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31 de diciembre de 2013

LOS ÚLTIMOS DÍAS - BCN POST-APOCALÍPTICA -




Año 2013. Una misteriosa enfermedad se extiende por todo el planeta. El pánico domina a la población, que se niega a salir a la calle, pues eso provoca la muerte de manera fulminante. Toda la población mundial se queda encerrada en sus casas. Mientras la civilización se desmorona, Marc, sin poder salir a la calle, emprende una misión casi imposible: la búsqueda de Julia, su novia desaparecida. 
Álex Pastor y David Pastor vuelven cuatro años después de infectados (carriers) con el cine post-apocalíptico, y de nuevo lo hacen a raíz de un virus que intentará devastar a la humanidad. Infectados, su anterior película, narraba la historia de un grupo de jóvenes que trataban de sobrevivir en un mundo masacrado por un virus letal y muy contagioso, como vemos hay similitudes de guion entre las dos películas.

En este caso, el virus ya no es el típico que convierte a la civilización en zombi o simplemente es altamente letal y contagioso, sino que provoca una agorafobia irracional, que causa una muerte instantánea a todo aquel que pone un pie en la calle. Esto obliga a la población a resguardarse en los edificios y moverse por las alcantarillas, cual ratas. Llegados a este punto, comienza la verdadera historia; la búsqueda desesperada emprendida por Marc, acompañado por su jefe de trabajo, con el cual hace un trato, con el objetivo de encontrar a la novia del primero. 

El film es entretenido y poco más, carece de trasfondo psicológico y de credibilidad narrativa además de estar plagado de tópicos uno detrás de otro vistos en mil películas made-in-usa. Como ocurre a veces el tráiler promete mucho más de lo que luego nos muestra el metraje, podemos decir que se vende muy bien como producto de consumo cinéfilo.

El punto fuerte de la película es el montaje y los efectos visuales; el ambiente de destrucción, miseria, supervivencia y violencia pone los pelos de punta. Para los que vivan o conozcan de ante mano la ciudad de Barcelona, seguro que les impacta verla de ese modo, muy curioso. Otro aspecto a su favor es la constante mención de barrios de Barcelona y de la red metropolitana lo cual es de agradecer ya que la hace más autóctona para los que vivimos en la city y para el público extranjero será de agradecer el uso de un lugar en concreto para su mejor ubicación. 
Los paisajes post-apocalípticos están bastante logrados, mención especial el final y las calles de Barcelona llenas de una efecto-bosque-exuberante muy resultón.

Tiene un buen comienzo aunque algo desconcertante, cosa que logra atraer la atención del espectador y hacer que este mantenga los cinco sentidos puestos en la pantalla. Los flashbacks en los primeros minutos de metraje son muy acertados aunque creo que peca de hacer demasiada alusión a ellos. Las peleas en los edificios, que parecen campos de batalla, y la travesía por las alcantarillas, ponen la acción necesaria en este género. Bien es cierto, que a la larga la tensión y la angustia van desapareciendo, en gran medida debido a su excesivo metraje y la pesadez de algunos tramos de la peli.
Y creo que ese es el principal problema del filme, la falta de credibilidad en algunos momentos de la película, que echa a perder todo el trabajo anteriormente conseguido.
Hay que aplaudir el intento por parte de Álex y David, los directores y guionistas, de no plasmar una historia plana y simple, sino que se vean reflejados valores como la amistad, el amor, la lealtad, o dilemas como traer a un niño en un mundo de crisis. Digamos que no profundizan demasiado a lo largo de los minutos, pero el intento, ya es de por si admirable.

La película no requiere de grandes actuaciones, pero hay que decir que Quim Gutiérrez y José Coronado se meten de lleno en el papel, sobre todo este último, que una vez más, está espectacular como a lo largo de su carrera ha demostrado. Mención especial también para Marta Etura que recuerda mucho su papel al de la película de Jaume Balaguero “Mientras duermes”, como siempre un amor para la cámara, dota a sus personajes de un carácter muy propio y de autentica dulzura.

Un film destacable pero poco original que se salva por los pequeños detalles que han sabido incorporar los hermanos pastor y que es excelente para exhibir al resto del mundo pero que no cuajará en el panorama español ya que se tildara de americanizado. Recordemos que los hermanos pastor acaban de empezar en esto y seguro que con su imaginación, buen hacer y la experiencia les esperan muchos triunfos fuera y dentro de España.



5 de diciembre de 2013

Cuando el rio suena…que hacer para sobrevivir en una peli de terror si eres prota o secundario


Es un clásico en todas las películas de serie B ochenteras encontrarnos con  los típicos personajes nerds que nunca salen vivos cuando pintan bastos  la cosa se pone fea y viene el psicokiller de turno a por ellos. Hay miles de referencias para los fanáticos de este género que provocan risas por lo cómicas de algunas situaciones.
Por poner un ejemplo hablemos de Viernes 13, un clásico que tuvo 8 partes y algún que otro remake flojito donde “lo que no se debe hacer en una peli de terror” es una constante. Seamos sensatos,  ¿hace falta ir a un campamento perdido en el bosque y acabar como un pincho moruno en una litera tras haber hecho la caída de roma señor Kevin Bacon?, utilizemos la lógica y coherencia ante todo. Otro problema que se solucionaría con unas clases en el GYM. ..el último superviviente o penúltimo suele ser una chica que corre despavorida ante la persecución de Jason pero ¡qué lástima! tropieza con una roca y se come el suelo ante la repentina llegada del susodicho que acaba con su vida en un periquete pensando… no está en forma o se olvidó las gafas en la cabaña, o es lela, ¡otro menos!.
Digo yo, no sería más fácil que si el primer día escuchamos la respiración pausada pero terrorífica de jason decir a la peña, ¡vámonos de aquí que hay un tio raro con una máscara de hockey...y listo, a deambular por el bosque como en The Blair witch proyect!.
Y las familias que viven en Elm Street… ¿es necesario ir a vivir a un barrio donde todo americano sabe qué sucedió en la calle elm?, sinceramente es ir a meterse en la boca del lobo, luego pasa lo que pasa, que tu hija tiene unas ojeras del quince por no poder dormir porque tiene pesadillas con el tipo del jersey a rayas que unos padres quemaron vilmente en una caldera.
Por suerte, todo esto está cambiando y ya no se nota tanto el truco que utiliza el director para ir llegando al enfrentamiento final one VS one. En la serie walking dead no es tan claro como antaño y las escenas buscan más el susto que nos soprenda, aunque hay situaciones que los protas se encuentran en un amplio campo con cientos o miles de caminantes y, ¡voilá! se meten por un bosque y los despistan en cuestión de segundos, eso si, los zombies no dan tregua, tienen un olfato más desarrollado que los humanos y tarde o temprano te encontrarán, osea que ¡hay que lavarse de vez en cuando Rick Grimes!

Nos guste o no las películas del género de terror forman parte de nuestra cultura cinéfila y en ocasiones no está nada mal echarse unas risas con los guiños que se veían en aquellos grandes y míticos títulos del género, Ya lo dice el refrán, cuando el rio suena… ¡Caroline, corre hacia la luz!



2 de diciembre de 2013

Las 10 mejores películas del 2013 según Mr.Quentin




A falta de menos de un mes para que se termine el 2013 empiezan a salir las listas de todos los años que nos indican que películas han gustado más a aficionados y celébrities.
En este caso tenemos el top ten del director de cine Quentin Tarantino que nos muestra una selección de todos los géneros con alusión al romanticismo, algo inusual en su cine tan personal. Un ejemplo son Antes del anochecer o Afternoon Delight. Otra de las cintas que nombra es Juerga hasta el fin, comedia que cuenta con un reparto de actores de humor muy extenso. El género de terror está cubierto por Expediente Warren, uno de los thriller más siniestros y terroríficos de los últimos años protagonizado por la actrices Lily Taylor (A dos metros bajo tierra) y Vera Farmiga (Infiltrados). Woody Allen y Alfonso Cuarón están incluidos dentro de esta clasificación gracias a Blue Jasmine y Gravity respectivamente, al igual que la decepcionante secuela de kick Ass dirigida por Jeff Wadlow. Lo que sorprenderá a muchos es que el ganador de la Palma de Oro en 1994 elija a El llanero solitario como una de las mejores películas del 2013 ¿?¿? (se lo perdonaremos…)
Se puede estar más de acuerdo o no con el director de Pulp Fiction, pero desde luego, hay que tener siempre en cuenta los consejos de un genio con una trayectoria como la suya. Este es su top 10:

Afternoon Delight (Jill Soloway)
Antes del anochecer (Richard Linklater)
Blue Jasmine (Woody Allen)
Expediente Warren: The Conjuring (James Wan)
Drinking Buddies (Joe Swanberg)
Frances Ha (Noah Baumbach)
Gravity (Alfonso Cuarón)
Kick Ass 2: Con un par (Jeff Wadlow)
El llanero solitario (Gore Verbinski)
Juerga hasta el fin (Seth Rogen y Evan Goldberg)

Personalmente creo que la mejor película del 2013 es "Gravity" de Alfonso cuarón.
Hacía tiempo que no disfrutaba tanto de una película de ambiente espacial desde la gran "Moon" del 2009 dirigida por Duncan Jones concretamente.






12 de noviembre de 2013

UN AMIGO PARA FRANK - ANDROIDES SIN ALMA -



En un futuro no muy lejano, la integración de los robots en la vida humana hará posible que surjan androides programados para cuidar personas mayores. Esa es la solución que encuentran Hunter y Madison para su anciano padre Frank, cuyas pérdidas de memoria son cada vez más frecuentes.
Jake Schreier, director que empezó en la publicidad, los cortometrajes y los videoclips, presenta esta humana ópera prima sobre un tema cada vez más actual: la soledad de la tercera edad y el impacto de la tecnología en ellos. Jake nos muestra un personaje protagonista enfermo de alzheimer con pérdidas constantes de memoria y olvidos. Sus hijos, interpretados por los correctos James Marsden y Liv Tyler, no saben que hacer con su padre y el varón decide regalarle un robot para que le ayude con las tareas del hogar y le haga la vida más fácil. Lógicamente, y debido a su fuerte personalidad, su padre se niega pero tampoco quiere irse a una residencia de ancianos. Es aquí cuando surgen las cuestiones principales del film. ¿Qué libertad de decisión deben tener ellos cuándo su elección afecta directamente a las vidas de sus más allegados? ¿Puede la tecnología ser un sustituto fiable de la calidez humana?

El film reflexiona sobre la soledad de la vejez con la historia de amistad de un anciano  con su robot. De esa manera, el estupendo libreto de Christopher Ford, combina comedia y ciencia-ficción en un relato divertido con transfondo amargo, que deja muy buen sabor de boca en el espectador.
En paralelo a esa trama, conoceremos mejor al personaje de Frank y sus relaciones familiares con sus hijos y su mujer ausente, ofreciendo un crítico retrato social y familiar de nuestro presente, donde la familia ya no es una prioridad, quedando muy por debajo de nuestras propias satisfacciones personales e individuales. Una dura crítica a una sociedad consumista y egoísta que se olvida de sus mayores.
Frank Lagella está excelente en todos los aspectos como protagonista, una gran interpretación, y el robot caerá simpático a cualquiera gracias a un guión óptimo y resultón.

El director no emplea grandes efectos especiales para hacer convincente al robot (en varios momentos que le vemos andando nos recuerda que dentro habrá una persona tipo R2-D2 o C3PO de la saga Star Wars) y consigue convertirlo en un personaje más, jugando con las opciones que ofrece su presencia y comentarios, haciéndolo más humano que la familia del protagonista. Solamente en sus minutos finales se intuye un atisbo por defender la tesis de ese Don Quijote que lucha contra los molinos de viento de la decrepitud, cuando ya es demasiado tarde para él anclado en su juventud donde consideraba que era un gran ladrón de guante blanco con una aventurera vida.

Un film correcto con un final previsible pero que cierra bien el conjunto de los poco más de 85 minutos de metraje donde se muestra limitada por no profundizar en la historia que daba para bastante más.
Totalmente recomendable para todos aquellos a los que gusten las comedias inteligentes pero que saben ver más allá de sus propios prejuicios.

Premios:

2012: Festival de Sitges: Premio del público.
2012: Independent Spirit Awards: Nominada a Mejor primer guión.





4 de noviembre de 2013

SITGES 2013 - EL CINE Y LAS SERIES DE GÉNERO SE DAN LA MANO -






Parece que fue ayer cuando acabó el festival del año pasado y de nuevo nos encontramos con un certamen donde lo mejor del cine mundial fantástico y de terror se fusionan con la nueva hornada de series de género que nos envuelven en los últimos tiempos donde la realización y el guion rozan en algunas de ellas la excelencia.
Sitges 2013 celebra su 46ª edición como cada año subiendo el listón de espectadores y de propuestas varias. En esta ocasión hemos perdido 1 día de festival que seguramente se deba a recortes de presupuesto. Donde también se ha notado la "retallada" ha sido en el numero de películas proyectadas, menos que en el 2012, eso si, más de 66.000 espectadores, un 10% más en la venta de entradas, larga vida al festival :)
Las secciones permanecen inalterables e incluso Seven Chances ha crecido en sub-secciones bastante interesantes e inéditas.
Mi selección fue la siguiente:

Sábado 12 de octubre una tarde con el cine de To: 

"DRUG WAR" cuenta la historia del jefe de un cartel de la droga que es arrestado tras verse involucrado en un accidente automovilístico.

El capitán Zhang y su equipo no se detendrán ante nada con tal de localizar mafiosos implicados en el tráfico de drogas. Cuando el narcotraficante Timmy Choi es capturado, se le ofrecerá un contrato para ayudar a Zhang a reventar una importante red de narcotráfico. Sin embargo, Zhang no confía en que Timmy vaya a traicionar a sus antiguos compañeros.
El primer referente que se nos viene a la cabeza tras ver esta pelicula y que hace no mucho nos dejo maravillados con su final es la serie de la AMC "Breaking Bad". En este caso la tan conocida droga azul de la serie se traslada a las mafias chinas del narcotráfico y a sus calles, y empieza así un doble juego en que el comisario y el delincuente darán pie a una relación de necesidad y desconfianza a partes iguales.
Acción violenta, cruda y descarnada en un coctel explosivo perpetrado por auténticas bestias disimuladas bajo una piel de cordero, To nos demuestra una vez más de lo que es capaz y de que es un genio en el genero bordando de nuevo su trabajo que no está a la altura de las conocidas "Exiled", "the Mission"


o "Election" pero que es muy digna de ver y disfrutar. Una recomendación que los fans del director ya habrán visto, no os perdáis el plano secuencia de "Breaking News", puro cine!
Drug War, no es solo un espectacular thriller de tiroteos entre policía y gánsters, trata también sobre la moralidad individual de los personajes confundiendo al espectador por momentos.
El ritmo de la película no es el convencional ya que el desarrollo y la presentación inicial es algo lento pero muy conseguido y real, con una gran presentación de personajes y muestreo de la estructura de la red del narcotráfico. Es en el tramo final de la película cuando acelera el ritmo y  donde To vuelve a demostrar que en las secuencias de acción con armas de fuego es un maestro y que una vez se dispara la primera bala ya es un no parar, mención especial la secuencia final de la autopista, imperdible!!



Domingo 13 de Octubre "Bienvenidos al fin del mundo" que nos propone Edgar wright, matinal en Auditori :

"THE WORLD'S END" 20 años después de una épica juerga nocturna, cinco amigos se reunen por obra de uno de ellos: Gary North, un cuarentón agarrado a su adolescencia, que arrastra a sus amigos a su ciudad natal. Pero mientras intentan llegar al bar soñado, "El fin del mundo", descubrirán que está en juego el futuro de la humanidad.
Con "Zombies party" los directores se propusieron entregar al público una desternillante comedia de Zombies, que no solo arrasó por Inglaterra, sino que se la considera de las mejores del género. Después de una hilarante Zombies Party, el trío se reunió otra vez en 2007 para rodar Arma fatal, otra comedia bastante aclamada por el público y la crítica en U.K. Después de “Zombies Party” y “Arma Fatal” parecía difícil superar el listón y cerrar la trilogía de Edgar Wright, Simon Pegg y Nick Frost. Pero “The World’s end” es mucho mas madura y, sobre todo, tiene muchas capas tanto dramáticas como en desarrollo de personajes con personalidades muy bien definidas. La narración tiene un ritmo frenético igual que los diálogos enrevesados, locos y frenéticos. Una historia de amigos de la infancia bebedores de cerveza enfrentados a una especie de invasión de los ultracuerpos a ratos conmovedora pero sobre todo terriblemente divertida y con altas dosis de acción.Todo en “The World’s end” es una fiesta alcohólica sin pausa. La película es pura referencia ochentera, desde la música hasta los gags y situaciones que viven estos personajes anclados en su época dorada.
El film habla de la dignidad, de las cuentas pendientes y de ser lo que somos hasta las últimas consecuencias aunque por ello nos etiqueten.
Una gamberrada muy bien construida que hará las delicias de los fans de la trilogía y un buen final de la misma.




Jueves 17 de Octubre film coreano de animacion ganadora del premio a la mejor pelicula de animación Sitges 2013:

"THE FAKE" En un pueblo que vive bajo la amenaza de una inundación, Choi intenta hacerse con las indemnizaciones de los habitantes gracias a la Iglesia. El reverendo y un hombre que acaba de regresar al pueblo se cruzarán en su camino.


El director de The King of Pigs, una de las películas de animación para adultos más importantes y provocadoras de los últimos años, vuelve de nuevo a hacernos tomar conciencia y remover nuestras butacas. En esta ocasión, se centra en la religión. En un pueblo que vive bajo la amenaza de una inundación, Choi intenta hacerse con las indemnizaciones de los habitantes gracias a la iglesia. El reverendo y un hombre que acaba de regresar al pueblo se cruzarán en su camino. Un thriller que ahonda en la amoralidad del ser humano a través de un anime tan excelente como oscuro.
La nueva animacion para adultos lleva hace años nombre coreano y mas concretamente de corea del sur. Con unos personajes cuya profundidad psicologica da al film unos tintes de pelicula de imagen real. Y es aqui donde el director juega con la violencia y los dialogos duros con personajes muy definidos forzando los limites mediante la animacion de calidad.
Con ello consigue de forma unica un toque de intriga y argumento tragico muy dificil de ver en este genero y que otorga a sus films un nuevo estilo muy personal. Una pelicula que seguramente pase desapercibida para el gran publico pero que es un referente junto con su opera prima "The KIng of Pigs", cine diferente y adulto con una puesta en escena impecable.


Sábado 19 de Octubre doble sesion con el irreverente Takashi Miike y animacion de israel con "The congress":

"LESSON OF THE EVIL" Nos narra la historia de Hasumi Seiji (interpretado por Hideaki Ito), un profesor muy querido por sus alumnos y de plena confianza para sus compañeros, que en realidad es un psicópata, nació sin la capacidad de empatizar con los demás. Aun así todo va bien, en su vida personal y profesional, intenta pasar desapercibido y vivir una vida mas o menos normal, hasta que empieza a ser intimidado, a tener diversos problemas en el trabajo, en el instituto, determinando que la única forma para resolverlos es a asesinar a sus alumnos uno por uno.
Miike adapta personalmente una novela de Kishi Yusuke y nos cuenta la historia del profesor Seiji Hasumi, un tipo inteligente, guapo, simpático y agradable que imparte clases de inglés en un instituto, y se preocupa tanto a nivel académico como personal por sus alumnos, implicándose mucho más de lo que su sueldo le exigiría por solucionar los problemas que estos puedan tener. El instituto, posible metáfora de la sociedad japonesa, esconde bajo una falsa apariencia de normalidad una realidad turbadora repleta de miserias en forma de acoso escolar, redes clandestinas para copiar exámenes, vidas frustradas, etc. En este contexto, el verdadero Hasumi, un psicópata sanguinario y cruel aflorará para impartir una lección que nadie olvidará.
En 2010 Tetsuya Nakashima realizó el film "Confessions" también ambientado en las escuelas y que por momentos viene a la mente tras ver la ultima de Miike. 
También tiene referencias visuales al gran David Croneberg con sus artefactos carnales.
La ambientación es perfecta y la ultima media hora recrea a la perfección la pesadilla que se vivirá en el instituto.


Parece ser que Miike ha evolucionado hacia un cine mas serio y de calidad, recordemos las anteriores "13 asesinos" y "Harakiri - muerte de un samurai", dos joyas en términos de técnica, tempo y riqueza del plano, buena fotografia y todas las caracteristicas que ha de tener un buen film. 
El guión que adapta una novela es suyo y se nota que su imaginario está aquí perfectamente explotado.
Takashi Mike se suma a la lista de directores japoneses como Sian Sono, Kitano y otros que hacen un cine alejado de los estándares occidentales, dandole un aire fresco a la cinematografía mundial.
No es una de sus mejores película y tampoco se atan todos los cabos de forma satisfactoria, sobre todo el arranque es lento ya que muestra durante demasiado tiempo las tramas de los personajes. Aun así es un producto muy bien facturado, entretenido y con la suficiente mala leche y humor negrísimo como para hacer pasar dos horas estupendas a los amantes de las experiencias asiáticas del amigo Takashi que cada año nos deleita en Sitges, un clásico.


"THE CONGRESS" Ijon Tichy es invitado a un congreso de futurología que se celebra en Costarricania, donde reputados expertos intentan encontrar soluciones a todos los desastres que amenazan el futuro de la humanidad. Al mismo tiempo, el descontento social se extiende por el país, por lo que el gobierno decide suministrar benefactorina, altruismol o felicitol a toda la población para abortar la inminente revuelta. Esas substancias químicas afectan a la mente, induciéndola a hacer el bien, a arrepentirse y a buscar el perdón. Adaptación libre de la novela "The Futurological Congress", de Stanislaw Lem que combinará animación e imagen real.


Ari Folman tuvo su debut en el cine a finales de los 2000 coincidiendo con una edad dorada de la animación en la que independientemente de las producciones de estudios (Disney, Dreamworks, Pixar) salieron a la luz piezas de la calidad de "Mary and Max", "A Scanner darkly", y sobre todo "Persépolis" o la opera prima de Ari "Vals con Bashir". De esta forma se vio beneficiado del interés del público masivo por un tipo de animación más enfocado al espectador adulto y menos minoritario. Con "The Congress" la intención es la misma: el mensaje es clave, Folman sigue explorando su imaginario y ahora moderniza un relato de Stanislaw Lem con lo que ello conlleva, las novelas de este autor no son para un público masivo.


Es una película muy atrevida, original, psicodélica y con un contenido filosófico/existencialista considerable, que personalmente considero un poco exagerado y por momentos falto de interes. Todo desde la perspectiva de un personaje, una actriz, que al final ya no logra entender ni dónde está, ni que pasa, ni que han hecho con ella y el mundo… Tras tres fases de desarrollo del entretenimiento (muy claras) la percepción de la realidad cambia completamente, la peli empieza en imagen real y luego pasa a la animación mas original que he visto hace tiempo pero que peca de exceder en eso, en pretender ser muy original y perderse en el intento.
Un tema muy original que recrea perfectamente el director es la alusion de hechos historicos y 
personajes que marcaron una época, no todo el conjunto de la pelicula es flojo, la parte de imagen real se aguanta bastante y sobre todo tiene un imaginario importante debido al relato al que pertenece del escritor Lem.
Un film minoritario que aprueba con un bien y que no dejará a nadie impasible para bien o para mal. Eso ha sido todo, hasta el próximo sitges 2014,  forever Sitges!







21 de agosto de 2013

ELYSIUM - Blomkamp made in USA -






En el año 2159, los seres humanos se dividen en dos grupos: los ricos, que viven en la estación espacial Elysium, y todos los demás, que sobreviven como pueden en una Tierra devastada y superpoblada. Rhodes (Jodie Foster), una dura gobernante, promueve una rígida ley anti-inmigración, cuyo objetivo es preservar el lujoso estilo de vida de los ciudadanos de la estación espacial. A pesar de ello, los habitantes de la Tierra harán todo lo posible por emigrar a Elysium. Max (Matt Damon) acepta una misión casi utópica, pero que, si tuviera éxito, significaría la conquista de la igualdad entre las personas de esos dos mundos tan opuestos.

La nueva película del director africano nos vuelve a mostrar un futuro apocalíptico donde la humanidad está cada vez más dividida por la clase social a la que pertenece.
De buenas a primeras a todos nos viene a la mente su ópera prima del año 2009 "District 9", un film que causó buena impresión entre critica y publico y donde la imaginería del director hizo que la película no cayera en el olvido como otra mas de ciencia ficción haciéndose un nombre en este trillado genero con una sola película.


La primera media hora nos muestra unas ideas y un guión que nos envuelven y del que nos tiene acostumbrado este director por salirse de lo convencional del género que toca. Pero el punto flaco de esta historia se encuentra en su última hora de metraje donde nos encontramos con unos personajes muy lineales y de blockbuster americano veraniego. 
El papel de los actores principales es, en algunos casos como el de Jodie Foster, poco creible. Quizás han querido recordar su papel en "Contact" pero ni la situacion ni las circunstancias son las mismas, la actriz tiene un papel poco definido y que no aporta nada a la historia.
Damon hace lo que sabe, poner caras de vez en cuando  y repartir leña a quien se ponga por medio!
A destacar sin duda y una de las pocas cosas que hace que en general la película no caiga en el suspenso es el gran trabajo del equipo de Blomkamp en todo lo relacionado con escenarios y ambientación, (el planeta Elysium está muy logrado y sus efectos son de nota alta), como siempre robots muy elaborados y naves futuristas que no desentonan con el conjunto.
Un fallo bastante grande y que por momentos se vuelve mareante son las escenas de acción con la llamada "cámara en mano" o efecto LIVE, que hacen tediosas dichas escenas ya de por si excesivas en la segunda mitad del metraje.


Nos encontramos ante una crítica voraz de Neill sobre la política de inmigración y la salud en un futuro donde solo unos elegidos podrán vivir mas años y con calidad de vida, algo que viviendo la actual situación mundial no deja de ser muy irreal de pensar que suceda algo parecido.
Un final bastante previsible pero que en general no desentona con el conjunto, eso si la película llega a los 100 minutos con el extra añadido de la parte de aprox. una hora que no habría hecho falta que se hubiera guionizado de esa manera, el conjunto hubiera sido mas redondo, al cabo de un par de días o menos ya no recuerdas nada concreto que te llamara la atención, un gran fallo. La palabra que la definiría seria correcta, sin mas. 
Demasiado Hollywodiense para mi gusto, termina sucumbiendo a los cánones de la industria, esperemos que la próxima de Neill (Chappie 2014), consiga transmitir más mensaje como es habitual en sus historias y que el lado oscuro de los dólares no le lleve a hacer cosas como la mostrada.








23 de julio de 2013

THE IMPOSTER - Cuando la turbia realidad supera a la ficción con creces -







En junio de 1994, Nicholas Barclay, un niño tejano de 13 años, desapareció sin dejar rastro. Tres años después, se reciben noticias sorprendentes sobre el caso: el chico ha sido hallado en España y afirma que ha sido torturado por sus secuestradores. Tras la inicial alegría de la familia al recuperrarlo, se plantea un problema inexplicable: ¿cómo es posible que el hijo rubio de los Barclay sea ahora moreno?. 
El nuevo y fascinante documental del productor de la excelente "Man on wire" nos adentra en una trama, que por momentos se vuelve cada vez mas inverosímil, labrada en la américa más profunda y desconocida por el mundo.
En los últimos años el género documental está en auge y cada vez tiene más espectadores en sus filas. 

Man on Wire (2008), Exit Through the Gift Shop (2010), Searching for Sugar Man (2012) son solo unos cuantos de los títulos que en los últimos tiempos se han llevado los halagos de la crítica, y una cantidad de espectadores que hace no tantos años era impensable que se interesara por el género y que pensaban que (documental=canal de TV la 2=aburrido o apto para la migdiada), esta igualdad ya no se cumple por suerte!)
Uno de los últimos a sumarse a la lista es El Impostor (2012), el debut de Bart Layton. 
Basado en una historia real este documental nos habla sobre Frédéric Bourdin, un francés nacido en 1974, apodado “El camaleón” debido a que durante su vida suplantó unas 500 identidades, siendo la más sonada la representada en este documental, cuando en 1997 convenció a una familia de Texas de que era su hijo desaparecido años atrás. Un hijo de algeriano de pelo y ojos oscuros suplantando la identidad de un niño tejano con el pelo rubio y los ojos azules. Ver para creer. Todo esto si estás dispuesto a creerte la historia que Bourdin desea contar, un reconocido impostor que ha hecho de la mentira su forma de vida. 


Bart Layton construye en su debut un sorprendente documental, muy cinematográfico y con tintes de gran thriller, a través del método entrevista-recreación, en el que destacan la potente técnica narrativa, la fotografía y el montaje. La capacidad única del documental para mantenerse en la delgada línea entra la ficción y la realidad, consigue mantener en vilo al espectador durante todo el metraje, valiéndose de la frase "la realidad siempre supera la ficción". 
El documental logra a la perfección la sensación de que cada vez que vamos conociendo al personaje principal nos invade un temor que va in crescendo hasta la traca final donde se nos desvela las posibles consecuencias y el supuesto silencio que la familia tenia guardado, una experiencia que dejo para los espectadores que vean el film y puedan sentir lo que el director nos quiere transmitir durante los 100 minutos de film.
(La cara del actor que da vida al personaje de Nicholas (Adam O'Brien) y sobre todo su sonrisa de perturbado refleja a la perfección la psique del personaje en cuestión).


Una familia donde el psicópata Ed Gein se sentiria como en casa y lo harian hijo predilecto, viendo como actuaron con el supuesto Nicholas Barclay francés...no es ningún disparate!
De primeras nos viene a la mente el excelente docu del año 2010 “Exit through the gift shop” (de visionado obligado si o si), si bien es cierto que el documental dirigido por Banksy juega con una finísima línea de separación entre realidad y ficción, sin embargo, con Banksy jugamos en terreno conocido y a pesar de lo turbias que son las aguas al menos podemos concluir que Banksy es Banksy y Shepard Fairey es Shepard Fairey; y que, al menos, existen de verdad. Por ínfima que sea transmite cierta noción de realismo y además se apoya perfectamente en material original. Tras todos los escenarios de “The Imposter” y todas sus actuaciones apenas encontramos un resquicio para material original y aún menos para un ápice de credibilidad permitiéndonos la duda del personaje que nos cuenta los hechos.
Uno de los mejores y mas entretenidos documentales del 2012 que consiguió varios premios en su andadura por varios festivales.
Al final de todo este relato lo verdaderamente escalofriante es que todo lo que cuenta el documental pueda haber sucedido tal cual en un mundo cada vez mas controlado y donde tienen cabida en cualquier rincón del mundo semejantes atrocidades...como poco para darle un par de vueltas en la cabeza y ser prudente. 


Premios:
2012 - Festival de Sundance: Sección oficial a concurso documentales internacionales.
2012 - Premios BAFTA: Mejor debut británico, 2 nominaciones.
2012 - Festival de Miami: Gran Premio del Jurado.
2012 - British Independent Film Awards: Mejor documental, mejor ópera prima.










20 de julio de 2013

EL CASTILLO AMBULANTE - Diana Wynne Jones - el complemento perfecto a la obra de Miyazaki -






En el país de Ingary, donde las botas de siete leguas y las capas de invisibilidad existen de verdad, Sophie Hatter ha atraído la desagradable atención de la Bruja del Páramo, quién la hechiza con un maleficio que la convierte en una anciana. Con la determinación de hacer lo adecuado, Sophie viaja al único lugar en el que cree que podrá encontrar ayuda, el castillo ambulante que merodea por las colinas cercanas. Pero el castillo pertenece al temible Mago Howl, que se alimenta, según dicen, de los corazones de jóvenes desprevenidas.
El castillo ambulante explora diversos temas habituales en la literatura. Éstos incluyen el destino, la juventud, el valor y el amor. Los dos primeros son centrales en el desarrollo de Sophie, la protagonista.

Desde el principio, su idea del destino le hace creer que está condenada a fracasar por ser la mayor de tres hermanas. Esto contrasta con la actitud de Howl, que se ve como el dueño de su destino, sin preocuparse de lo que la sociedad piense de él ni de lo que las convenciones exigen. El fracaso que Sophie ve en sí misma se refleja en el hechizo de la Bruja del Páramo, que transforma a Sophie en una anciana poco agraciada.
La gran mayoría conoceréis la historia de El castillo ambulante gracias a la adaptación cinematográfica del estudio Ghibli y del director Hayao Miyazaki, una muy buena lectura que puede hacerse antes o después de ver el film. 
Los primeros capítulos son prácticamente iguales, el resto es totalmente diferente a la película.
Es un libro alegre y original que se puede leer en cualquier momento y en cualquier lugar, y que siempre arranca unas risas y hace pasar buenos ratos. 
Sophie es una protagonista única: es una chica joven convertida en una vieja nonagenaria gruñona, artrítica y cabezota que no se deja amedrentar por el mago Howl ni por su espíritu de fuego. El Howl del libro, a diferencia del de la película, es caradura, presuntuoso, presumido y muy inmaduro (sí, más que en la adaptación). 
Calcifer, por su parte, es el rey de las contestaciones secas. ¡Ah! Y Marco no existe en el libro, sino que el aprendiz de Howl es un joven adolescente llamado Michael que nada tiene que ver con su sustituto... Con la descripción de estos protagonistas ya os podéis hacer una idea de que el tono romántico y amoroso que caracteriza a la obra de Miyazaki no existe en la novela original. Pues lo creáis o no, al final lo eché bastante de menos porque las escasas casi inexistentes escenas más o menos amorosas son bastante sosas.
Lo mejor de El castillo ambulante son, sin duda, sus diálogos. El trasfondo de la historia es muchísimo mayor, podemos averiguar más cosas acerca de la vida de Sophie y sobre todo de la de Howl.

También aparecen personajes de la adaptación, como la Bruja del Páramo, pero la grandísima mayoría de personajes no tienen absolutamente nada que ver.
Sé que me estoy remitiendo mucho a Miyazaki pero como casi todo el mundo ha oído hablar de la película y no del libro... Pues aquí va mi mensaje: Leedlo. No es mejor ni peor, solo diferente, como si de otra historia de tratara.
El castillo ambulante es una novela juvenil apta (e incluso recomendable) para públicos adultos, con una prosa y una trama muy amables, sin ninguna estridencia; con un sentido de la maravilla especial, delicado, lleno de un humor suave, no exento a veces de cierta ironía, que gusta del engaño y el equívoco; con un delicado equilibrio entre la acción, el drama y la poesía. Hay espectaculares enfrentamientos mágicos, cuando la Bruja del Páramo hace acto de presencia, pero están como vistos un tanto desde la distancia, despojados de toda crueldad o truculencia; hay sorprendentes revelaciones, cuando las artimañas y argucias de los contrincantes se van desvelando; hay tragedia y hay amor, un poquito de tensión y los necesarios momentos cómicos.
Como decía al principio, que nadie espere encontrar la película de Miyazaki aquí, sobre todo desde el momento en que Sophie empieza a vivir en el castillo, momento en que libro y cinta de animación comienzan a diferir más y más (con muchísima más acción en la versión fílmica y un ritmo más reposado y tranquilo en la literaria). Sin embargo, la novela tiene una entidad propia que le permite defenderse satisfactoriamente sin el apoyo de la gran pantalla y merece la pena ser leída por sí misma y no por su adaptación.








1 de junio de 2013

DE ÓXIDO Y HUESO - Alì & Stéphanie. La atracción de los opuestos -






De repente, Alí tiene que hacerse cargo de su hijo Sam, un niño de cinco años al que apenas conoce. Como no tiene casa, ni dinero, ni amigos, se refugia en Antibes, en casa de su hermana, que los acoge cariñosamente. Tras una pelea en una discoteca, conoce a Stéphanie, una domadora de orcas en Marineland. 
Segunda película del director de "Un profeta" que cuenta la historia de la adolescencia marcada por la delincuencia juvenil donde Malik El Djebena es condenado a pasar seis años recluido en Brécourt. En su traslado a la prisión, Jacques Audiard filma esa travesía en furgón policial a través de las rejas del vehículo.
La imagen de la realidad, de las calles, la gente y las vidas minúsculas que tienen su lugar, quedará recortada entre el hueco de los barrotes. Así comienza Un profeta (Un prophète, 2009). En ella, Audiard relata cómo la cárcel se convierte en la escuela del crimen, en un aprendizaje de la violencia que marca, con una huella indeleble, el destino de su protagonista, cuya madurez le conduce hasta la cima de la mafia. El destino es un concepto que en Audiard guarda un relieve especial. Como en la mejor novela negra —la de Thompson, la de Bunker, la de Jean-Patrick Manchette—, uno rara vez escapa de su fortuna. De ahí la tristeza del Thomas Seyr de De latir mi corazón se ha parado (De battre mon coeur s’est arrêté, 2005), cuyas manos, virtuosas para tocar el piano, se resiste a entregar al crimen.
En esta ocasión el director nos adentra en la historia de dos personajes, Alí y Stéphanie, polos opuesto con vidas fracturadas en su juventud que resisten a su destino de forma heróica y con el apoyo incondicional que se demuestran cada uno. El film remite a las historias del director Alejandro Gonzalez Iñárritu con sus guiones duros y contundentes.
Extraordinario y perfecto el uso que se hace del CGI, Computer-generated imagery, "imágenes generadas por computadora" (en inglés), es el resultado de usar computadoras en la realización de imágenes fotorealistas en tres dimensiones, animaciones, efectos especiales de películas, etc.

Haciendo desaparecer por completo las piernas de Marion Cotillard, de primeras puede jugar en su contra, pues el espectador andará pendiente de encontrar las trampas de la técnica. Pero sobre todo la dolorosa interpretación de Marion Cotillard, que te hace asumir más la pérdida de sus dos miembros que la propia imagen visual. Un hombre sin corazón, incapaz de amar, una mujer sin piernas que ha perdido toda la dependencia y es ahí donde los dos se encuentran para recomponer al otro. La depresión de Stéphanie se empieza a evaporar en el primer contacto con Alain, él nunca la trata como una persona distinta por el hecho de no tener piernas, la primera bajada a la playa, el nuevo contacto con el agua es el primer momento en el que ella se siente completamente viva.

A partir de ese momento tiene un contacto con el mundo que la hace volver a ser feliz, la vida se apodera de ella, quizá más visiblemente en ese fantástico momento que tiene en la terraza al ritmo de Firework de Katy Perry, un tema que además demuestra aquí tener una portentosa fuerza cinematográfica.

De óxido y hueso se disfruta por su sensibilidad, por su exquisita fotografía, por su habilidad a la hora de extraer lo mejor de sus actores trabajando según la escena desde la contención y desde la rabia desatada. De óxido y hueso es una historia bella y a la vez triste. 

Lo mejor que muestra Audiard, es la crueldad de la vida sin ensañarse, es la belleza de las pequeñas cosas, como descubre y esconde los sentimientos con su cámara y logra emocionar al espectador a base de fuertes impactos y desarmarlo con pequeños detalles. Es en definitiva como logra sobrecogernos con lo desagradable como bien había mostrado hasta ahora con sus anteriores títulos capaz de conmover y emocionar con una historia trágica.

La película no se deja llevar por sentimentalismos, nos muestra la vida tal cual es. A veces hay que dejar que algo nos traspase, llegue al hueso y así nos oxidaremos el alma.




2012: 4 Premios César, incluyendo mejor guion adaptado. 9 nominaciones.
2012: Globos de Oro: 2 nominaciones: Mejor película de habla no inglesa y actriz (Cotillard).
2012: Festival de Cannes: Sección oficial de largometrajes.
2012: Critics Choice Awards: 2 nominaciones.
2012: Premios BAFTA: 2 nominaciones, incluyendo mejor actriz
2012: Seminci: Mejor dirección, Mejor actor (Schoenaerts), Mejor guión.
2012: Independent Spirit Awards: Nominada a Mejor película extranjera.

2012: Premios Goya: Nominada a Mejor película europea.





27 de enero de 2013

DJANGO DESENCADENADO - La D es muda... ¡Tarantino en estado puro!





Dos años antes de estallar la Guerra Civil Americana (1861-1865), King Schultz (Christoph Waltz), un cazador de fugitivos alemán que le sigue la pista a unos asesinos, le promete al esclavo negro Django (Jamie Foxx) dejarlo en libertad si le ayuda a atraparlos. Terminado con éxito el trabajo, Django prefiere seguir al lado del alemán y ayudarle a capturar a los delincuentes más buscados del Sur. Se convierte así en un experto cazador de recompensas, pero su único objetivo es rescatar a su esposa Broomhilda (Kerry Washington), a la que perdió por culpa del tráfico de esclavos. La búsqueda llevará a Django y a Schultz hasta Calvin Candie (Leonardo DiCaprio), el malvado propietario de la plantación "Candyland".



Django es un personaje del spaguetti western que interpretó Franco Nero en una película de 1966, este es uno de los homenajes que Tarantino incluye en su film pues el actor italiano tiene un papel en la película, como también lo tienen James Remar, Don Johnson, Robert Carradine, Samuel L.Jackson , James Russo y Bruce Dern, tipos que acompañan al prota Jamie Fox como el esclavo Django, Leonardo DiCaprio en el papel del villano Calvin Candie, y Christoph Waltz, dando vida al Dr. King Schultz, antiguo dentista en horas bajas.
Tarantino ya hace tiempo que es uno de los grandes, lo ha demostrado adentrándose en diferentes géneros o estilos cinematográficos a lo largo de su carrera como el blackxploitation de Jackie Brown, las películas de yakuzas o samurais (Kill bill I y II), el anime (Sin city), la serie B (Death proof), el thriller de acción Reservoir Dogs o en este caso el espaguetti western. 



Pero tarantino va más allá del simple tributo, su uso de los referentes que lo marcaron en su larga carrera como devorador de películas cuando trabajaba en un videoclub hacen que haya creado unas obras con una marcada estética particular que lo convierten en único en su época.
Una mezcla explosiva de acción, imaginación, violencia con toques gore, y unos diálogos con mucha coña en los que demuestra su ingenio y nos saca una sonrisa en cada momento con su jerga multicultural (tarantino ha creado algunas de las lineas más inolvidables de los últimos 20 años, ¿quien no recuerda aquella mítica conversación de Reservoir Dogs sobre el significado de las canciones de Madonna?

Otras dos características del cine tarantiniano son sin duda el montaje endiablado, seña de identidad de la casa y su peculiar manera de afrontar la estructura narrativa siempre alejada del modelo clásico: un mismo hecho contado desde diferentes puntos de vista (Pulp Fiction) o la película reconstruida en varios episodios (Kill Bill).

Técnicamente la cinta es de sobresaliente, fotografía, decorados, montaje, todo merece un oscar. Mención especial la multitud de planos en los que se nota un detalle extremo al que nos tiene acostumbrado desde sus inicios, (hay un plano ralentizado del inicio de la película cuando los dos protas entran en un pueblo y al salir de la cantina todo el mundo los apunta que es de libro!).
La historia tiene un argumento que no se hace pesado en absoluto pero sus 165 minutos se podrían haber quedado perfectamente en 30 menos y el resultado habría sido más redondo.
Las interpretaciones de todos los actores son correctas en general, mención especial de los protagonistas y de un Samuel L.Jackson que de nuevo lo borda con Quentin dirigiendo.
Tarantino nos regala un nuevo film en el que se nota su evolución como director, el peso de la narrativa ha ido creciendo y se muestra más sólido, en sus anteriores obras hacía una especie de balanza entre partes con mucha narrativa, unidas con diferentes historias que iba hilvanando mediante flashbacks y giros argumentales para trenzar un rompecabezas que unía con gran maestría.


Es imposible pensar en una película de Tarantino sin recordar, al menos, un tema de su banda sonora. El director tiene un sexto sentido para la música y son muchas las canciones a las que ha dado una segunda edad de oro tras haberlas incluido en sus películas.


Un espectáculo inclasificable, en el que como siempre, nos ofrece múltiples referencias, incluyendo el cameo de Franco Nero del Django original y el tema musical principal de la obra de Corbucci o incluso la aparición del letrero de Mississippi tal y como lo hacía en Lo que el viento se llevó o una entrada de la caballería salida directamente de Los siete Samurais de Kurosawa.
La amenaza de Tarantino de retirarse esperemos que no sea cierta ya que se encuentra en su mejor momento dirigiendo y su obra ya tiene títulos indispensables para el séptimo arte que con suerte no seran los últimos.

Atentos, Kill Bill volumen III para 2014!






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