Lecciones de vida y el poder de la amistad verdadera en Stop-Motion -

Esta fábula sobre la amistad “vista desde el corazón, no con los ojos”, es el Primer largometraje del ganador del Oscar ,el australiano Adam Elliot, "Mary and Max" y narra la larga amistad por correspondencia entre un cuarentón judío y obeso de Nueva York y una niña australiana de 8 años que vive en los suburbios de Melbourne.

En la era de la tecnología donde los ordenadores, móviles, el msn, facebook, etc ,nos hacen más rápida y facil la comunicación con los nuestros la historia nos demuestra como antaño personas que estaban a miles de kilómetros de nosotros intercambiaban puntos de vista escribíendo cartas ya sea a mano o con máquina de escribir, con todo su encanto que ahora se ha perdido como el ir a echarla al correo, ponerle su sello y ver como se perdía entre los miles de sobres para poder dirigirse a su destino.

Pues esta película nos enseña como dos personas tan distintas pero al mismo tiempo parecidas, inician una comunicación vía correo convencional. Ambos dedican tiempo a contestar las cartas del otro hasta crear una hermosa amistad.

Porque todavía se desmuestra que el romanticismo es indispensable en un mundo que parece haberse olvidado de la aventura, la fantasía y las emociones del alma y porque relatar los momentos, los ejemplos, las situaciones será siempre el arte del cine.

Absolutamente conmovedora ,una película para público adulto dura y realista ,injusta por momentos pero muy recomendable. Al final del visionado enseguida vienen a la mente los referentes del cine de animación crudo y tambien cruel como son las grandes "La tumba de las luciérnagas" de Isaho takahata y la imprescidible y una de las mejores del género "Cuando el viento sopla"de Jimmy t .Murakami .Marcada por

 un ritmo acompasado y con temas musicales de la historia del cine (“Zorba el griego” o “Qué será, será”, del filme “El hombre que sabía demasiado” y que hiciera famosa en su momento la actriz Doris Day).

Tremendamente imaginativa, inteligente y sabia, tierna ,emotiva , 'Mary and Max' es una historia sobre las diferencias de la vida . El trabajo de animación en plastilina es maravilloso, vivo y detallado, visualmente una delicia para los amantes de la animación artesanal del mejor estilo Aardman animations ,(en ocasiones sus personajes recuerdan a muchas producciones tipo Wallace & Groomit.Una pena que todavía no haya llegado a nuestras pantallas y tengamos que verla en V.O.S.E ,haber si alguna distribuidora se acuerda de los espectadores españoles que se están perdiendo esta gran película.

La estética de la imagen a base de grises, le da un tono misterio a la película ,y es que los humanos lo somos, y aunque este sea un ente casi protagonista (la ausencia del color),“Mary y Max” no cae nunca en sensiblerías y un final feliz. Se empatiza con los personajes desde el principio y cuando acaba la película se quedan en la mente por mucho tiempo.

Es un regalo... poesía urbana que relata la amistad de dos vidas miserables envueltas en la soledad más profunda. Un cuento oscuro pero de una ternura admirable. Un prodigio visual que te deja con los ojos húmedos. 

Cada dialogo, cada frase, cada momento es de sentimiento puro, una crítica inteligente y directa a la sociedad.

Mary and Max, dos complementos, dos vidas. Si no se hubieran encontrado sus caminos, probablemente no se hubieran dado cuenta de la importancia de ciertas cosas. Creemos que es Mary la que ayuda a Max, pero Max también ayuda a Mary. se complementan a la perfección ,estan hechos el uno para el otro ,medias naranjas separadas por kilómetros.

La frase final de la película resume a la perfección la película:

Dios nos dio familiares...
gracias a Dios que podemos elegir nuestros amigos.

Todo eso y más es Mary and Max ,un canto a los vínculos afectivos que llenaran nuestras vidas y cuyo valor es incalculable ,una lección de que no podemos elegir nuestros defectos porque forman parte de nosotros, aunque si podemos elegir películas como esta que merece estar entre las mejores de animación de todos los tiempos, una joya ,disfrútenla amigos mios.



Premios:


2009: Festival de Annency: Mejor película
2009: Festival de Berlín: Oso de Cristal (mención especial - Generation 14plus)

MEME! Escenas para recordar

Saludos!,
tras la propuesta que he recibido de Reichel del blog "criticas a pares" me dispongo a continuar el juego-cadena y a nombrar otros cinco blogueros para que nos comenten cuales son sus preferidas:


Lázaro de "el viaje de Lázaro"
Lillu de "Lillusion"
Jordicine de "paranoia 68"
Outsider de "Cine con alma"
Giancarlo Verástegui de "No es un blog habitual"




Escena mas triste: Cuando le confiesa la enfermedad Nicole Kidman a Ewan Mcgregor en "Moulin Rouge"

Escena mas alegre: El final de "Mi vecino Totoro" o toda la película completa.

Escena agridulce: El final de "Las posibles vidas de Mr.Nobody" y el final de "Donnie darko".

Escena mas rara: Casi todas las de "Canino".

Escena mas perturbadora: "Audition" de Takashi Miike.

Escena con mas suspense: "Con la muerte en los talones" ,el avión que gira y va directo hacia Cary grant.

Escena mas aterradora: "Alien". Cuando Ripley se da cuenta que hay un intruso en la pequeña nave de salvamento oculto entre los tubos... 

Escena mas romantica: El romance entre los dos protas en "Olvídate de mi".

Mejor dialogo: Memento. Toda la película está llena de buenos diálogos pero hay una frase que dice guy pierce a carrie ann-moss que merece la pena : "No me acuerdo de olvidarte..."  

Mejor escena sin dialogos: "El acorazado Potemkin".

Mejor escena de pelea: "Hero" de Zhang yimou.

Mejor escena musical: "Moulin Rouge"

Mejor escena con baile: "Pulp Fiction"

Mejor discurso: "El gran dictador" de Charles Chaplin.

Mejor comienzo: "La princesa Mononoke".

Mejor muerte: Al final de toda la historia la del prota de "Big fish" de Tim Burton. 

Mejor Climax: “I saw the devil" puro clímax...

Mejor final: “Moon" de Duncan Jones.

La escena que jamas debio haber sido filmada: Cualquiera de "El planeta de los simios" de Tim Burton , que desastre!

La mejor escena de la historia:  Aliens .El regreso .Cuando la teniente ripley acribilla a la reina alien para salir pitando del planeta con su "hija adoptiva" Newt.

Cisne negro - Las obsesiones de Aronofsky vuelven a por el espectador -

Nina (Natalie Portman), una brillante bailarina que forma parte de una compañía de ballet de Nueva York, vive completamente absorbida por la danza. La presión de su controladora madre (Barbara Hershey), la rivalidad con su compañera Lily (Mila Kunis) y las presiones del exigente director (Vincent Cassel) se irán incrementando a medida que se acerca el día del estreno. Esta tensión provoca en Nina un agotamiento nervioso y una confusión mental que la incapacitan para distinguir entre realidad y ficción. 

Tchaikovsky, compositor ruso, de un temperamento pasional, tierno, lírico y fantástico realizó la música El Lago de los Cisnes; que es uno de los ballet clásicos más tradicionales, queridos y conocidos del mundo,  con el coreógrafo Julius Riesenberg.

El Lago de los Cisnes es una historia de amor; el príncipe Sigfrido se enamora de Odette quien ha sido transformada en cisne por el malvado Rothbart, éste hechizo sólo podrá romperse por quien le jure amor eterno. Sigfrido confunde a Odette con Odile que es la hija del mago y le jura amarla para toda la vida, cuando descubre que ha sido engañado decide luchar por su verdadero amor...

"Black Swan" de Darren Aronofsky es el mejor cuento macabro que sólo Tim Burton o en su extensión paranoide Darren Aronofsky hubieran podido realizar.
La película esta dividida en dos partes, que corresponden al proceso de transformación que experimenta el cisne dentro de la obra: en la primera mitad se nos muestra el cisne blanco, dócil, inocente y delicado. Pero poco a poco esa bondad desaparece de la película para dar paso al cisne negro. Es en este tramo final donde la locura parece apoderarse no sólo de la protagonista (increíble Natalie Portman en uno de sus mejores trabajos), sino de cada una de las escenas.

Desde el inicio notamos que todo esta rodado con velocidad ,una vorágine de escenas bizarras ,extravagantes ,insólitas , fluyen ante nuestra retina .La autodestrucción provocada por una madre sobreprotectora y una presión y rivalidad procedente de cada uno de los miembros de la compañía conlleva unas consecuencias inesperadas que culminarán en un final donde nada es lo que parece y en el que el director de Réquiem por un sueño incluirá los momentos más delirantes de toda su filmografía.
Sensible y maquiavélica, Cisne Negro nos ofrece un guión consolidado y una preciosa fotografía que combinados consiguen traspasar la pantalla y hacerte dudar de tu propio instinto. Y es que el cisne únicamente necesita amor para romper el hechizo.

Con reminiscencias de la gran "Perfect Blue" de Satoshi Kon y ciertos toques de "La pianista" de Haneke ,el conjunto es un viaje paranoico a la mente de Nina(Natalie).Los actores brillan en la trama ,especialmente la galardona Portman ,que parece que su papel haya sido confeccionado a su medida. Se declara fanática del ballet que practica desde su infancia y que segun declaro en entrevistas ha llegado a empezar a odiar después de sus interminables sesiones de duro ensayo y interpretación durante el rodaje.Pero más allá de la interpretación, la psicosis y el suspense de la cinta, Cisne Negro es una historia truculenta y angustiosa que habla de la competitividad, la represión sexual, y dependencia familiar, donde los recovecos más oscuros de la mente de una bailarina muestran que a veces el enemigo no está fuera sino dentro de uno mismo.
Una gran película que hará las delicias de los amantes del cine de Aronofsky ya que muestra una vez más su personal sello de identidad.

PREMIOS

2010: 1 Oscar: Mejor Actriz (Natalie Portman). 5 nominaciones, incluyendo mejor película 2010: 1 Globo de Oro: Mejor Actriz (Portman). 4 Nominaciones, incluyendo mejor película 2010: 1 BAFTA: Mejor Actriz (Portman). 12 nominaciones, incluyendo mejor película 2010: Festival de Venecia: Mejor actriz o actor joven (Mila Kunis) 2010: 4 Independent Spirit Awards: mejor película, director, actriz (Portman) y fotografía 2010: Satellite Awards: 5 nominaciones, incluyendo director y actriz principal (Portman)