Ángel...el octavo cinéfilo

MIENTRAS DUERMES - El portero psicópata de Jaume nos mete miedo en el cuerpo -

2011-12-30T02:41:00.002+01:00

César es el portero de un edificio de apartamentos y no cambiaría este trabajo por ningún otro, ya que le permite conocer a fondo los movimientos, los hábitos más íntimos, los puntos débiles y los secretos de todos los inquilinos. Si quisiera podría incluso controlar sus vidas, influir en ellas como si fuera Dios, abrir sus heridas y hurgar en ellas. Y todo sin levantar ninguna sospecha. Porque César guarda un secreto muy peculiar: le gusta hacer daño, mover las piezas necesarias para producir dolor a su alrededor. Y la nueva vecina del 5ºB no deja de sonreír. Entra y sale cada día radiante y feliz, llena de luz. Así que pronto se convertirá en el nuevo objetivo del juego de César. Se trata de un reto personal, de una obsesión.

Balagueró se aleja de los ambientes sobrenaturales, plagados de fantasmas o zombies, para adentrarse en terrores más cercanos y cotidianos. La cinta nos presenta a César, portero de un edificio de viviendas, bajo cuya apariencia ordenada y afable se esconde un psicópata en desarrollo, con un ansia existencial por causar dolor a los que le rodean como único modo de alcanzar la felicidad.

En este sentido, Balagueró se apoya casi por completo en la extraordinaria interpretación de Luis Tosar (las quinielas auguran un goya) ,quien de manera sobria y con pocos elementos, nos introduce en la sórdida mente de su personaje.

Ambos artistas, Balagueró y Tosar, sitúan al espectador en una morbosa tesitura. Al narrar la historia desde la perspectiva de César, nos vemos dirigidos a empatizar con un personaje amoral y sádico, aunque en ningún momento se cae en justificaciones baratas ni se intenta hacer simpático al personaje.El actor y el director han compuesto un personaje perfecto para expresar un sentido de lo perverso. Balagueró mantiene un terror frío,suspense puro y tempo reposado.

Por otro lado tenemos a Clara (Marta Etura), una joven simpática y moderna, frágil y atractiva, con un empleo fantástico, un novio guapo y poderoso (Alberto Sanjuan) y un piso acogedor y ¿seguro? Todo un reto para César. Más cerca de las tergiversadas venganzas asiáticas que del terror palomitero, a César no hay quien le pare en su carrera por destrozar la vida de Clara. Cuanto más inmune parece ella a las jugadas del macabro titiritero más resuelto parece el portero a darlo todo. Como si no hubiera un mañana. Y en este caso, literalmente, puesto que Clara se convierte en la razón de vivir de un hombre incapaz de ser feliz.

El novio (Alberto Sanjuan) es quizás el personaje menos definido de la película ,además la actuación de Alberto en esta historia no está a la altura de sus compañeros de metraje ,una pena.

La niña pequeña chantajeadora (Inés Almeida), es un personaje que podía haber dado más de sí y que no adquiere suficiente protagonismo durante el desarrollo de la película, hasta el final de la segunda parte. De nuevo se abre el debate en torno a las relaciones familiares y la obsesión por los niños a los que Jaume nos tiene acostumbrados.

Un elemento primordial en la cinta es el escenario, ese edificio de estructura clásica, pero con apartamentos remodelados, en el que transcurre la acción. Exceptuando las visitas de César a su supuesta madre, el resto del metraje se desarrolla íntegramente de puertas para adentro de la casa.

A través de un cuidado diseño de producción, cada localización se identifica con su inquilino, generando departamentos estancos dentro del mismo inmueble, pero todos ellos unidos con un único objetivo, despertar suspense y terror en el espectador a partir de escenarios cotidianos y cercanos. De esta manera, todo el edificio pasa a convertirse en una extensión del

personaje protagonista, acechando a cada uno de los vecinos y convirtiendo lo que debería ser un hogar en un elemento amenazante y turbador.

La película explora a la perfección el miedo a lo que sucede cuando cerramos los ojos, cuando el mundo continúa mientras nosotros estamos durmiendo, cuando nuestro espacio personal se ve violado, y consigue reflejarlo de una manera inquietante y perturbadora.

Jaume Balagueró sorprende también con su puesta en escena, prefiriendo una narración sobria y pausada, en absoluto intrusiva y dejando vía a libre a los personajes. No apreciamos salidas de tono y, pese al gusto del cineasta por imágenes de impactante violencia, aquí prefiere una agresividad contenida, donde incluso en el momento climático de la acción opta por no regodearse en imágenes demasiado explícitas, dejándolo casi todo a la imaginación del espectador. Al igual que la interpretación de Luis Tosar, esta austeridad en las imágenes y la puesta en escena beneficia a la cinta por su capacidad de sugerencia y sugestión, logrando además que en aquellos momentos en los que es necesario marcar más la acción Balagueró sólo necesite un ligero énfasis para provocar el efecto deseado, ya que previamente ha ido cargando de manera paulatina la tensión de la atmósfera.

Dicha tensión tiene el punto más álgido en la escena donde el personaje casi es descubierto por la víctima creando un estilo muy de Hitchcock que deja al espectador tenso y casi sin respiración hasta el desenlace la escena hay unos 3-4 minutos de buenísimo cine de suspense de parte del director.

Película impecable, se notan los años de experiencia de Jaume ,que dejará poso (seguramente con remake americano), y que acaparara premios y reconocimientos.

Comentar también la novela de Alberto Marini, una historia alumbrada por este y que Jaume Balagueró ha convertido en película. Pero no es el típico caso de la novela adaptada posteriormente al cine, ya que el libro y el filme se han desarrollado de manera paralela a partir de un guión de Marini (la película se estrena en octubre).

La relación profesional de este turinés con Balagueró ha sido estrecha en los últimos años: trabajó como productor ejecutivo en la franquicia '[REC]', del cineasta catalán y Paco Plaza, fue consultor de guión de 'Fragiles' y coautor de 'Para entrar a vivir'.

Por cierto ,no se olviden de mirar cada noche debajo de su cama y sobretodo ,de no dejar las llaves de su morada a según que personajes de este mundo loco ,nunca se sabe...hay que ser un poco prudente...saludos!

1001 VIDEOJUEGOS A LOS QUE HAY QUE JUGAR ANTES DE MORIR - La guía imprescindible para "gamers"-

2011-12-25T15:13:00.000+01:00

La serie de libros ‘1001…’ ya se había convertido en una excelente referencia de consulta para los aficionados a la literatura, el cine o la música. En 2011 se publica en españa el tomo dedicado a los videojuegos, todo un merecido reconocimiento para un arte que, aún siendo todavía joven, ha producido en su seno un buen puñado de obras imprescindibles.

La titánica labor recopilatoria que guardan en su interior las casi mil páginas de ‘1001 videojuegos a los que hay que jugar antes de morir’ sólo podía salir desde las entrañas de Edge. La admirada revista ha demostrado siempre un respeto sumo por lo que se ha denominado la Videogame Culture. Un respeto que se ha reflejado, número tras número, en textos de calidad, en análisis inteligentes. Edge siempre ha tratado al lector de videojuegos como un adulto y a este medio como algo serio con capacidad de trascendencia.

Tony Mott, redactor jefe de Edge y principal artífice de este libro imprescindible, no está solo. Más de treinta colaboradores de impresionante curriculum se encargan de poner su experiencia a la hora de redactar los textos.

El autor lleva más de veinte años dedicado profesionalmente al ocio digital interactivo y que, en las últimas tres décadas, calcula que ha jugado a 20.000 títulos diferentes.

"Ten en cuenta que los videojuegos son mi profesión además de mi hobby", se justifica este experto en una entrevista con Efe en la que reconoce que algunos de los títulos que aparecen en la lista, "los menos", no habían pasado por sus manos, aunque "desde luego había oído hablar todos ellos" y los probó antes de incluirlos.

Conseguir acceder a juegos que en algunos casos cuentan con casi 40 años "ha sido difícil muchas veces", pero, tras la experiencia, Mott apunta algunos consejos para conseguirlo: aprovechar las consolas compatibles con juegos antiguos, descargarse emuladores y, ante cualquier duda, "consultar alguna de las muchas webs dedicadas a los juegos 'vintage'".
Casi la mitad del libro está dedicado a juegos publicados en los últimos diez años, algo que Mott explica diciendo que "algunas recomendaciones estarán siempre en la lista de imprescindibles de los videojuegos, pero no hay que tener miedo del progreso (...): estoy muy emocionado con los juegos que aún están por venir".
Sin adelantarse al futuro, Mott apunta que 2011 "ha sido un gran año para la industria" porque ha llegado repleto de candidatos a este listado de videojuegos que no hay que perderse.

"Por mencionar solo tres, destacaría 'Dark Souls', 'The Elder Scrolls V: Skyrim' y 'The Legend of Zelda: Skyward Sword'. En muchos aspectos son muy tradicionales, con todos esos elementos de hechicería y espadas, pero, cada uno a su modo, han establecido nuevos estándares para los videojuegos", relata este experto. Como se suele decir en estos casos, genio y figura hasta la sepultura.

Preguntado por Efe sobre qué juego recomendaría a alguien que tuviera tiempo para jugar a uno solo, Mott no lo duda y apunta al "Tetris", porque "es un propuesta de lo más simple pero siempre te entran ganas de seguir jugando. Apareció en Rusia hace veintisiete años y aún hoy se producen nuevas versiones, lo que demuestra lo atemporal de su concepto".

Con prólogo de un grande de los videojuegos, el creador de la saga "Fable", Peter Molyneux, y con espacio para valorar cómo medios como Facebook o los móviles han ampliado los públicos a los que llegan los videojuegos, "1001 Videojuegos a los que hay que jugar antes de morir" incluye acertadas críticas y completos resúmenes de los títulos que compendia, con fotos que ilustran los más representativos.

La estructura del libro es la de siempre en esta serie. De forma cronológica y separados por décadas se reseñan los títulos elegidos, estando los textos precedidos por el nombre, el año, la plataforma, el desarrollador y el género del juego en cuestión.

Tal vez la presencia de tantos títulos ponga en evidencia el poco tiempo que llevan entre nosotros los videojuegos. Hay muchos que pueden resultar cuestionables, resultando así más fiables las listas de 100 imprescindibles que pululan por la red (o de forma física, como la selección que editó la propia revista Edge hace unos años). Aún así el valor y la relevancia de este libro son incuestionables.

El carácter cronológico de la recopilación convierte ’1001 videojuegos a los que hay que jugar antes de morir’ en un excelente repaso de lo que ha dado de sí esta industria hasta ahora. Se hace visible la evolución del medio, y en verdad resulta impresionante la presencia de obras maestras atemporales en cada una de las décadas reseñadas.

Resulta curioso igualmente que encontrar maravillosas creaciones de tono minimalista tanto al principio como al final de la obra. El pixel, la (a veces sólo aparente) sencillez como algo impuesto por los límites de la tecnología en los 70, 80 y primeros 90, y la vuelta a esos parámetros en pleno siglo XXIpor voluntad propia gracias a la proliferación de pequeñas desarrolladoras y del contenido descargable.

Una de las portadas inglesas de ’1001 videojuegos a los que hay que jugar antes de morir’ tiene a Pacman en su portada, pero prefiero la elección realizada para la edición española. El extraterrestre de ‘Space invaders’ es igualmente un icono, pero su diseño a base de visibles pixeles refleja a la perfección la brillante creatividad de la que son capaces los videojuegos. Continuamos caminando.

El libro "1001 videojuegos a los que hay que jugar antes de morir" no se conforma con catalogar los juegos imprescindibles, sino que hace un repaso histórico del ocio digital interactivo, desde el "Pong" de 1972 hasta el cinematográfico "Heavy Rain", con margen para nuevas incorporaciones.
El poso que deja el libro es eso que tanto se repite y que a veces resulta difícil creer: que existe un videojuego adecuado para cada persona y para cada momento.

Una obra imprescindible para todo “gamer” que se precie , a disfrutarla!!!

ARRIETTY y el mundo de los diminutos - La nueva maravilla del estudio Ghibli de nuevo en la cúspide de la animación -

2011-10-23T01:35:00.004+02:00

En una casita oculta bajo las tablas del suelo de una mansión campestre, vive una familia de seres diminutos, de apenas 10 cm. de altura, que tienen la norma de no dejarse ver nunca por los seres humanos; sin embargo, su tranquila existencia cambia cuando Arrietty, una audaz adolescente, es vista accidentalmente por un niño que se acaba de establecer en la casa debido a su delicada salud. Al tiempo que entre ambos surge una gran amistad, la existencia de los diminutos seres se verá peligrosamente amenazada... Adaptación del cuento infantil "The Borrowers", escrito por Mary Norton y ambientado en el Tokio contemporáneo.

La historia se centra en la tolerancia de las personas, en la capacidad de entendimiento entre seres distintos, en lo que hay que conquistar y en lo que se nos escapa y debemos dejar ir.Una trama contada con lentitud, con "pequeñas" escenas hermosas y mucha imaginación. No le falta de nada para disfrute de grandes y pequeños.

El mundo que rodea a los diminutos está cuidadosamente detallado: los zonas por los que se mueven, los entornos naturales en los que se camuflan,pero lo mejor está en los detalles, llenos de belleza, merece la pena pararse a ver como han trabajado con mucha imaginación los creadores de los escenarios habilitados para los diminutos personajes (clavos a modo de pasarela ,gadgets que utiliza el padre en sus expediciones,etc) ,una maravilla para curiosos en general ,todo ello envuelto por la magia de la animación tradicional.

Pero lo que realmente llama la atención es como el sonido juega con nuestros oídos para que tengamos la sensación de que estamos inmersos en su pequeño mundo con ellos. Todos los sonidos que oye la joven Arrietty están adaptados para que nosotros los oigamos tal y como lo haríamos si midiésemos su estatura y eso se combina de maravilla con lo introspectiva que es la película pues la música no suena en largos espacios de tiempo, creando simplemente atmósfera, logrando una inmersión en la acción extraordinaria: los sonidos del interior de una casa, los sonidos del campo, todo nos traslada al colorido mundo de Arrietty.

La animación es 100% ghibli ,una verdadera obra maestra en colorido y dibujos ,como si fuera un cuadro precioso en cada escena, una magnífica obra de arte visual dibujada a mano en 2D tradicional.

Es el propio Miyazaki, el que se hace cargo del guión, para el que toma prestados los famosos personajes creados por Mary Norton. Precisamente es el hecho de usar a unos personajes tan asentados en la cultura occidental,en un mundo onírico, lo que le hace alejarse de las leyendas niponas a las que ya estábamos acostumbrados, y le da a la película una dimensión bastante distinta a la habitual en la obra de Ghibli, pero en la que todo funciona perfectamente narrado con un mimo enternecedor.

En general tiene ecos a dos grandes películas del estudio como "Mi vecino totoro" y "ponyo en el acantilado".

Viendo los resultados de esta película podemos decir que por suerte nos esperan títulos muy en la linea del estudio ghibli ,historias llenas de humanidad y amor a la naturaleza ,y sobretodo ,con una calidad que es el sello personal de ghibli y que es sin duda una de las características que les ha llevado a ser la referencia de calidad en cine de animación japonés.

El director Yonebayashi ha expresado perfectamente su manera de hacer cine y por supuesto no ha renunciado a sus raices dentro de ghibli para no hacer un ejercicio de superación o copia al maestro Miyazaki sino una versión propia del mundo de la animación del estudio al que pertenece logrando el sobresaliente en su opera prima, el trabajo de un alumno aplicado, una de las mejores películas de animación del año.

En 2010, Ghibli ha firmado su decimoctavo film demostrando que en los 25 años que lleva en activo, no ha perdido ninguno de sus ingredientes para realizar películas mágicas llenas de sentimiento que han halagado a público y crítica del mundo entero.

La música de Cécile Corbel le da un toque natural y un poco melancólico trasladándonos a aquellas grandes casas de campo de veraneo donde sobresalía la naturaleza y los animales en un paisaje idílico de cuento con tonos célticos.

Una fantasía de ghibli que nos vuelve a demostrar que el cine de animación con sentimiento y grandes personajes no tiene rival ,otro sueño del estudio hecho realidad, y ya van unos cuantos...

Premio Blogero

2011-09-18T13:48:00.004+02:00

El premio bloggero tiene como objetivo se un puente de comunicación entre bloggers .Una manera de que todos nos conozcamos y de que nuestro trabajo sea un poco más conocido en la blogosfera. Posee cuatro requisitos fundamentales que deben cumplirse:

Anunciarlo en una entrada de tu blog.
Premiar a otros 10 blogs amigos y avisarles.
Poner un enlace al blog que te ha concedido el premio.
Compartir una frase y explicar por qué te gusta.

Los 10 galardonados son:
- El cinéfago ,CINÉFAGOS ANÓNIMOS, que ha sido el que me ha premiado ,gracias!

- Orazal74 ,DESHACER EL MUNDO, de orazal74 .Tiene un blog de fotografía "de perlísimas" en su primer año como profesional canonista de reflex, muy recomendable.

- Jordicine ,PARANOIA 68.
- Javi , CINÓDROMO.
- Worc ,ESTO ES UN CARACOL...Y DERRAPA.
- Outsider ,CINE CON ALMA.
- Ricard ,CLASSICS DE CINEMA.
- Atreyu ,1000 PELÍCULAS ANTES DE MORIR.
- David Amorós ,LOST HIGHWAY BLOG.
- CineManiaco ,De Película!!! CineManiaco Presenta Lo mejor...y lo peor del cine...

La frase la verdad es que hay muchas y muy buenas ,pero ahora mismo la que más me viene a la cabeza debido a el último libro que acabo de leer y que se llama "Lágrimas en la lluvia" de Rosa Montero (recomendación para todos los cinéfilos en general ,muy bien escrito ,una mezcla de todas las mejores películas de ci-fi que hemos visto) .La frase es la mítica de Rutger Hauer en "Blade runner" .Una frase que resume mi gusto por la ciencia ficción tanto en lectura como en cine y que seguro todos los cinéfilos conoceis de sobra:

"Yo... he visto cosas que vosotros no creeríais: Atacar naves en llamas más allá de Orion.
He visto rayos C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser.
Todos esos momentos se perderán... en el tiempo... como lágrimas en la lluvia.
Es hora de morir" - Roy Batty

Saludos replicantes......

FASE 7 - Entre REC y La comunidad anda el nuevo y bizarro cine argentino -

2011-08-23T00:47:00.006+02:00

Coco (Daniel Handler) acaba de mudarse a su nueva casa con Pipi (Jazmín Stuart), su esposa embarazada de siete meses, cuando su edificio es puesto bajo cuarentena por la aparición de un virus mortal. Rápidamente el aislamiento trae aparejados problemas básicos ,como la escasez de víveres ,que ponen en riesgo la subsistencia de los vecinos ,quienes se convierten en enemigos inesperados ,tejiendo alianzas y urdiendo conspiraciones. Coco se ve obligado a una alianza con su vecino Horacio (Yayo Guridi), inestable y paranoico ,pero muy bien preparado y pertrechado ,para defender el contenido de su refrigerador y mantener a Pipi a salvo.
Si nos paramos un momento a recordar acontecimientos que como poco nos resultaron curiosos hace unos años ,seguro que nos viene a la cabeza la paranoia de la Gripe A o gripe porcina que nos vendieron a todos.

Llegó a ser tal la fobia que en los telediarios se veía muchas veces la típica imagen del metro de Tokio en la cual todos o la inmensa mayoría de sus usuarios llevaban a buen recaudo su mascarilla aullenta pandemias...era tal el grado que estornudar o toser en público se convertía en la manera más práctica de quedarse solo en cualquier sitio.

Nicolás Goldbart ,un joven realizador más conocido por su tarea de montajista de grandes títulos como El Bonaerense o Mundo Grúa ,ahora toma el cargo dirigiendo y escribiendo una historia arriesgada para el siempre difícil espectador argentino.
Fase 7 parte ya de la exageración de su título (recordemos que entonces las fases eran 6) para contarnos la historia de un matrimonio en la dulce espera de su primer primogénito que tras una obligada cuarentena por una pandemia global debe convivir con sus vecinos de edificio encerrados por tiempo indeterminado.
Y cuando los víveres parecen ir escaseando la cosa se pone dura y lo que empezó dentro de un marco de comicidad ,termina siendo una muy buena apuesta de cine de género de acción con gotas bizarras.
Una película en la que se mezclan géneros de una manera brillante y donde la comedia y los diálogos a lo Woody Allen la llevan a un nivel bastante alto y original ,incluso se entremezclan las conspiraciones de por medio entre los personajes.
La mezcla de películas es otro factor que viene a la mente ,en este caso las dos son españolas ,REC y La Comunidad se ven homenajeadas por el director.
Una buena hornada fresca para el cine argentino del cual no estamos acostumbrados a este tipo de sorpresas cinéfilas.
Irónica y paródica hasta la saciedad debió de ser un auténtico placer poder verla en el anterior festival de Sitges 2010 donde se llevó el premio a mejor guión con creces y méritos y donde las carcajadas en las salas donde se proyectó serían muchas por parte de los fanáticos del festival ,realmente divertida.

Comentar también que uno de los muchos atractivos es verla en el idioma natal ya que la verborrea callejera de alguno de sus protagonistas no tiene precio ,un humor negro argentino bastante actual y fresco.
Visualmente es bastante correcta y además tiene una edición de sonido fantástica ,aplausos para Martín Grignaschi. Y si hablamos de sonido ,imposible no nombrar a Guillermo Guareschi ,encargado de la música ,quien le da por momentos sabios toques de humor con sus ritmos al mejor estilo western y otros en los que marca la tensión que se vive en este claustrofóbico film.
A pesar de lo mucho que se la quiera comparar con otros films de temática similar , Fase 7 sale más que airosa en una historia personal sobre la exageración de una paranoia puntual en la que varios podrían verse reflejados ; y si se quiere ahondar más hasta podríamos encontrar muchas razones para ponernos a reflexionar sobre las distintas formas de hacer frente a una situación extrema determinada.
Los protas nos recuerdan a los típicos personajes un poco perdedores y variopintos con los que el cine argentino juega a la hora de las parodias o escenas graciosas ,en este caso muy conseguido (las pintas de los dos con los trajes en cuestion rojo y amarillo no tiene precio...).
Las actuaciones son realmente destacables ,sobre todo la de Yayo Guridi , a quien acostumbrados a verlo en un mismo papel sorprende realmente al espectador en el papel de Horacio ,un paranoico que le hace la competencia al mismísimo Jerry Fletcher y quien ,a pesar de no ahorrar en alguna que otra postura própia ,sale excelentemente parado en su debut dentro de la gran pantalla junto a nada más y nada menos que Daniel Hendler ,uno de los actores que más ha crecido en el cine argentino últimamente .

Federico Luppi merece mención especial con su papel al mejor estilo viejo Eastwood ,e incluso recortada en mano llega a recordarnos al malo de "Swarzie" en sus papeles de Terminator ,aportando con el personaje de Zanuto el broche de oro de un trio que será ya de culto para más de uno.
Goldbart promete ,hace una entrega más que aprobada para una ópera prima en un género que no es fácil ,regala escenas que son de antología y que nada tienen que envidiar a otras de su estilo .
Arriesgada ,visualmente muy cuidada ,bien actuada y muy divertida , ¡No se puede pedir más!

When you're strange - "Si se abrieran las puertas de la percepción todas las cosas se mostrarían tal como son...infinitas" -William Blake-

2011-07-29T01:21:00.008+02:00

Cuando en 1965, cuatro amigos se unieron interpretando canciones acompañadas por los versos compuestos por un tal Jim Morrison, no pensaban que llegarían a convertirse en uno de los grupos de rock más importantes de los años setenta.
Junto a Morrison, que ponía la voz, se encontraban Ray Manzarek en los teclados, Robby Kriegger a la guitarra y John Densmore en la batería. Los cuatro formaban el grupo The doors.

Su primera actuación, en un pequeño local, fue un tremendo desastre. Nadie acudió al concierto. Comenzaron a tocar en locales de poca reputación, intentando sacar algo de dinero para continuar con su carrera, mientras Morrison se debatía entre sus dos pasiones: las mujeres y las drogas. Les cuesta mucho encontrar casa discográfica, pero finalmente fichan por una pequeña compañía, donde comienzan a trabajar.
En 1967 publican su primer disco, “The Doors”. El single 'Light My Fire' se convirtió rápidamente en número uno. El disco contenía, además, temas como 'The End' (11 minutos tratando el complejo de Edipo), Break On Trought' y 'Light My Fire'. Todo el disco tiene un aire teatral, influido por las actuaciones de Jim Morrison. En general, los temas tratan de forma explícita el tema del sexo y las drogas.

El gran aliciente de los conciertos del grupo era ver a Jim Morrison entrar en trance en mitad de una interpretación y recitar poesías o bailar como un loco. Proclamaba el 'amor, sexo, drogas y rock'n Roll'. Despreciaba la autoridad, hasta que en el transcurso de un concierto mostró los genitales al público y fue detenido por escándalo público.
En 1968 The Doors sacan 'Waiting For The Sun'. En general, los temas de las canciones bajaron el contenido sexual por temas con mensaje social.
En 1969 editan 'Morrison Hotel', cuyo título se debe al hotel elegido para la portada del disco. Todos los temas del disco están compuestos por Jim Morrison, aunque para alguno de ellos contó con la colaboración de sus compañeros.
En 1971 The Doors publican 'L.A. Woman'. Cuando salió el disco, Jim Morrison acababa de despedirse de sus compañeros para marcharse a París a escribir poemas. Un mes después, el 3 de julio, era encontrado en su habitación, víctima de un infarto, fruto de sus desmadres y abusos con las drogas.
El documental de Tom Dicillo hipnotiza rápidamente gracias en parte a la narración pausada de Johnny Deep, que según cuentan se involucró en la película gracias a su personal fascinación por Morrison. La aportación más interesante de la cinta son las imágenes inéditas del grupo y el tratamiento del juicio por el que, el siempre "puesto" cantante, fué condenado a cuatro meses de trabajos forzosos debido al disturbio de Miami. Esa especie de demostración de la caída del mito, corroborada por estremecedoras imágenes de esos días, poseen un valor documental muy preciado ,un trabajo de documentación que le proporciona a la cinta su mayor virtud describiendo lo esencial de la historia del grupo ,símbolo de una época que no ha vuelto a repetirse.
En medio de la vorágine revolucionaria ,un grupo de chicos triunfa en la música e influyen en la historia con sus actos ,especialmente Morrison que acaba totalmente devorado por su propio personaje bipolar.
La película sirve como una reflexión de la fama y sus consecuencias , al igual que lo hacía el biopic de Oliver Stone.
El documental se compone de un repaso a los primeros años del grupo ,para detenerse y profundizar en los años más tormentosos entre el 68 y el 71 ,cuando el alcohol y otras sustancias hacen mella en el ídolo de las masas y destruyen a la estrella del rock. Asistimos a la degustación de las canciones más conocidas o de algunas rarezas ,como la versión de The end interpretada en la Isla de Wight.
Un metraje de obligado visionado para poder conocer un poco más la leyenda de The doors que sigue y seguirá encenciendo el fuego del mito creado por un visionario y poeta del rock.

Inside Job - El poder corrupto de las grandes esferas deja el mundo sin money...ver para creer... -

2011-06-28T01:09:00.003+02:00

Documental no sólo sobre las causas, sino también sobre los responsables de la crisis económica mundial de 2008, que significó la ruina de millones de personas las cuales perdieron sus hogares y empleos, y, además, puso en peligro la estabilidad económica de los países desarrollados. A través de una extensa investigación y de entrevistas a financieros, políticos y periodistas, se muestra el auge de empresarios sin escrúpulos y la degradación de la política y la educación.
"Inside Job" presenta la indignante historia de un “gobierno de Wall Street” y explica cómo esta reciente crisis financiera ha sido efectivamente un “inside job” o delito interno colectivo ejecutado por banqueros, políticos, agencias calificadoras, burócratas y profesores universitarios, quienes utilizaron la desregulación para crear y promover complejos instrumentos financieros derivados y titulizados – conocidos por algunos como “armas de destrucción masiva” – para beneficiar sus propias cuentas bancarias, mientras hacían la vista gorda cuando el mercado de hipotecas se desplomó, arrasando con los ahorros de toda una vida de muchas personas comunes y corrientes. Tal y como se afirma en la película, “esta crisis no fue un accidente.”
Según su director, Charles Ferguson, "Era una crisis totalmente evitable; de hecho durante 40 años después de la Gran Depresión, los Estados Unidos no tuvo ni una sola crisis financiera. Sin embargo, la progresiva desregulación del sector financiero desde la década de los ochenta, ha dado paso a una industria cada vez más criminal, cuyas “innovaciones” han generado una sucesión de crisis financieras. Cada crisis ha sido peor que la anterior y sin embargo, gracias al creciente poder y riqueza de la industria, muy pocas personas han sido encarceladas en cada una de ellas. En el caso de esta crisis nadie ha sido encarcelado, a pesar del fraude que ha causado pérdidas de billones de dólares. Es mi esperanza que a través de esta película, en menos de dos horas, todos puedan comprender la naturaleza esencial y las causas fundamentales de este problema. También espero que después de verla, independientemente de la opinión política, los espectadores puedan estar y podamos estar todos de acuerdo en la importancia de restaurar la honestidad y la estabilidad a nuestro sistema financiero, y de exigir responsabilidad a aquellos que lo han destrozado."
Narrada por el ganador del Oscar Matt Damon, se rodó en exteriores en los Estados Unidos, Islandia, Inglaterra, Francia, Singapur, y China.

Como suele pasar con muchos documentales de este tipo que cuando acaba la proyección se tiene una gran sensación de incredulidad ,impotencia y rabia por lo que nos acaban de mostrar y sobre todo por qué se consintió tal robo a gran escala por parte de buitres en forma de mandamases estúpidos quedando impunes y sin cargos ,verdaderamente nuestra raza humana tiene mucho camino por delante para recorrer pero no cabe duda de que si puede ser con personas que sepan llevarnos será mucho mejor.Por cierto ,creo que viene muy al caso ,los que se interesen por estas lineas y quieran indagar en el tema recomiendo un libro que lei el verano pasado y que conocerá bastante gente que se llama "La doctrina del shock" ,el auge del capitalismo del desastre ,de la autora Naomi Klein ,además hace pocos días que está en cartelera el documental basado en el libro que ha realizado Michael Winterbottom ,una joya!Una película que debería ser de visionado obligado en todas las escuelas y universidades, lección pura y dura.

Técnicamente el trabajo Charles Ferguson es bastante bueno, un montaje correcto, un ritmo dinámico y rápido, una buena fotografía dentro del ámbito de que es un documental sobre una crisis económica y una BSO que ayuda a meterte de lleno en la interesante verdad que nos cuenta Ferguson.

Si es cierto que el documental es difícil seguirlo al 100%, sobretodo en cuanto a términos de economía y banca , hay una infinidad de nombres, de cifras y de personajes involucrados, es un documental que cuenta una información de forma bastante rápida, por lo que se debe estar muy atento a lo que cuenta para no perderte ningún detalle.
Recomendado a todo el mundo que le interese el tema, seguro que lo disfruta plenamente ya que lo que cuenta es una verdad muy interesante, que por una parte nos fascina y por otra nos da rabia por todo lo que se ha producido y que luego no se hayan tomado medidas al respecto,
"…se negó a ser entrevistado para esta película", es la frase predominante de todo el documental.

El propio documental también explora la crisis desde el exterior para conducirlo al interior. Se nos dice el cómo pasando al ‘por’ y acabando al ‘dónde’. Desde la superficie hasta el núcleo, desde Reagan hasta nuestros días, desde Islandia y su burbuja hasta el concepto y denuncia del documental: nada ha cambiado. Los excesivos salarios y bonus de las agentes de Wall Street siguen indemnes y ninguno está detrás de unos barrotes.
La colección de aberraciones y verdades son dignas de un filme de terror: el sistema político está corrompido desde sus entrañas, la crisis y burbuja se veía venir años antes por muchos especialistas que fueron ignorados, la Comisión de Valores de Intercambio no hizo investigaciones de los bancos de inversión en la burbuja y pese a millones de despedidos y pérdidas las bonificaciones para los ‘ladrones’ fueron aún más altas.
Charles Ferguson se rodea de documentación, material de archivo, testimonios de especialistas, implicados y, sobre todo, ausentes. Y es precisamente donde planea la crisis: todo aquel que la ha provocado o ha salido beneficiado económicamente tiene amnesia propia de una resaca.
Pese a contar verdades como puños sobra algún momento lacrimógeno y no sé hasta qué punto de un documental tan necesario como “Inside Job” es merecedor de imagen cuando cuenta todo en su texto. ¿Mejor una película que un libro?

Posiblemente, porque la labor principal de Charles Ferguson es hacernos entrar a los foráneos de la materia el contenido de los crímenes que han cometido estos tipos bajo el mandato de lo conciso, claro y entendible, que entendamos todo el trabajo y mecanismos de estos ingenieros de pesadillas.
Muchas revelaciones de Inside Job enfadan al personal, indignan: la mayoría jugaron con nuestros ahorros, muchos se aprovecharon de una burbuja inmobiliaria y de bienestar que explotó... y nada ni nadie parece dispuesto a cambiar. Quizás centra en exceso su discurso en los Estados Unidos y se olvida de los ciudadanos de a pié, pero la película llega como un cuchillo afilado. Inside Job es uno de los mejores documentales ganadores del Oscar: empieza con unos títulos de crédito que evocan el Wall Street de Oliver Stone (incluso la segunda parte de esa película podía leerse en clave de crisis económica), y acaba con la Estatua de la Libertad demostrando su particular sentido del humor y su incansable espíritu luchador.
Claro ejemplo del dicho de que la realidad supera a la ficción en este caso a peor imposible...
Y como dijo el director Charles Ferguson al recoger la estatuilla: ¿cómo puede ser que nadie esté pagando con años de cárcel por tal catástrofe? ,al menos ya hemos caido en la piedra ,pero lo que da más miedo ,volveremos a tropezar en la misma susodicha?, esperemos que no...

Mary and Max - Lecciones de vida y el poder de la amistad verdadera en Stop-Motion -

2011-05-22T21:16:00.007+02:00

Esta fábula sobre la amistad “vista desde el corazón, no con los ojos”, es el Primer largometraje del ganador del Oscar ,el australiano Adam Elliot, "Mary and Max" y narra la larga amistad por correspondencia entre un cuarentón judío y obeso de Nueva York y una niña australiana de 8 años que vive en los suburbios de Melbourne.

En la era de la tecnología donde los ordenadores, móviles, el msn, facebook, etc ,nos hacen más rápida y facil la comunicación con los nuestros la historia nos demuestra como antaño personas que estaban a miles de kilómetros de nosotros intercambiaban puntos de vista escribíendo cartas ya sea a mano o con máquina de escribir, con todo su encanto que ahora se ha perdido como el ir a echarla al correo, ponerle su sello y ver como se perdía entre los miles de sobres para poder dirigirse a su destino.

Pues esta película nos enseña como dos personas tan distintas pero al mismo tiempo parecidas, inician una comunicación vía correo convencional. Ambos dedican tiempo a contestar las cartas del otro hasta crear una hermosa amistad.

Porque todavía se desmuestra que el romanticismo es indispensable en un mundo que parece haberse olvidado de la aventura, la fantasía y las emociones del alma y porque relatar los momentos, los ejemplos, las situaciones será siempre el arte del cine.

Absolutamente conmovedora ,una película para público adulto dura y realista ,injusta por momentos pero muy recomendable. Al final del visionado enseguida vienen a la mente los referentes del cine de animación crudo y tambien cruel como son las grandes "La tumba de las luciérnagas" de Isaho takahata y la imprescidible y una de las mejores del género "Cuando el viento sopla"de Jimmy t .Murakami .Marcada por

un ritmo acompasado y con temas musicales de la historia del cine (“Zorba el griego” o “Qué será, será”, del filme “El hombre que sabía demasiado” y que hiciera famosa en su momento la actriz Doris Day).

Tremendamente imaginativa, inteligente y sabia, tierna ,emotiva , 'Mary and Max' es una historia sobre las diferencias de la vida . El trabajo de animación en plastilina es maravilloso, vivo y detallado, visualmente una delicia para los amantes de la animación artesanal del mejor estilo Aardman animations ,(en ocasiones sus personajes recuerdan a muchas producciones tipo Wallace & Groomit.Una pena que todavía no haya llegado a nuestras pantallas y tengamos que verla en V.O.S.E ,haber si alguna distribuidora se acuerda de los espectadores españoles que se están perdiendo esta gran película.

La estética de la imagen a base de grises, le da un tono misterio a la película ,y es que los humanos lo somos, y aunque este sea un ente casi protagonista (la ausencia del color),“Mary y Max” no cae nunca en sensiblerías y un final feliz. Se empatiza con los personajes desde el principio y cuando acaba la película se quedan en la mente por mucho tiempo.

Es un regalo... poesía urbana que relata la amistad de dos vidas miserables envueltas en la soledad más profunda. Un cuento oscuro pero de una ternura admirable. Un prodigio visual que te deja con los ojos húmedos.

Cada dialogo, cada frase, cada momento es de sentimiento puro, una crítica inteligente y directa a la sociedad.

Mary and Max, dos complementos, dos vidas. Si no se hubieran encontrado sus caminos, probablemente no se hubieran dado cuenta de la importancia de ciertas cosas. Creemos que es Mary la que ayuda a Max, pero Max también ayuda a Mary. se complementan a la perfección ,estan hechos el uno para el otro ,medias naranjas separadas por kilómetros.

La frase final de la película resume a la perfección la película:

Dios nos dio familiares...
gracias a Dios que podemos elegir nuestros amigos.

Todo eso y más es Mary and Max ,un canto a los vínculos afectivos que llenaran nuestras vidas y cuyo valor es incalculable ,una lección de que no podemos elegir nuestros defectos porque forman parte de nosotros, aunque si podemos elegir películas como esta que merece estar entre las mejores de animación de todos los tiempos, una joya ,disfrútenla amigos mios.

Premios:

2009: Festival de Annency: Mejor película
2009: Festival de Berlín: Oso de Cristal (mención especial - Generation 14plus)

MEME! Escenas para recordar

2011-04-09T22:12:00.001+02:00

Saludos!,
tras la propuesta que he recibido de Reichel del blog "criticas a pares" me dispongo a continuar el juego-cadena y a nombrar otros cinco blogueros para que nos comenten cuales son sus preferidas:

Lázaro de "el viaje de Lázaro"
Lillu de "Lillusion"
Jordicine de "paranoia 68"
Outsider de "Cine con alma"
Giancarlo Verástegui de "No es un blog habitual"

Escena mas triste: Cuando le confiesa la enfermedad Nicole Kidman a Ewan Mcgregor en "Moulin Rouge"

Escena mas alegre: El final de "Mi vecino Totoro" o toda la película completa.

Escena agridulce: El final de "Las posibles vidas de Mr.Nobody" y el final de "Donnie darko".

Escena mas rara: Casi todas las de "Canino".

Escena mas perturbadora: "Audition" de Takashi Miike.

Escena con mas suspense: "Con la muerte en los talones" ,el avión que gira y va directo hacia Cary grant.

Escena mas aterradora: "Alien". Cuando Ripley se da cuenta que hay un intruso en la pequeña nave de salvamento oculto entre los tubos...

Escena mas romantica: El romance entre los dos protas en "Olvídate de mi".

Mejor dialogo: Memento. Toda la película está llena de buenos diálogos pero hay una frase que dice guy pierce a carrie ann-moss que merece la pena : "No me acuerdo de olvidarte..."

Mejor escena sin dialogos: "El acorazado Potemkin".

Mejor escena de pelea: "Hero" de Zhang yimou.

Mejor escena musical: "Moulin Rouge"

Mejor escena con baile: "Pulp Fiction"

Mejor discurso: "El gran dictador" de Charles Chaplin.

Mejor comienzo: "La princesa Mononoke".

Mejor muerte: Al final de toda la historia la del prota de "Big fish" de Tim Burton.

Mejor Climax: “I saw the devil" puro clímax...

Mejor final: “Moon" de Duncan Jones.

La escena que jamas debio haber sido filmada: Cualquiera de "El planeta de los simios" de Tim Burton , que desastre!

La mejor escena de la historia: Aliens .El regreso .Cuando la teniente ripley acribilla a la reina alien para salir pitando del planeta con su "hija adoptiva" Newt.

Cisne negro - Las obsesiones de Aronofsky vuelven a por el espectador -

2011-03-27T18:15:00.002+02:00

Nina (Natalie Portman), una brillante bailarina que forma parte de una compañía de ballet de Nueva York, vive completamente absorbida por la danza. La presión de su controladora madre (Barbara Hershey), la rivalidad con su compañera Lily (Mila Kunis) y las presiones del exigente director (Vincent Cassel) se irán incrementando a medida que se acerca el día del estreno. Esta tensión provoca en Nina un agotamiento nervioso y una confusión mental que la incapacitan para distinguir entre realidad y ficción.

Tchaikovsky, compositor ruso, de un temperamento pasional, tierno, lírico y fantástico realizó la música El Lago de los Cisnes; que es uno de los ballet clásicos más tradicionales, queridos y conocidos del mundo, con el coreógrafo Julius Riesenberg.

El Lago de los Cisnes es una historia de amor; el príncipe Sigfrido se enamora de Odette quien ha sido transformada en cisne por el malvado Rothbart, éste hechizo sólo podrá romperse por quien le jure amor eterno. Sigfrido confunde a Odette con Odile que es la hija del mago y le jura amarla para toda la vida, cuando descubre que ha sido engañado decide luchar por su verdadero amor...

"Black Swan" de Darren Aronofsky es el mejor cuento macabro que sólo Tim Burton o en su extensión paranoide Darren Aronofsky hubieran podido realizar.
La película esta dividida en dos partes, que corresponden al proceso de transformación que experimenta el cisne dentro de la obra: en la primera mitad se nos muestra el cisne blanco, dócil, inocente y delicado. Pero poco a poco esa bondad desaparece de la película para dar paso al cisne negro. Es en este tramo final donde la locura parece apoderarse no sólo de la protagonista (increíble Natalie Portman en uno de sus mejores trabajos), sino de cada una de las escenas.

Desde el inicio notamos que todo esta rodado con velocidad ,una vorágine de escenas bizarras ,extravagantes ,insólitas , fluyen ante nuestra retina .La autodestrucción provocada por una madre sobreprotectora y una presión y rivalidad procedente de cada uno de los miembros de la compañía conlleva unas consecuencias inesperadas que culminarán en un final donde nada es lo que parece y en el que el director de Réquiem por un sueño incluirá los momentos más delirantes de toda su filmografía.
Sensible y maquiavélica, Cisne Negro nos ofrece un guión consolidado y una preciosa fotografía que combinados consiguen traspasar la pantalla y hacerte dudar de tu propio instinto. Y es que el cisne únicamente necesita amor para romper el hechizo.

Con reminiscencias de la gran "Perfect Blue" de Satoshi Kon y ciertos toques de "La pianista" de Haneke ,el conjunto es un viaje paranoico a la mente de Nina(Natalie).Los actores brillan en la trama ,especialmente la galardona Portman ,que parece que su papel haya sido confeccionado a su medida. Se declara fanática del ballet que practica desde su infancia y que segun declaro en entrevistas ha llegado a empezar a odiar después de sus interminables sesiones de duro ensayo y interpretación durante el rodaje.Pero más allá de la interpretación, la psicosis y el suspense de la cinta, Cisne Negro es una historia truculenta y angustiosa que habla de la competitividad, la represión sexual, y dependencia familiar, donde los recovecos más oscuros de la mente de una bailarina muestran que a veces el enemigo no está fuera sino dentro de uno mismo.
Una gran película que hará las delicias de los amantes del cine de Aronofsky ya que muestra una vez más su personal sello de identidad.

PREMIOS

2010: 1 Oscar: Mejor Actriz (Natalie Portman). 5 nominaciones, incluyendo mejor película
2010: 1 Globo de Oro: Mejor Actriz (Portman). 4 Nominaciones, incluyendo mejor película
2010: 1 BAFTA: Mejor Actriz (Portman). 12 nominaciones, incluyendo mejor película
2010: Festival de Venecia: Mejor actriz o actor joven (Mila Kunis)
2010: 4 Independent Spirit Awards: mejor película, director, actriz (Portman) y fotografía
2010: Satellite Awards: 5 nominaciones, incluyendo director y actriz principal (Portman)

El Método - Lucha de gigantes en el mundo laboral -

2011-03-11T00:51:00.006+01:00

Siete aspirantes a un alto puesto ejecutivo se presentan a una prueba de selección de personal para una empresa multinacional en un rascacielos de oficinas de Madrid. Entre ellos, las personalidades más dispares: el triunfador, el agresivo, la mujer insegura, el crítico, el indeciso...desde ese instante, y en un clima de tensa competitividad, la inseguridad de los participantes se convertirá en miedo y dudas, y estos a su vez en un estado de paranoia general donde los participantes se preguntarán si están siendo observados por cámaras, o incluso si entre ellos podría haber un psicólogo infiltrado que les está ya examinando. En este claustrofóbico clima de máxima desconfianza y absoluta falta de escrúpulos, se crearán alianzas, se producirán disputas, se revelarán secretos, se destaparán pasados...

Son inevitables las comparaciones entre 'El método' la película dirigida por Marcelo Piñeyro y la obra teatral de Jordi Galcerán. Las dos van dirigidas al mundo empresarial que debido a la obsesión por maximizar beneficios convierten el lugar de trabajo en una selva donde valores tan humanos como el compañerismo, la solidaridad y la dignidad han perdido por completo su sentido. Sólo hay una cosa que las diferencia ,la calidad de la obra de teatro es muy superior a la película ,llena de pausas y en algunos momentos diálogos un poco de relleno temporal. 'El método' se excede en dichas pausas, encantándose innecesariamente en vulgares escenas sexuales que no hacen más que entorpecer el seguimiento de la trama.
La trama se basa en el diálogo de los siete aspirantes y todo se desarrolla en una sala donde los aspirantes al puesto tendran que pelear verbalmente por el premio final,un puesto de alto cargo para una empresa.
Crítica feroz de los "métodos de captación de empleados" y su consiguiente adoctrinamiento empresarial para convertirlos en "hombres de empresa". Competición pura y dura ultracapitalista.
En el tema actoral , los mejores sin duda Adriana Ozores (lástima que su papel sea tan corto) y Eduard Fernández, el mejor de todos ,muy creible ,como todo lo que hace.Ernesto Alterio realiza un papel muy correcto a tener en cuenta.

Los demás simplemente correctos, y algunos ni siquiera eso. Najwa Nimri , como de costumbre ,guapísima ,seductora y misteriosa delante de la cámara .Natalia Verbeke no acaba de acertar con su papel de secretaria desenfadada .Eduardo Noriega ya está un poco pesado con sus papeles de pijo desde Abre los Ojos ,muy visto y repetitivo.La historia es original y el guión de Mateo Gil tiene buenos diálogos ,bastante acertado aunque en algunos momentos la película pierde fuelle. Al principio te va sorprendiendo poco a poco, aunque el final tampoco es para tirar cohetes ,bastante previsible.
En general ,un film que se deja ver y que podría haber sido más de lo que nos acaba mostrando.
Sobretodo ,el mayor problema de la película es que no gana con los visionados ,si no todo lo contrario .Una vez desvelado el final ya no hay más argumentos que nos lleven a un segundo visionadado ,tipo El sexto sentido.

* 2 Premios Goya: Mejor actor de reparto (Carmelo Gómez) y mejor guión adaptado

Copa del Rey de baloncesto 2011: El Regal Barça se impone al Real Madrid y revalida el título

2011-02-21T17:21:00.004+01:00

El Regal Barcelona ha revalidado su título de Campeón de la Copa del Rey de Baloncesto tras imponerse en la final al Real Madrid en su cancha por 60-68. Con este triunfo, el conjunto azulgrana suma 22 títulos e iguala al Real Madrid en el palmarés de la competición. Alan Anderson, con 19 puntos, fue el MVP de la final.

El Barça, que ya había ganado al Real Madrid en la final del año pasado, era el favorito después de haber ganado 13 de sus últimos 15 enfrentamientos ante el conjunto blanco. El Real Madrid opuso resistencia especialmente durante la primera mitad pero unos momentos de debilidad en el tercer cuarto fueron suficientes para que el Barça se escapara hacia un nuevo título.

El Real Madrid salió al choque con una valiosa lección aprendida: si no jugaba intenso en defensa desde el primer segundo el Barça se le escaparía y el guión de muchos de los clásicos anteriores que se decidían en los primeros instantes se repetiría, cuando la apisonadora "rutlla" ya no hay quien la pare.

Para contribuir a esa intensidad defensiva Messina decidió sacar a Tucker de inicio para que se pusiera sobre Ricky Rubio. Prigioni se quedó con Juan Carlos Navarro y aunque el escolta catalán se escapó de su defensor en varias ocasiones, hoy no estaba acertado con el tiro y se salieron varias de sus bombas.

Pero surgió la figura de Alan Anderson. Dos triples del americano dieron al Barça su primer distanciamiento (4-9) pero rápidamente Tucker y Suarez le dieron respuesta y pusieron el 11-9 en el marcador.

El Barça se encontraba desacertado en ataque y solo Anderson veía aro mientras que en el Madrid pasaba algo parecido con Tomic. El pivot del Real Madrid anotó 8 puntos en el primer cuarto mientras que Anderson hizo 11 para cerrar el primer periodo con 17-19 en el marcador.

Las canastas de Sada y N’dong permitieron al Barça dar otro pequeño estirón al marcador pero Suárez tomó el relevo de Tomic y Tucker y con 5 puntos consecutivos puso el 23-23.

El partido estaba cada vez más intenso, las defensas iban imponiéndose sobre los ataques y había lucha por ganar cada centímetro de pista al rival. Navarro seguía desacertado y se pasó los dos primeros cuartos sin anotar así que Anderson tuvo que volver del banquillo para anotar (14 puntos al descanso). El partido se fue con 30-30 al descanso con todo por decidir.

El comienzo del tercer cuarto nos dejó un juego más rápido y abierto que el que habíamos visto hasta ese momento. El Madrid cometió algunos errores en ataque y el Barça lo castigó con el primer triple de Navarro, dos de Lorbek y un gran palmeo de Víctor Sada que daban 7 puntos de ventaja a los azulgranas.

En el Madrid comenzaba a aparecer Sergio Rodríguez mientras que Sergio Llull estaba desacertado y no sólo no anotaba sino que perdía un balón que debaja una contra franca al Barça que se escapaba de 10 puntos con un triple de Anderson. Otro triple de Morris y las canasta de N’Dong y Anderson elevaron la ventaja del Barça hasta los 15 puntos que dejaban la final prácticamente sentenciada.

El Madrid hizo un intento final de volver al partido basándose en una fuerte defensa que le permitió conseguir un parcial de 7-0 que le colocaba a 8 puntos de distancia (56-64). En ese momento, Xavi Pascual pidió tiempo muerto, su equipo elevó un poco la intensidad y acabó con las esperanzas del Real Madrid de volver a ganar este título tras casi dos décadas de sequia.

Por su parte, el Barça suma un nuevo título y sigue con su racha de títulos con su segunda Copa del Rey consecutiva y su segundo título del año ya que también ganó la Supercopa ACB al comienzo de la temporada.

REGAL BARCELONA 68
(19+11+18+20)
Rubio (1), Navarro (7), Anderson (19), Perovic (2) y Lorbek (9) -equipo inicial-, Sada (7), Vázquez (4), Ingles (1), Ndong (6), Morris (8) y Grimau (4).

REAL MADRID 60
(17+13+13+17)
Tomic (12), Prigioni (10), Reyes (3), Tucker (9) y Suárez (8) -equipo inicial-, Llull, Mirotic (8), Rodríguez (8) y Fischer (2).

Y hablando de títulos ,la Asociación Española de Entrenadores de Baloncesto (AEBB) concedió el Trofeo ING al mejor entrenador del año AEEB-Memorial Díaz Miguel 2010 al técnico del Regal FC Barcelona, Xavi Pascual.

El galardón se entregó en un acto previo al partido que enfrentará al Regal FC Barça contra el Real Madrid, correspondiente a la duodécima jornada de la Liga ACB --jueves 30 de diciembre a las 19.00 horas-- en la que los dos equipos se jugaron el liderato.

Los buenos números del entrenador del Regal en este primer tramo de la temporada 2010/11, clasificados en el 'Top-16' de Euroliga y segundo en la ACB, así como en la parte final de la pasada campaña, en la que estuvo presente en todas las finales posibles, han sido el motivo por el que será reconocido como mejor entrenador nacional del año por sus propios compañeros.

La Copa del Rey, disputada en Bilbao, fue el primero de los tres títulos conseguidos por los blaugranas en 2010. En una cómoda final ante el Real Madrid que acabó en victoria (80-61).

Asimismo, en 2010 se consiguió el título de la Euroliga en París después de ganar al Olympiacos (86-68) y la Supercopa de España disputada en Vitoria, donde vencieron al Power Electronics Valencia (83-63).

Por otro lado, el equipo de Xavi Pascual terminó la fase regular de la ACB, con tan solo tres derrotas pero no consiguió vencer al Caja Laboral (79-78), en el tercer partido.

Cuentos de Terramar - El discípulo del genio evoca al hechicero Gavilán -

2011-02-05T17:36:00.001+01:00

Gedo Senki (Cuentos de Terramar) es una película de anime del Studio Ghibli dirigida por Goro Miyazaki, hijo de Hayao Miyazaki. Está basada en el tercer libro de la serie "Terramar, La costa más lejana", escrita por Ursula K. Le Guin. Una adaptación en manga se ha publicado en Japón. Fue nominada para competir en el Festival de cine de Venecia en el 2006. Gedo Senki nos sitúa en el archipiélago de Terramar, donde hay dragones, magos y espectros, talismanes y poderes. Es un mundo gobernado por la magia y, ante todo, por las palabras, pues cada cosa posee su nombre verdadero, el designado durante la Creación, que otorga a los hechiceros el dominio sobre los elementos y los animales. Sus gentes, sencillas y tranquilas, tienen como único objetivo conseguir paz y sabiduría...

La nueva película del estudio ghibli causó gran revuelo entre los fanáticos nipones y se convirtió en el éxito taquillero de 2006 en oriente.
Según cuentan Ursula K. Le Guin no quería que cualquiera adaptase a la gran pantalla su obra maestra en forma de serie de novelas que se publicaron a finales de los sesenta y principio de los setenta. Así que fue rechazando a todo el que se presentó. Rechazó hasta al propio Miyazaki (padre) en los tiempos de “Nausicaa del valle del viento… y pasaron los años hasta que tras el estreno de “El viaje de Chihiro" decidió que quería a Hayao como director para su obra.Pero ,este se encontraba haciendo “El castillo ambulante” y su hijo, que llevaba a cabo la preparación de los guiones, se puso manos a la obra.Lo que ocasionó que su padre comentase que no lo veia sufientemente preparado ,la polémica estaba servida...
Centrándonos en el film ,lo primero que nos recuerdan las primeras imágenes son un estudio ghibli en todo su esplendor aunque según transcurre la acción se echan en falta algunas escenas más trabajadas por parte del estudio de animación.

La trama no está a la altura de las obras maestras de ghibli aunque cuenta con una historia bastante original .Toca temas ya conocidos por los fanáticos de Miyazaki como el respeto ,el amor al prójimo y otros valores decantados hacia la naturaleza ,los mundos de ficción con magos y dragones de por medio.
Ambientada en lugares de naturaleza paisajística, las nubes, los colores, la hierba al viento, el mar...todo esta hecho con un gran mimo. Los personajes son típicos de la factoría del señor Miyazaki, personajes que en toda la filmografía del estudio se acaban pareciendo ,en este caso poco expresivos o se podría decir que el dibujo final de las facciones junto con los vestuarios los hacen poco carismáticos. El score es algo que tampoco me ha acabado de gustar mucho ,quizá acostumbrado a las bellas y excelentes partituras de su compositor fetiche me parece un poco de relleno, no llega a la altura del maestro Joe Hisaishi .

Por momentos suena como una música celta-oriental que parece más una BSO hecha por los The Corrs que por un compositor gallego como Carlos Nuñez ,su marca de la casa se hace notar, muy emotiva. De todas maneras no desmerece para nada lo único que no acaba de cuadrar en el tipo de anime que nos muestran.
Nos encontramos ante 140 minutos de buen anime recomendable y que seguramente otras compañias pagarian mucho por ser capaces de realizar una película como cuentos de terramar digna de un estudio de la calida de ghibli.
Otorga una gran oportunidad para las nuevas generaciones que no conocen al gran padre y maestro de Goro y que tras su visionado podrán indagar en el pasado de un visionario que puso el listón en lo más alto de la animación japonesa ,un referente con una obra exquisita y galardonada por todo el mundo. Esperemos que su hijo siga los pasos y nos deleite con sus nuevos proyectos futuros , el inicio prometedor ya lo tiene.

El último truco - Emilio's wizard ,el mago español del cine -

2011-01-29T22:37:00.010+01:00

Este documental revela uno de los secretos mejor guardados del cine: el arte del truquista Emilio Ruiz del Río. A lo largo de su carrera, que abarca más de 500 películas, recurrió a todo tipo de trucajes: cristales pintados, cristales combinados con espejos, maquetas pintadas en chapa de aluminio y maquetas corpóreas, tanto fijas como móviles (trenes, puentes levadizos, barcos). Directores como David Lynch, Richard Lester, Charlton Heston, Enzo Castellari, Fernando Trueba o Guillermo del Toro contaron con él para títulos tan conocidos como 'Dune', 'Conan el Bárbaro', 'La niña de tus ojos' o 'El laberinto del fauno'.

Emilio Ruiz es un mago del cine. David Lynch, John Milius, Alex de la Iglesia, Fernando Trueba o Guillermo del Toro contaron con él para títulos como 'Dune', 'El Espinazo del Diablo', 'La niña de tus ojos' o 'El laberinto del fauno'.
Durante noventa minutos, es el mismo Emilio Ruiz quien nos enseña los inicios de su carrera en los años 40, mostrándonos los entresijos de un oficio ya perdido en el tiempo,los efectos especiales en torno a los trucajes con maquetas, perspectivas forzadas y maquetas pintadas en primer termino, todo ello directamente en cámara, nada de postproducción ni efectos digitales tan de moda en la actualidad. Un arte extinto en el que se especializó desde sus comienzos en 1942, y en el que llegó a ser uno de los máximos exponentes mundiales, siendo requerido en la mayoría de las películas extranjeras rodadas en España, hasta su fallecimientoen el 2007, pocas semanas después de terminar el rodaje del documental.

En su filmografía que abarca unas 500 películas, destacan títulos como Goyescas(1942), Locura de amor(1948), Mister Arkadin (1955), El coloso de Rodas(1959), Lawrence de Arabia (1960), La caída del imperio romano(1961), DoctorZivago (1965), Patton (1970) , El viaje fantástico de Simbad(1973) Operación Ogro (1978), Conan el bárbaro(1981), Dune (1984), Acción mutante (1992), La niña de tus ojos (1998) ,Soldados de Salamina ( 2002), o El laberinto del Fauno(2006).

Cuenta con apariciones de profesionales como RayHarryhausen, Fernando Trueba, Guillermo del Toro, Rafaella De Laurentiis, o Enzo Castellari.

Durante el documental vemos la evolución de uno de sus últimos proyectos y como va construyendo un decorado sobre un paisaje cerca de una base aérea .El resultado final al acabar la película nos muestra una escena de film de guerra especatacular ,sobre un puente pasan varios tanques y militares ,en primer plano un motorista mira con sus prismáticos hacia el puente ,el efecto si no lo sabemos es imposible de detectar ,además jugando con las luces y perspectivas consigue algo mágico que la cámara plasma a la perfección ,un plano para un trabajo seguro que de varios dias ,excelente.Un genio.

Estuvo nominada al Goya al mejor documental del 2009.

Lleno de trucos y maquetas que encajan a la perfección con los paisajes reales y que impresionan por el detalle hasta en los más pequeños detalles, Emilio era un Mc.Giver con una imaginación desbordante ,todo lo hacía posible por más dificil y descabellada que fuera la idea ,una ayuda para muchos directores que en la mayoria de casos no disponian de mucho presupuesto.

El mismo creaba las escenas de los planos a veces antes de que el director tuviera la idea en concreto en mente.

Unas de las imágenes más sorprendestes del documental son las de las películas de Conan y El guerrero rojo, el cuerpo del gigante suspendido o el esqueleto que hace de puente ,brutal.

Sus recuerdos fotográficos y viajeros muestran un hombre curtido en mil rodajes y con innumerables anédotas que recuerda con sus compañeros de fatigas.

Una muestra más en forma de artesanía pura y dura de los grandes entresijos del séptimo arte que perdurará.

"Se trata de meter la mentira en la verdad" ,dijo Emilio...

- Mis 10 mejores películas del 2010 -

2010-12-31T20:20:00.001+01:00

Como cada año un escritor llamado Stephen King hace su propia lista de sus diez mejores películas bajo su punto de vista .
Este año no pondré la suya ,yo quiero también acabar el año con la mía propia.
Estan por orden alfabético y no siguen un orden de preferencia de mejor a peor ,simplemente son las que creo más me han gustado e interesado y que he visto en este 2010 ,aunque no esten acabadas en el mismo ,suelen ser de 2009 ,siempre tardan 4-6 meses en estrenarse en España respecto a USA ,sino son estrenos mundiales...
El año 2010 no ha sido muy potente en cuanto a estrenos de calidad.Varios documentales ,muchos más que en otros años ,con una calidad más que envidiable por parte de otras producciones americanas que sobran en cartelera.
Como siempre la animación está presente en esta lista y las producciones asiáticas también han despertado gratamente mi interés. Estas son ,en general ,aunque no estan todas, las que más me han entretenido:

BURIED (Rodrigo Cortés)

CANINO (Giorgos Lanthimos)

EL SECRETO DE SUS OJOS (Juan José Campanella)

EXIT THROUGH THE GIFT SHOP (Banksy)

FANTÁSTICO MR. FOX (Wes Anderson)

I SAW THE DEVIL (Kim Ji-Woon)

LAS VIDAS POSIBLES DE MR.NOBODY (Jaco Van Dormael)

OCÉANOS (Jacques Perrin - Jacques Cluzaud)

THE SECRET OF KELLS (Tomm Moore - Nora Twomey)

TOY STORY 3 (Lee Unkrich)

FELIZ 2011

NEDS - Los chicos no educados y delincuentes de la Escocia setentera -

2010-12-28T22:14:00.000+01:00

John McGill pasa de ser un niño premiado y superdotado de los años 70 en el colegio a un navajero adolescente con las hormonas desatadas.

John lucha por alejarse de un entorno con pocas expectativas y de víctima se convierte en verdugo. De buen alumno a NED (término escocés para chico problemático y peligroso) , de monaguillo a esnifador de pegamento.

Cuando intenta volver a ser como antes ,la nueva realidad y el pasado reciente le impiden que se conforme dando lugar a una casi inevitable autoconfrontación violenta.

En una sociedad escocesa tan conservadora en la década de los setenta, no es difícil que los muchachos válidos se conviertieran en auténticos camorreros de barrio. Y es que Peter Mullan, el director de la película, ha creado una atmósfera de hostilidad, de aptos, de no aptos, en definitiva, una sociedad de clases que dilapida las aspiraciones de cualquier muchacho que nace un poco gamberro. La educación con sufrimiento y bajo amenaza, algo tan superado en la actualidad, genera una violencia brutal casi imparable.

El cine inglés nunca ha tenido miedo en analizar a su sociedad y diseccionarla. Marcada especialmente por grandes diferencias en clases sociales, económicas y con un nivel de violencia generalizado, una multitud de películas británicas han puesto de manifiesto los lados menos agradables de esta sociedad, le han dado protagonismo y periódicamente surgen más títulos que se adentran sin contemplaciones en lo más oscuro que Inglaterra. Semejante labor crítica y de análisis por parte de la industria cinematográfica es poco común en otros países y en el Reino Unido ello ha generado no únicamente impactantes filmes sino también títulos de notable calidad. Títulos como “Fish Tank”, “This is England”, o “Trainspotting” son los primeros que pueden venir a la memoria pero hay una extensa lista. Peter Mullan, conocido especialmente por su faceta como actor pero que despuntó como director con su anterior filme “Las hermanas de la Magdalena”, regresa a su Escocia natal y muestra la educación recibida tanto en sus escuelas como en sus calles durante los años 70, un absorbente retrato social confeccionado por una persona que demuestra tener el mismo gran talento a un lado de la cámara que al otro.

El centro de “Neds” es el sistema de clases que viene condicionado por el sistema educativo que muestra el filme, algo que sigue siendo una realidad más de treinta años después. Peter Mullan ubica el filme en la década de los 70 ,concretamente en los suburbios de Glasgow de 1973 ,(con ciertas similitudes a la Europa del 2000...), cuando él iba a la escuela, siendo éste un filme personal aunque no necesariamente autobiográfico, lo que la película presenta es igualmente tan válido entonces como ahora. “Neds” es una película con especial impacto para el público inglés, aunque para otros países lo que expone puede estar bastante alejado de su propia realidad y parecer excesivamente exagerado por momentos.

Cierto es que, en su tramo final, el guión parece tomar unos giros algo extremos y desmedidos por momentos, pero ello no resta valor a todo lo que ha construido Mullan hasta el momento. “Neds” no es solo una historia social de gran fuerza, también es un filme perfectamente confeccionado cinematográficamente. Contiene una notable tensión, una verídica atmósfera y un trabajo actoral de gran realismo.

La actuación del desconocido Conor McCarron, el mejor actor del Zinemaldia 2010 esconde su inexperiencia con una interpretación portentosa, otorgando a su personaje el realismo suficiente y necesario para convencer.

Las mayoría de los roles principales están realizados por intérpretes sin experiencia, quienes se desenvuelven con total verosimilitud ,con sus vestimentas y sus rostros dan el pego a la perfección. El propio Peter Mullan se reserva un pequeño e importante papel, el de padre del protagonista, demostrando una vez más todo lo que puede ofrecer como actor.

“Neds”, también llamada “No educados y delincuentes”, resultó la ganadora de la edición del Festival de San Sebastián, algo que puede causar cierta sorpresa al ser un filme completamente centrado en una realidad única y propia como es la sociedad inglesa, pero esta particularidad no desmerece al hecho de que “Neds” es también una gran película a tener en cuenta.

Tiene un cierto regocijo en la estética de lo feo, que no encuentra en ningún momento un contrapunto con lo bello. Todo es degradado y degradante en ese policentrismo granular y rugoso, también el director refleja ciertas alusiones religiosas con un tono similar al de la película "Dogma" que resultan y dan un toque "diferente" y a veces humorístico a la profunda oscuridad que ronda y nos engulle en el tramo final de la história.

Comentarios del director:

-"Creo que la palabra "impresionista", aunque no sea la única ,es la que mejor describe mi enfoque general a la hora de filmar NEDS , en el sentido de que la composición , la puesta en escena ,etc , están determinadas tanto por la vida interior de John , el prota ,como por los acontecimientos y personas que le rodean".

-"La pobreza de su hogar ,dominado por la oscura y amenazante presencia del padre ,simbolizan la rendición interior del niño.Las calles tambien se vuelven contra él ,hasta que una noche aparece su llamativo y fanfarrón hermano benny".

-"Queria que fuese una película atrevida ,crear un mundo único ,misterioso, volátil y a menudo violento ,que girase alrededor de un chico que intenta encontrar su lugar desesperadamente".

Quizás tanto premio en San Sebastián haya sido un poco exagerado ,pero nadie puede negar que "Neds" es una película notable y más que recomendable.
Ha logrado la concha de oro a la mejor película y la de plata a la mejor interpretación masculina ,Conor McCarron ,por parte del jurado del festival que seguro que entiende mucho y se consideran expertos en la materia.

Anvil. - El sueño eterno de dos locos del metal , "let's rooock" -

2010-12-20T01:54:00.004+01:00

Anvil. El sueño de una banda de rock' cuenta la sincera, apasionante y universal historia de superación de Steve ‘Lips’ Kudlow y Robb Reiner. Amigos inseparables desde los 14 años, y fundadores de Anvil, la banda con la que publicaron Metal on Metal, uno de los álbumes de heavy más importantes de la historia y con el que se convirtieron en semidioses del metal canadiense. Poco después de conocerse hicieron una promesa: triunfarían en el mundo del rock y tocarían juntos para siempre.

Anvil compartió cartel e influenció a bandas como Metallica ,Slayer o Anthrax que vendieron millones de discos en todo el mundo.
A pesar de sus ganas e ilusión el grupo canadiense no corrió la misma fortuna que todas las bandas a las que influyó.
La fama lograda en sus comienzos ,fue desvaneciéndose poco a poco y, actualmente , a pesar de que el éxito se les resiste no cesan en su tesón de conseguirlo y siguen intentándolo.
Sacha Gervasi se pone tras la cámara y sigue a la banda durante la gravación de "This is thirteen" , su décimo tercer disco, y su desastrosa gira europea.
Tres décadas haciendo rock se escribe pronto pero para este duo representa toda una vida de fracasos más que de éxitos y de una vida dedicada única y exclusivamente hacia una meta ,ser una banda de heavy metal con éxito, sólo quieren ser felices haciendo música, y a pesar de que la fama ya quedó atrás nunca pierden la ilusión de volver a tocar ante multitudes que los aclamen y vibren con su música.

Allá por 1984 compartían el escenario del festival Super Rock en Japón con Scorpions y Bon Jovi. El himno Metal on metal suena atronador mientras las imágenes derraman contundencia heavy y los títulos anuncian que los grupos participantes del festival venderían millones de discos en todo el mundo… excepto uno. Anvil recibiría el reconocimiento de sus colegas y de sus herederos (numerosos músicos, productores y artistas con Slash a la cabeza), pero sus componentes se verían condenados, tras los quince minutos de gloria, a una incansable carrera forjada a base de penurias en ruta, gradas semivacías y discográficas con las puertas cerradas.

El director llegó a acompañarles en una gira como técnico, estrechando lazos con los músicos del grupo. Aunque por aquel entonces despertaban pasiones, y prometían convertirse en un auténtico fenómeno, los Anvil cayeron en el olvido. Más de dos décadas después, Gervasi decidió reencontrarse con ellos y descubrir qué había sido de sus vidas.

Aunque varios de los integrantes de los Anvil originales han dejado el rock, los dos miembros principales de la banda, Lips (cantante) y Robb (batería), siguen intentando triunfar en el mundo de la música, a pesar de que se han convertido en cincuentones. Trabajan en empleos muy precarios, en empresas de catering o de teleoperadores. Sin embargo, dedican sus ratos libres a preparar el que será su decimotercer disco.

Anvil. El sueño de una banda de rock incluye numerosos testimonios de roqueros de renombre, como Slash (Guns N'Roses) y Lars Ulrich (Metallica). No se explican cómo los miembros de Anvil no han logrado triunfar, habiendo sido tan prometedores.

Los protagonistas son unos heavys de estética agresiva y pose de tipos duros, Sacha Gervasi logra mostrar su lado humano, y el público acaba entendiéndoles y empatizando con ellos. El film es la historia de una gran amistad, pues Lips y Robb llevan siendo inseparables desde que eran adolescentes, se conocieron con 14 años ,y supone un excepcional documento sobre los sueños y la importancia de la perseverancia. Algunos momentos son graciosos, y otros resultan emotivos, muestra la otra cara cara de la musica que el gran publico no conoce.

Resulta muy difícil no dejarse seducir por el diálogo fraternal entre Reiner y Lips tras su discusión, o reafirmarse como espectador entre la compasión y la carcajada apuntan a una película puramente emocional y muy sincera.

Sacha Gervasi entiende que mostrar las humillaciones de sus héroes, las inseguridades de backstage o las peleas es el primer paso para rendirles merecido tributo.

Con oportunas imágenes de archivo que nos muestran los exitosos años juveniles de la banda, y acertados fragmentos de entrevistas al círculo más cercano a los protagonistas, logra ir mucho más lejos. Da lo mismo si al espectador le gusta o no el heavy metal, uno termina encariñándose con estos dos personajes temperamentales a cuestas alternándose con inesperadas dosis de ternura e ingenuidad. Pese a las divertidas y por momentos ridículas situaciones en las que se ven envueltos, el realizador logra que ambos nunca pierdan su dignidad, y sólo queremos que vuelvan a ser famosos, a tener el éxito que los ha abandonado y los tiene sobreviviendo en esporádicos conciertos ante escasas audiencias. Sólido trabajo documental, entretenido y con muy buen ritmo, no es sólo para fanáticos de la música, sino especialmente para quienes aprecien los distintos temas que despliega y que van mucho más allá del humor que lo recorre, para conmovernos más de lo que esperábamos: la fuerza de los lazos familiares, el paso inexorable del tiempo y las huellas que va dejando en los sueños de fama, la pasión que es capaz de mantener la energía y el entusiasmo a pesar de los fracasos y reveses del destino… y por sobre todo, el retrato de una amistad que consigue superar todas las peleas, los fracasos y los egos.

Anvil es un inspirador , recorfontante ,alentador y a veces desternillante documental de lo mejor de este año.

¡ Metal on metal forever "lips" !

BURIED - La película que al propio Hitchcock le hubiera gustado ver y hacer -

2010-11-25T15:29:00.007+01:00

Paul Conroy (Ryan Reynolds), padre de familia y contratista civil en Irak, es secuestrado y despierta enterrado vivo en un viejo ataúd de madera, teniendo en su poder únicamente un teléfono móvil y un mechero. El teléfono es el único medio para tratar de escapar de su agónica pesadilla. La cobertura precaria y la escasa batería son sus mortales enemigos en una carrera a vida o muerte contra el tiempo: sólo dispone de 90 minutos para lograr su rescate antes de que se le agote el oxígeno...
Aclamado film español de suspense presentado en Sundance 2010, que levantó grandes colas y mucha expectación.

Rodrigo Cortés nos plantea el inicio de la película sin trampas ,va directamente a por el espectador ,lo agarra y lo sienta en su butaca ,no le va a dar respiro en 90 minutos .
Comienza mostrándole unos títulos de créditos muy del estilo hitchcock aderezados con la buena banda sonora de otro español ,Victor Reyes.
A continuación llega la más absoluta oscuridad...
Todo el mundo en la sala contiene la respiración ,se ha hablado mucho de esta película ,sobre todo fuera de nuestras fronteras y también en prestigiosos festivales como Sundace y otros por donde ha pasado ,por fin una película española con un guión , argumento y proyecto arriesgado triunfa y gusta en la misma medida.
Y es que el guión representa todo un reto para el director ,el libreto estuvo dando vueltas por Hollywood durante todo un año, se dice que era una idea que tenian desde hace tiempo pero que debido a los medios que había hace unos años era muy dificil llevarla a cabo, también había algunos o la mayoría de gente que no veia futuro a un guión con una situación tan previsible y que diera para mantener a la gente en vilo durante 90 minutos aunque este fuera dando vueltas y más vueltas en su historia.

Fue rodada en Barcelona en poco más de dos semanas a partir de un guión escrito por Chris Sparling.

El ritmo es trepidante y no decae en ningún momento ,similar a las típicas películas americanas con actor que mueve masas y donde la acción y el suspense son las mejores armas del film en cuestión.
Recuerda en general ,aunque en realización y final sean diferentes ,a otra película que paso bastante desapercibida por nuestro país y que casualmente también era española llamada "Zulo" (2005) ,donde un hombre es secuestrado sin saber por qué , su pesadilla empieza cuando se despierta en un zulo ...
El protagonista empezará un proceso de resignación y lucha por la supevivencia física y más tarde psicológica. Un film duro ,muy bien escrito e interpretado aunque con menos calidad que la citada buried.

Lo mejor que tiene Buried es la forma en que está rodada ,dónde coloca la cámara, hay escenas que te preguntas como habrán conseguido ese plano ,que luz utilizarian ,un puzle donde todas la piezas encajan a la perfección.
La interpretación del protagonista Ryan Reinolds es impecable , acabó destrozado e incluso lesionado en el rodaje ,se tomó muy en serio su papel ,los resultados saltan a la vista.
Tiene un look americano que le sienta muy bien tanto a la historia como a la realización, lo original es el planteamiento ,que se centra en los momentos y sufrimientos del personaje ,dejando de lado temas que seguramente no hubieran dado el sentido o toque personal que queria hacer transmitir el director ,como quienes lo metieron dentro ,el porqué ,etc.
El final te deja un poco descolocado después de los 90 minutos de frenética y desesperada lucha por salir de su prisión ,seguramente a mucha gente no les guste pero de todas formas se trata de una visión muy personal y correcta de un director que seguramente nos sorprenda con sus futuros trabajos.
Como dice el eslogan : "Claustrofóbicos abstenerse..."

SITGES 2010 - Crónica de una edición con 40 o más festivales en uno -

2010-11-01T18:07:00.007+01:00

“El día 18, después de apagarse las luces del último maratón, volverás al instituto. O a la oficina. (...) Tus compañeros del despacho te tratarán de freak porque vas a Sitges a ver películas 'de las de leer la pantalla' (...) Entonces las risitas de esas personas se congelarán en una mueca grotesca cuando vean el resplandor en tus ojos. Y lo entenderán: ellos habrán vivido una vida; tú habrás vivido 200 en 10 días.Tantas como películas hay en Sitges 2010”.Mike Hostench, subdirector del festival.
El certamen, especializado en cine de terror y fantástico, es uno de los más importantes acontecimientos a nivel mundial en torno a esta temática, un género que va ganando protagonismo, tanto en el ámbito nacional como internacional.
Su primera edición tuvo lugar en 1968, año en el que se presentó como una Semana de Cine Fantástico y de Terror. 43 años después ese pequeño festival es toda una cita mundial.

Muchas y variadas secciones de todo tipo nos adentran en el festival del que han dicho contiene tal cantidad de películas que cada asistente puede montarse su propio collage cogiendo sus films preferidos de distintos géneros y nacionalidades para disfrute de todo tipo de público ,lo único que cada año desespera a críticos y profesionales del periodismo es exactamente eso ,el tener que descartar muchas películas que por horarios les hacen imposible poder ver aun llegando algunos a 40 o 50 películas en 10 dias festivaleros.

Este año el aniversario ha correspondido a la venerada por muchos "El resplandor" del gran Kubrick ,un film que se ha visto revitalizado en su 30 aniversario con el re-estreno en el auditorio y del cual dicen algunos que allí estuvieron su pase se vio envuelto en dos o más cortes durante su proyección ,no saben si adrede o no ,el caso es que suelen ser las noticias que envuelven a cada edición con ese halo de mitomanía y rendición por parte de sus numerosos fans.

Como todo aficionado al festival y en parte por lo comentado anteriormente cada uno hemos visto un festival diferente y elegido por nosotros ,yo me decidí por ver unas cuantas que habían tenido buenas críticas y como no aprovechar la ocasión de poder ver en la gran pantalla clásicos del cine mudo que admiramos con el paso del tiempo.

"No puede haber entendimiento entre las manos y el cerebro si el corazón no actúa como mediador”

El clásico por exceléncia ,"Metrópolis" (1927) Fritz lang -en su montaje inédito-.

La calidad visual de estos nuevos fragmentos de Metropolis ,es muy inferior a la sobresaliente restauración que ya se publicó en DVD allá por 2002/2003,pero una película como ‘Metrópolis’, con todo su carácter épico restituido, bien lo merece.

Obra maestra del cine y película capital del expresionismo alemán, se trata de una visión apocalíptica de la sociedad del futuro. En su día fue una gran superproducción de la potente productora UFA, pero fue un fracaso de taquilla. Una maravilla poder verla en el auditorio franqueado por las susodichas "Marias", iconos del festival,detalles únicos que solo ocurren en sitges ,sin duda .

Con una duración de 147 minutos la cual se encontraron sus fragmentos en los archivos de museo de cine de Argentina y que durante dos años se estuvo restaurando para convertirla en un film con una psinopsis más completa y redonda ,que matiza no solo a personajes y que recupera subtramas completas hasta ahora desaparecidas .Incluso llega a transformar radicalmente algunas de las secuencias más conocidas ,como la inundación de la ciudad subterranea ,que ahora resultan más angustiosas y siniestras.
Una una de las joyas del cine mudo ,el argumento y el puesto que ocupa en la historia del cine todos lo conocemos...

"Este año papa noel en versión perversa llega a sitges...En octubre!"

Bajo esta sugerente frase nos llega el film finlandés "Rare exports: a christmas tale" del director Jalmari helander ,el cual a mediados de la década pasada nos descubrió la verdadera naturaleza de santa claus en los cortos "Rare exports inc." i "Rare exports inc. - Safety instructions".

Combinando dosis de humor , aventura i terror la película da un aire nuevo y renovado al fantástico juvenil un poco abandonado desde hace años y convierte a papa noel en una de las figuras más queridas de la cultura occidental y en icono que no tiene nada que envidiar a sus alter egos navideños como los gremlins ,critters ,ghoulies ,y tantas otras béstias que perturvaban nuestros sueños adolescentes.
Con una fotografia perfecta ,se ha llevado el premio en sitges junto con dos más ,es una opción para las productoras muy a tener en cuenta para las fechas navideñas que vienen ,un guión original y similar a un cuento navideño de acción ,donde los protas no son lo que parecen o nos han querido contar las tradiciones ,más bien todo lo contrario , al fin y al cabo ,por muchos años que pasen, los niños todavia tienen miedo de santa claus y esperan su llegada neviosos ,esto se llama instinto de supervivencia. Un film correcto que no va de gran superproducción ni le hace falta, sencillo pero eficaz ,un acierto recomendable para las próximas fechas navideñas.

"El duelo de la venganza del año"
Y otro año más los que nos decantamos por el cine coreano y japonés que últimamente no deja de sorprendernos estamos de enhorabuena ya que tenemos el honor de poder ver la última de uno de los directores más aclamados en europa ,Kim ji-woon ,que muchos recordaran por "2 hermanas", "The quiet family" y "Bittersweet life" .Una película muy al estilo de la trilogía de la venganza de Park chan-wook ,con similitudes con otra grande, "Memories of murder" .En palabras del própio director: "se trata de una película enfocada en las emociones y acciones de dos hombres torturándose el uno al otro en nombre de la venganza".

El resultado ,141 minutos de thriller vibrante ,imparable ,que no dejan ni un minuto de respiro ,violenta y llena de talento ,con un guión excelente y un trabajo artístico de la pareja protagonista de matricula de honor ,un combate actoral casi tan radical y apasionante como el que enfrenta a sus dos personajes .Todo lo que acompaña a la película es de sobresaliente y a destacar la música ,brutal ,últimamente me he aficionado a las BSO de films orientales y cada vez me gustan más ,una calidad en algunos casos como és este muy a tener en cuenta , la nueva ola de compositores lleva tiempo haciendo las cosas MUY bien.
La trama aborda la ética y cuestiona si es correcto llevar a cabo una venganza sangrienta que el director llega a convertir en esta ocasión al psicópata en el acosado y torturado, se invierten los roles. La película deja a la otra conocida "El silencio de los corderos" como un thriller palomitero y del montón ,para todo aquel que quiera disfrutar del THRILLER con mayúsculas en todas sus facetas llevadas con maestria y calidad que no se pierda esta cotizada joya ,"I saw the devil" ,los demás films del género ya no serán lo mismo después de ver la coreana .El bueno de kim ji-woon estrenera en 2011 "the last stand" ,estaremos pendientes del estreno europeo o próximas ediciones del festival ,un director convertido en un clásico de sitges que cada vez tiene más adeptos y reconocimientos allá donde va.

Sesión de cortos a competición II, una buena oportunidad de conocer los nuevos valores de la animación en forma de 14 cortos de varias nacionalidades. Un nivel un poco inferior al de otros años pero con algunos cortos muy interesantes a destacar como "Land of the heads" de Suiza-Canada ,"Mutant Land" de Estados Unidos ,muy espectacular y similar a "número 9" , "Scary therapy" de Australia ,un corto muy divertido y original, y por último "Stanley Pickie" del Reino Unido ,una mezcla de animación real con personajes que funcionan como juguetes de cuerda en la espalda, muy original y trabajado.

El ganador fué "une nouvelle vie!" de Francia ,un trabajo de animación sobre dibujos echos a lápiz con un toque Bill Plympton bastante correcto ,un poco corto pero eficaz.

Un festival con glamour hasta en los pies . Munich made by SITGES 2010 .

2010-10-05T17:47:00.005+02:00

El próximo 7 de octubre arranca una nueva edición (la número 43) de nuestro festival de cine fantástico más internacional, el Festival de Sitges y la marca catalana Munich se ha propuesto calzar al staff del festival, a la prensa y a los actores que acudan al certamen.

Para ello ha lanzado un nuevo par de zapatillas en edición limitada inspirándose en todas esas pelis de terror que tanto nos gustan y aterrorizan a la vez. Una zapa blanca con detalles en negro y falsas manchas de grasa en la que se puede leer el logo del festival, Sitges 2010.

Podrian haberlas costumizado con algún color más chillón o rojizo ,más acorde con el género, pero la verdad es que darian un poquito de grima y mala impresión para según qué público .Han hecho un trabajo muy guapo como siempre suelen la marca catalana en sus creaciones ,seguro que tienen mucho éxito , nos daremos unas vueltas por el festival para verlas puestas en nuestros actores/actrices favoritos/as y demás personas del Staff ,etc.

Para más información : http://www.munichsports.com/es/home/

Sitges nos espera con los brazos abiertos durante 10 dias para degustar el mejor cine de autor y género en uno de los más prestigiosos festivales europeos .Que disfrutemos mucho con la programación y con las sorpresas que podremos ver y que seguramente no lleguen a comercializarse en nuestro país con la dichosa crisis... Sitges forever!!!

Festival de cine de San Sebastián 2010 - 58ª edición - Palmarés -

2010-09-26T15:42:00.007+02:00

Sección Oficial :

- Concha de Oro a la mejor película: Neds de Peter Mullan (Reino Unido-Francia-Italia).

- Premio Especial del Jurado: Elisa K de Judith Colell y Jordi Cardena (España). Por cómo retrata la violencia a la que se ven expuestos los inocentes en la vida cotidiana.

- Concha de Plata al mejor director: Raúl Ruiz por Misterios de Lisboa (Portugal).

- Concha de Plata al mejor actor:Connor McCarron por Neds (Reino Unido-Francia-Italia).

- Concha de Plata a la mejor actriz:Nora Navas por Pan Negro (España).

- Premio del Jurado a la mejor fotografía: Jimmy Gimferrers por Aita (España).

- Premio del Jurado al mejor guión: A Casa por Navidad de Bent Hamer (Noruega-Suecia-Alemania).

- Mención Especial del Jurado: La Mezquita de Daoud Aoulad-Syad (Marruecos-Francia). Por la simplicidad de una historia que esconde lo complejo.

Secciones paralelas

- Premio Kutxa-Nuevos Directores: Los Colores de la Montaña de Carlos César Arbeláez (Colombia-Panamá). Menciones especiales: La Vida Útil de Federico Veiroj (Uruguay-España) y Nothing's All Bad de Mikkel Munch-Fals (Dinamarca).

- Premio Horizontes: Abel de Diego Luna (México). Mención especial: A Tiro de Piedra de Sebastián Hiriart (México)

- Premio TCM del Público: Barney's Version de Richard J. Lewis (Canadá-Italia). Película europea: How Much Does Your Building Weigh, Mr. Foster? de Norberto López Amado, Carlos Carcas (Gran Bretaña-España).

- Premio de la Juventud: Abel de Diego Luna.

- Premio TVE-Otra Mirada: Cerro Bayo de Victoria Galardi (Argentina). Mención especial: Blog de Elena Trapé (España).

- Premio cine en Construcción: Entre la Noche y el Día de Bernardo Arellano (México).

- Premio Casa de América: Asalto al cine de Iria Gómez Concheiro (México).

- Premio cine en Movimiento: Sur la Planche de Leïla Kilani (Marruecos - Francia).

-Premios IX Encuentro Internacional de Estudiantes de cine:

Premio Panavisión: Los Minutos. Las Horas de Janaína Marqués, perteneciente a la Escuela Internacional de cine y TV (Cuba). Segundo premio: Miten Marjoja Poimitaan de Elina Talvensaari, perteneciente a Aalto University (Finlandia). Tercer premio: Ambiente Familiar de Carlos Leiva, perteneciente a la Pontificia Universidad Católica (Chile).

- Premio FIPRESCI: Genpin de Naomi Kawase.

El Jurado internacional está integrado por:

Goran Paskaljevic (Presidente).

Estudió en la FAMU, escuela de cine de Praga. Realizador de30 documentales y 15 largometrajes proyectados y celebrados en festivales internacionales de cine de gran prestigio (Cannes, Berlín, Venecia, Toronto y San Sebastián).

En 1992 el nacionalismo en auge en Yugoslavia lo obligó a abandonar su país. En 1998 regresa para dirigir Powder Keg (en EE.UU. conocida como Cabaret Balkan y en España El polvorín), con la que mereció el Premio FIPRESCI en elFestival de Cine de Venecia y en los Premios del Cine Europeo.
Elegido en 2001 como uno de los 5 mejores directores del año por la guía Variety International Film Guide.

Jose Coronado.

Nacido en Madrid en 1957, comenzó como actor a los 29 años, debutando en el teatro de la mano de Lluís Pasqual con El público, de Federico García Lorca.

Además ha participado en más de 30 películas, con prestigiososdirectores como Ricardo Franco, Antonio Mercero, Vicente Aranda, Mario Camus, Manuel Gómez-Pereira, Imanol Uribe, Gerardo Herrero, Ventura Pons, Carlos Saura –Goya en Burdeos, 1998–, Chus Gutiérrez –Poniente, 2002–, Manuel Iborra –La dama boba, 2005–, Manuel Gutiérrez Aragón –Todos estamos invitados, 2007–, Enrique Urbizu. Con éste último ha interpretado sus trabajos más destacados y con mayor reconocimiento de público y crítica -La caja 507 (2001) y La vida mancha (2002)- y No habrá paz para los malvados (2010).

Jo allen.

Renombrada Directora de maquillaje destacada por su trabajo enefectos especiales. Nominada al Oscar por Mar adentro(A.Amenábar, 2004), por el que recibió un premio Goya. Trabajó en películas como The Hours (Las horas, Stephen Daldry, 2002), por la que recibió la nominación a un BAFTA.The Four Feathers (Las cuatro plumas, Shekhar Kapur, 2002), Captain Corelli’s Mandolin (La mandolina del capitán Corelli, John Madden, 2001), Quills (Philip Kaufman, 2000), Gladiator (Ridley Scott, 2000) y A Midsummer Night’s Dream (El sueño de una noche de verano, Michael Hoffman, 1999).

Claudia Llosa.

Nacida el 15 de noviembre de 1976 en Lima (Perú). Directora, guionista y productora ejecutiva, se formó en Ciencias de la Información en la Universidad de Lima e hizo un Master en Guión Cinematográfico en la Escuela Superior de Artes y Espectáculos de Madrid.

Su ópera prima, Madeinusa, se estrenó en la competición del Festival de Sundance de 2006 y obtuvo premios internacionales, entre ello el Premio FIPRESCI de la críticainternacional en el Festival de Rotterdam y el Premio a Mejor Película Latinoamericana en elFestival de Málaga.

Raya Martin.

Nació en Manila en 1984. Graduado en 2005, en el Instituto de Cine de la Universidad de Filipinas. Guionista y documentalista en la televisión local, prensa escrita, radio y revistas online.

Fue el 1º cineasta filipino en ser aceptado por la Cinéfondation Résidence del Festivalde Cannes. Hasta la actualidad dirigió 8 largometrajes y varios cortometrajes.

Pablo Trapero.

Nacido en San Justo, Buenos Aires, Argentina, en 1971, Pablo Trapero estrena en 1999 su 1ª película, Mundo grúa, que participa en el Festival de Venecia y obtiene numerosos premios en el exterior. Un año más tarde realiza el mediometraje Naikorobteniendo un premio otorgado por el Hubert Bals Fund y, paralelamente, inicia con su 2ª largometraje, El bonaerense, que se estrena en el Festival de Cannes de 2002 con muy buena crítica y recepción del público.

Lucy Walker.

Creció en Londres. Estudió Literatura en Oxford y posteriormente Cine en la Universidad de N.York, con una Beca Fulbright. Dirigió obras de teatrales durante sus estudios en el instituto y en la Universidad de Oxford, donde obtuvo los premios de la Oxford University Dramatic Society.

Especialmente conocida sobre todo por los 4 documentales que dirigió: Devil’s Playground (2002),Blindsight (2006), Waste Land (2010) y Countdown to Zero(2010). Los de 2010 estrenados en Sundance y fue la primera oportunidad, en ese festival, que un director de documentales ha estrenado 2 películas el mismo año.