LOCKE - No hay marcha atrás -

Ivan Locke (Tom Hardy) es un hombre que ha trabajado duro para conseguir su objetivo: llevar una buena vida. Sin embargo, un día, inesperadamente, recibe una llamada que trastoca todo su mundo. Desde ese momento se enfrascará en una peligrosa huida contrarreloj.

En los primeros acordes del film se nos vienen a la mente las reminiscencias de la española “Buried” del director Rodrigo Cortés donde la acción se desarrollaba en un cubículo muy especial. En este caso todo transcurre en un monovolumen y un trayecto nocturno de 85 minutos.

Steven Knight deja claro un mensaje en su construcción del personaje, él es un jefe de obra que a falta de unas horas para llevar a cabo un gran proyecto urbanístico ve como su vida y los cimientos que ha levantado para ella caen sin piedad, ya se sabe, cuando los cimientos no son firmes la casa cae por su propio peso. También transmite el mensaje de que la vida son decisiones que se toman y que intentamos llevarlas hacia la dirección correcta, como el trayecto que seguimos durante un viaje.

Los cimientos de la película tienen nombre de actor y es el Británico Tom Hardy. Sobre el recae toda la trama haciendo una interpretación notable, inteligente y sensata.

El guion nos adentra en sus problemas y su desesperación a través de un hilo narrativo centrado en llamadas de teléfono al personaje.

De esta manera se teje una red de acontecimientos que tiene que solucionar de la manera más sensata. Quizás esas llamadas una tras otra son las que a mi parecer crean un pequeño lastre en  la historia pero no cabe duda que es una muy buena solución para el planteamiento de la trama.

Con toques de “road movie” moderno el film tiene una estética muy noir y sobre todo unos planos notables donde la expresión del protagonista ante los hechos son la mezcla con los planos desenfocados y reflejos fundidos de la cámara en la carretera. Un paisaje nocturno muy envolvente.

Nos encontramos ante el minimalismo en el cine con un bajo presupuesto y un rostro al volante. En este caso es todo lo necesario para este tipo de películas de corte minimalista y tan alejadas del cine comercial donde se desarrollan ciertos valores de la vida como el amor, la responsabilidad, la pasión por el trabajo y la familia o la conciencia propia.

En definitiva Locke es una película curiosa, pero que realmente queda lejos de convertirse en una obra redonda, eso si, es un soplo de aire fresco dentro del cine inglés. Una pequeña pieza que se convierte en un buen relato humano, sobre nuestras virtudes y nuestros defectos.

EL SUEÑO DE ELLIS - La felicidad interpretativa de Marion Cotillard -

En 1921, Ewa y su hermana Magda dejan su Polonia natal y emigran a Nueva York. Cuando llegan a Ellis Island, a Magda, enferma de tuberculosis, la ponen en cuarentena. Ewa, sola y desamparada, cae en manos de Bruno, un rufián sin escrúpulos. Para salvar a su hermana, Ewa está dispuesta a aceptar todos los sacrificios y se entrega resignada a la prostitución. La llegada de Orlando, ilusionista y primo de Bruno, le devuelve la confianza y la esperanza de alcanzar días mejores. Con lo que no cuenta es con los celos de Bruno.

Hacia tiempo que no nos encontrábamos en las salas de cine ante uno de los más bellos homenajes al cine clásico. 

Un homenaje a películas de las que no se producían hace tiempo y con un estilo cinematográfico que siempre será una delicia para todo cinéfilo. El recuerdo a grandes clásicos empapa la imagen sepia de una América corrupta, amarga y sombría en cuyos cimientos yacían los sueños e ilusiones de gran parte de los inmigrantes que llegaban a ella buscando lo imposible en sus lugares de origen. Un melodrama que se prolonga durante dos horas y que su desarrollo alaba la fortaleza y el valor de aquellas personas que cambiaron todo por buscar una oportunidad en la tierra de las promesas tras la Gran Guerra, demostrando a la par la cruda realidad que encontraban al llegar.

Una historia sensata, sencilla y efectiva, donde las grandes interpretaciones tienen cabida y una Marion Cotillard hace gala de su versatilidad para interpretar a un personaje que se encuentra constantemente al límite, estirando la soga que sostiene Joaquin Phoenix por el otro extremo. Phoenix vuelve a desenmascarar a un personaje irritante, pretencioso, grosero e incluso grotesco, para acercarnos a su desvergonzado sentimiento de culpa tras mostrarse como un celoso enamorado. En el forcejeo, Jeremy Renner destaca como la luz en una historia oscura y con giros en la trama.

Estamos ante la desmitificación del gran sueño Americano donde los personajes no consiguen o no les va como soñaban respecto a sus metas u objetivos aunque pelean con uñas y dientes para ello.

En este caso James Gray nos muestra que la verdadera patria no es un trozo de tierra o lugar donde habitamos sino que lo real y eficaz es la importancia de la familia y los sentimientos hacia los que nos rodean.

La música, aunque discreta, acompaña la ambientación de la época de los años 20 de una manera brillante, cabe destacar el gran trabajo de fotografía de Darius Khondji. 

La ambientación nos transporta a esos años y los personajes nos muestran su lucha por conseguir sus sueños y los de sus familiares. 

La película consigue despertar nuestra empatía; hacernos disfrutar de un viaje en el tiempo a la vez que sufrimos con ellos. Me arriesgaría a decir que es una de las mejores propuestas de lo que va de año o, al menos, una de las menos habituales, y es que ver a actores del siglo XXI trabajar como si estuvieran en el siglo XX no es muy común y resulta curioso.

Atención a la escena final donde el director nos ha regalado un plano que quedará como uno de los más perfectos, brillantes y explícitos del género drama-romántico y es que películas tan bien realizadas como El sueño de Ellis no se ven cada semana en las salas.

UN AMIGO PARA FRANK - ANDROIDES SIN ALMA -

En un futuro no muy lejano, la integración de los robots en la vida humana hará posible que surjan androides programados para cuidar personas mayores. Esa es la solución que encuentran Hunter y Madison para su anciano padre Frank, cuyas pérdidas de memoria son cada vez más frecuentes.

Jake Schreier, director que empezó en la publicidad, los cortometrajes y los videoclips, presenta esta humana ópera prima sobre un tema cada vez más actual: la soledad de la tercera edad y el impacto de la tecnología en ellos. Jake nos muestra un personaje protagonista enfermo de alzheimer con pérdidas constantes de memoria y olvidos. Sus hijos, interpretados por los correctos James Marsden y Liv Tyler, no saben que hacer con su padre y el varón decide regalarle un robot para que le ayude con las tareas del hogar y le haga la vida más fácil. Lógicamente, y debido a su fuerte personalidad, su padre se niega pero tampoco quiere irse a una residencia de ancianos. Es aquí cuando surgen las cuestiones principales del film. ¿Qué libertad de decisión deben tener ellos cuándo su elección afecta directamente a las vidas de sus más allegados? ¿Puede la tecnología ser un sustituto fiable de la calidez humana?

El film reflexiona sobre la soledad de la vejez con la historia de amistad de un anciano  con su robot. De esa manera, el estupendo libreto de Christopher Ford, combina comedia y ciencia-ficción en un relato divertido con transfondo amargo, que deja muy buen sabor de boca en el espectador.

En paralelo a esa trama, conoceremos mejor al personaje de Frank y sus relaciones familiares con sus hijos y su mujer ausente, ofreciendo un crítico retrato social y familiar de nuestro presente, donde la familia ya no es una prioridad, quedando muy por debajo de nuestras propias satisfacciones personales e individuales. Una dura crítica a una sociedad consumista y egoísta que se olvida de sus mayores.

Frank Lagella está excelente en todos los aspectos como protagonista, una gran interpretación, y el robot caerá simpático a cualquiera gracias a un guión óptimo y resultón.

El director no emplea grandes efectos especiales para hacer convincente al robot (en varios momentos que le vemos andando nos recuerda que dentro habrá una persona tipo R2-D2 o C3PO de la saga Star Wars) y consigue convertirlo en un personaje más, jugando con las opciones que ofrece su presencia y comentarios, haciéndolo más humano que la familia del protagonista. Solamente en sus minutos finales se intuye un atisbo por defender la tesis de ese Don Quijote que lucha contra los molinos de viento de la decrepitud, cuando ya es demasiado tarde para él anclado en su juventud donde consideraba que era un gran ladrón de guante blanco con una aventurera vida.

Un film correcto con un final previsible pero que cierra bien el conjunto de los poco más de 85 minutos de metraje donde se muestra limitada por no profundizar en la historia que daba para bastante más.

Totalmente recomendable para todos aquellos a los que gusten las comedias inteligentes pero que saben ver más allá de sus propios prejuicios.

Premios:

2012: Festival de Sitges: Premio del público.

2012: Independent Spirit Awards: Nominada a Mejor primer guión.

Cisne negro - Las obsesiones de Aronofsky vuelven a por el espectador -

Nina (Natalie Portman), una brillante bailarina que forma parte de una compañía de ballet de Nueva York, vive completamente absorbida por la danza. La presión de su controladora madre (Barbara Hershey), la rivalidad con su compañera Lily (Mila Kunis) y las presiones del exigente director (Vincent Cassel) se irán incrementando a medida que se acerca el día del estreno. Esta tensión provoca en Nina un agotamiento nervioso y una confusión mental que la incapacitan para distinguir entre realidad y ficción. 

Tchaikovsky, compositor ruso, de un temperamento pasional, tierno, lírico y fantástico realizó la música El Lago de los Cisnes; que es uno de los ballet clásicos más tradicionales, queridos y conocidos del mundo,  con el coreógrafo Julius Riesenberg.

El Lago de los Cisnes es una historia de amor; el príncipe Sigfrido se enamora de Odette quien ha sido transformada en cisne por el malvado Rothbart, éste hechizo sólo podrá romperse por quien le jure amor eterno. Sigfrido confunde a Odette con Odile que es la hija del mago y le jura amarla para toda la vida, cuando descubre que ha sido engañado decide luchar por su verdadero amor...

"Black Swan" de Darren Aronofsky es el mejor cuento macabro que sólo Tim Burton o en su extensión paranoide Darren Aronofsky hubieran podido realizar.
La película esta dividida en dos partes, que corresponden al proceso de transformación que experimenta el cisne dentro de la obra: en la primera mitad se nos muestra el cisne blanco, dócil, inocente y delicado. Pero poco a poco esa bondad desaparece de la película para dar paso al cisne negro. Es en este tramo final donde la locura parece apoderarse no sólo de la protagonista (increíble Natalie Portman en uno de sus mejores trabajos), sino de cada una de las escenas.

Desde el inicio notamos que todo esta rodado con velocidad ,una vorágine de escenas bizarras ,extravagantes ,insólitas , fluyen ante nuestra retina .La autodestrucción provocada por una madre sobreprotectora y una presión y rivalidad procedente de cada uno de los miembros de la compañía conlleva unas consecuencias inesperadas que culminarán en un final donde nada es lo que parece y en el que el director de Réquiem por un sueño incluirá los momentos más delirantes de toda su filmografía.
Sensible y maquiavélica, Cisne Negro nos ofrece un guión consolidado y una preciosa fotografía que combinados consiguen traspasar la pantalla y hacerte dudar de tu propio instinto. Y es que el cisne únicamente necesita amor para romper el hechizo.

Con reminiscencias de la gran "Perfect Blue" de Satoshi Kon y ciertos toques de "La pianista" de Haneke ,el conjunto es un viaje paranoico a la mente de Nina(Natalie).Los actores brillan en la trama ,especialmente la galardona Portman ,que parece que su papel haya sido confeccionado a su medida. Se declara fanática del ballet que practica desde su infancia y que segun declaro en entrevistas ha llegado a empezar a odiar después de sus interminables sesiones de duro ensayo y interpretación durante el rodaje.Pero más allá de la interpretación, la psicosis y el suspense de la cinta, Cisne Negro es una historia truculenta y angustiosa que habla de la competitividad, la represión sexual, y dependencia familiar, donde los recovecos más oscuros de la mente de una bailarina muestran que a veces el enemigo no está fuera sino dentro de uno mismo.
Una gran película que hará las delicias de los amantes del cine de Aronofsky ya que muestra una vez más su personal sello de identidad.

PREMIOS

2010: 1 Oscar: Mejor Actriz (Natalie Portman). 5 nominaciones, incluyendo mejor película 2010: 1 Globo de Oro: Mejor Actriz (Portman). 4 Nominaciones, incluyendo mejor película 2010: 1 BAFTA: Mejor Actriz (Portman). 12 nominaciones, incluyendo mejor película 2010: Festival de Venecia: Mejor actriz o actor joven (Mila Kunis) 2010: 4 Independent Spirit Awards: mejor película, director, actriz (Portman) y fotografía 2010: Satellite Awards: 5 nominaciones, incluyendo director y actriz principal (Portman)

El Método - Lucha de gigantes en el mundo laboral -

Siete aspirantes a un alto puesto ejecutivo se presentan a una prueba de selección de personal para una empresa multinacional en un rascacielos de oficinas de Madrid. Entre ellos, las personalidades más dispares: el triunfador, el agresivo, la mujer insegura, el crítico, el indeciso...desde ese instante, y en un clima de tensa competitividad, la inseguridad de los participantes se convertirá en miedo y dudas, y estos a su vez en un estado de paranoia general donde los participantes se preguntarán si están siendo observados por cámaras, o incluso si entre ellos podría haber un psicólogo infiltrado que les está ya examinando. En este claustrofóbico clima de máxima desconfianza y absoluta falta de escrúpulos, se crearán alianzas, se producirán disputas, se revelarán secretos, se destaparán pasados...

Son inevitables las comparaciones entre 'El método' la película dirigida por Marcelo Piñeyro y la obra teatral de Jordi Galcerán. Las dos van dirigidas al mundo empresarial que debido a la obsesión por maximizar beneficios convierten el lugar de trabajo en una selva donde valores tan humanos como el compañerismo, la solidaridad y la dignidad han perdido por completo su sentido. Sólo hay una cosa que las diferencia ,la calidad de la obra de teatro es muy superior a la película ,llena de pausas y en algunos momentos diálogos un poco de relleno temporal. 'El método' se excede en dichas pausas, encantándose innecesariamente en vulgares escenas sexuales que no hacen más que entorpecer el seguimiento de la trama.
La trama se basa en el diálogo de los siete aspirantes y todo se desarrolla en una sala donde los aspirantes al puesto tendran que pelear verbalmente por el premio final,un puesto de alto cargo para una empresa. 
Crítica feroz de los "métodos de captación de empleados" y su consiguiente adoctrinamiento empresarial para convertirlos en "hombres de empresa". Competición pura y dura ultracapitalista.
En el tema actoral , los mejores sin duda Adriana Ozores (lástima que su papel sea tan corto) y Eduard Fernández, el mejor de todos ,muy creible ,como todo lo que hace.Ernesto Alterio realiza un papel muy correcto a tener en cuenta. 

Los demás simplemente correctos, y algunos ni siquiera eso. Najwa Nimri , como de costumbre ,guapísima ,seductora y misteriosa delante de la cámara .Natalia Verbeke no acaba de acertar con su papel de secretaria desenfadada .Eduardo Noriega ya está un poco pesado con sus papeles de pijo desde Abre los Ojos ,muy visto y repetitivo.La historia es original y el guión de Mateo Gil tiene buenos diálogos ,bastante acertado aunque en algunos momentos la película pierde fuelle. Al principio te va sorprendiendo poco a poco, aunque el final tampoco es para tirar cohetes ,bastante previsible.
En general ,un film que se deja ver y que podría haber sido más de lo que nos acaba mostrando.
Sobretodo ,el mayor problema de la película es que no gana con los visionados ,si no todo lo contrario .Una vez desvelado el final ya no hay más argumentos que nos lleven a un segundo visionadado ,tipo El sexto sentido.

* 2 Premios Goya: Mejor actor de reparto (Carmelo Gómez) y mejor guión adaptado

NEDS - Los chicos no educados y delincuentes de la Escocia setentera -

John McGill pasa de ser un niño premiado y superdotado de los años 70 en el colegio a un navajero adolescente con las hormonas desatadas.

John lucha por alejarse de un entorno con pocas expectativas y de víctima se convierte en verdugo. De buen alumno a NED (término escocés para chico problemático y peligroso) , de monaguillo a esnifador de pegamento.

Cuando intenta volver a ser como antes ,la nueva realidad y el pasado reciente le impiden que se conforme dando lugar a una casi inevitable autoconfrontación violenta.

En una sociedad escocesa tan conservadora en la década de los setenta, no es difícil que los muchachos válidos se conviertieran en auténticos camorreros de barrio. Y es que Peter Mullan, el director de la película, ha creado una atmósfera de hostilidad, de aptos, de no aptos, en definitiva, una sociedad de clases que dilapida las aspiraciones de cualquier muchacho que nace un poco gamberro. La educación con sufrimiento y bajo amenaza, algo tan superado en la actualidad, genera una violencia brutal casi imparable.

El cine inglés nunca ha tenido miedo en analizar a su sociedad y diseccionarla. Marcada especialmente por grandes diferencias en clases sociales, económicas y con un nivel de violencia generalizado, una multitud de películas británicas han puesto de manifiesto los lados menos agradables de esta sociedad, le han dado protagonismo y periódicamente surgen más títulos que se adentran sin contemplaciones en lo más oscuro que Inglaterra. Semejante labor crítica y de análisis por parte de la industria cinematográfica es poco común en otros países y en el Reino Unido ello ha generado no únicamente impactantes filmes sino también títulos de notable calidad. Títulos como “Fish Tank”, “This is England”,  o  “Trainspotting” son los primeros que pueden venir a la memoria pero hay una extensa lista. Peter Mullan, conocido especialmente por su faceta como actor pero que despuntó como director con su anterior filme “Las hermanas de la Magdalena”, regresa a su Escocia natal y muestra la educación recibida tanto en sus escuelas como en sus calles durante los años 70, un absorbente retrato social confeccionado por una persona que demuestra tener el mismo gran talento a un lado de la cámara que al otro.

El centro de “Neds” es el sistema de clases que viene condicionado por el sistema educativo que muestra el filme, algo que sigue siendo una realidad más de treinta años después. Peter Mullan ubica el filme en la década de los 70 ,concretamente en los suburbios de Glasgow de 1973 ,(con ciertas similitudes a la Europa del 2000...), cuando él iba a la escuela, siendo éste un filme personal aunque no necesariamente autobiográfico, lo que la película presenta es igualmente tan válido entonces como ahora. “Neds” es una película con especial impacto para el público inglés, aunque para otros países lo que expone puede estar bastante alejado de su propia realidad y parecer excesivamente exagerado por momentos.

Cierto es que, en su tramo final, el guión parece tomar unos giros algo extremos y desmedidos por momentos, pero ello no resta valor a todo lo que ha construido Mullan hasta el momento. “Neds” no es solo una historia social de gran fuerza, también es un filme perfectamente confeccionado cinematográficamente. Contiene una notable tensión, una verídica atmósfera y un trabajo actoral de gran realismo.

La actuación del desconocido Conor McCarron, el mejor actor del Zinemaldia 2010 esconde su inexperiencia con una interpretación portentosa, otorgando a su personaje el realismo suficiente y necesario para convencer.

Las mayoría de los roles principales están realizados por intérpretes sin experiencia, quienes se desenvuelven con total verosimilitud ,con sus vestimentas y sus rostros dan el pego a la perfección. El propio Peter Mullan se reserva un pequeño e importante papel, el de padre del protagonista, demostrando una vez más todo lo que puede ofrecer como actor.

“Neds”, también llamada “No educados y delincuentes”, resultó la ganadora de la edición del Festival de San Sebastián, algo que puede causar cierta sorpresa al ser un filme completamente centrado en una realidad única y propia como es la sociedad inglesa, pero esta particularidad no desmerece al hecho de que “Neds” es también una gran película a tener en cuenta.

Tiene un cierto regocijo en la estética de lo feo, que no encuentra en ningún momento un contrapunto con lo bello. Todo es degradado y degradante en ese policentrismo granular y rugoso, también el director refleja ciertas alusiones religiosas con un tono similar al de la película "Dogma" que resultan y dan un toque "diferente" y a veces humorístico a la profunda oscuridad que ronda y nos engulle en el tramo final de la história.

Comentarios del director:

-"Creo que la palabra "impresionista", aunque no sea la única ,es la que mejor describe mi enfoque general a la hora de filmar NEDS , en el sentido de que la composición , la puesta en escena ,etc , están determinadas tanto por la vida interior de John , el prota ,como por los acontecimientos y personas que le rodean".

-"La pobreza de su hogar ,dominado por la oscura y amenazante presencia del padre ,simbolizan la rendición interior del niño.Las calles tambien se vuelven contra él ,hasta que una noche aparece su llamativo y fanfarrón hermano benny".

-"Queria que fuese una película atrevida ,crear un mundo único ,misterioso, volátil y a menudo violento ,que girase alrededor de un chico que intenta encontrar su lugar desesperadamente".

Quizás tanto premio en San Sebastián haya sido un poco exagerado ,pero nadie puede negar que "Neds" es una película notable y más que recomendable.
Ha logrado la concha de oro a la mejor película y la de plata a la mejor interpretación masculina ,Conor McCarron ,por parte del jurado del festival que seguro que entiende mucho y se consideran expertos en la materia.

Up in the air . El vuelo de Reitman nos eleva al cielo del buen cine .

Ryan Bingham está especializado en recortes financieros y despidos. Su trabajo le impide tener una vida asentada, ya que pasa la mayor parte del tiempo sobrevolando el cielo de EE.UU., durmiendo en hoteles y conduciendo coches de alquiler. Su realidad cambia cuando pone a su cargo a una joven experta en eficiencia y, sobre todo, cuando comienza a sentir algo serio por otra viajera empedernida llamada Alex. Pero, ¿puede alguien como Ryan tener un hogar de verdad con personas a las que aferrarse?

Reitman nos muestra un anti-héroe ,un personaje sin escrúpulos en su trabajo y que patina sobremanera en su patética vida própia, un guión que a primera vista resulta bastante potente ,da una gran patada a la sociedad que vivimos ,donde todo vale y el trato humano es inexistente , además de la grave situación laboral que pasan muchos trabajadores en plena recesión mundial ,historia que llega en el momento justo ,a veces la realidad supera la ficción nunca mejor dicho.

Con actores en estado de grácia y un final tremendo pero a la vez necesario por el trascurso de la trama ,la película navega entre las falsas apariencias por las alturas de algunos que tarde o temprano acabaran en estrepitosa caida.Destaca el gran trabajo realizado en el guión de una comédia muy notable que sin duda está repleta de grandes diálogos estupendos de pura comedia y de drama a la vez ,aunque por parte de reitman el resultado final sea demasiado dulce ,eso si sin dejar de menospreciar el conjunto.

Una lección de principios a favor de la vida como puente a la felicidad y en contra de lo que nos quieren vender hoy en dia,una sociedad demasiado vinculada al trabajo como negocio puro y duro y que en muchos de los casos infravaloran a la persona como tal necesitada de sus sentimientos y valores interiores que realmente la gran mayoria de mortales buscamos y nos aferramos fuertemente.Muy recomendable ,da para muchas charlas largas e interesantes sobre temas necesarios.

 Calificación: 7.8

La cinta blanca . La semilla del fascismo según Haneke .

Inexplicables acontecimientos perturban la tranquila vida de un pueblo protestante en el norte de Alemania en 1913, justo antes de la Primera Guerra Mundial mientras sus ciudadanos intentan seguir con sus vidas. Un cable que provoca una terrible caída al médico del pueblo, un granero que se quema, alguien que aparece salvajemente torturado... ¿Quién está detrás de todo este misterioso ritual? Los niños y adolescentes del coro del colegio y de la iglesia dirigido por el maestro, sus familias, el barón, el administrador, el médico, la comadrona y los granjeros conforman una historia que reflexiona sobre los orígenes del fascismo en vísperas de la I Guerra Mundial.

Rodada en blanco y negro y con una sobresaliente fotografia la cinta blanca muestra una época marcada por el autoritarismo extremo y sus consecuencias que marcaron para siempre a una generación y al devenir de la historia mundial.

Haneke siempre suele ser más que un director de cine en muchas de sus películas se transforma en un profesor para el espectador y de los buenos, de los que nos daban historia y nos gustaba escuchar porque sus lecciones sobre los acontecimientos ocurridos eran muy interesantes y a la vez instructivas , en este caso nos da una lección de vida sobre la educación y la importancia de impartirla de manera correcta y que llevada a extremos opuestos dará como fruto nefastos resultados en forma humana.

La trama hiere profundamente a cada paso que dá dado los temas tabú en aquella sociedad que toca ,muestra la semilla de lo que llegó a ser una generación deshumanizada y humillada desde su infancia ,con un claro odio hacia el ser humano que no fuese de su raza o condición.

Con una atmósfera que corta el aire y unos actores perfectos en sus papeles dando la impresión que con solo mirarlos a los ojos percibes las locuras y odios interiores y las consecuencias de lo que llevarian a cabo entre ellos.

Una película con un final que deja cabos sueltos en lo referente a qué pasa con algunos de sus personajes que nos han tenido en vela durante toda la película con sus historias ,personalmente creo que hubiera estado mejor concluir de manera clara y dejando al espectador sin la duda ,aunque claro tambien tiene su aquel que te plantees que habra o no pasado con el medico ,la comadrona y su hijo , como suele ocurrir en otros films suyos (caché ,Funny games),(dos grandes del director) ,hace que te plantees muchas preguntas al verla y sobretodo te aclara un poco o te ofrece un punto de vista más o menos creible de lo que desencadenó uno de los acontecimientos más condenables y oscuros de la memoria histórica.

Un acierto más y una de las mejores dentro de su filmografía variopinta y sobretodo nada convencional del director aleman conocido por su estilo sombrio y turbador que deja gran impronta.

Calificación: 7.8